She's Analog

March 3, 2026

No Longer, Not Yet

Carton, 2025

9/10

Listen to No Longer, Not Yet

This sophomore album from Italy’s She’s Analog treats us to 6 tracks of creative and improvised jazz sounds from 3 very exploratory minds.

“Tingle” starts the adventure with close attention to mood, as Giovanni Iacovella’s frisky drums and Stefano Calderano’s radiant guitar are used strategically, and “Narrow Pass” follows with waves of beauty thanks to the warm guitar, light drums and dreamy backdrop.

“Danse Macabre” and “Slow, Kick” land in the middle. The former carries an atypical rhythm that’s pretty and cinematic, while the latter benefits from Luca Sguera’s unpredictable keys that help cultivate a mood of mystery.

“Blu” exits, and it’s 18+ minutes of percussively strong bouts, light guitar, ethereal ebbs and a rare intimacy that’s reflective and sonically chilling.

Somewhere between jazz, post-rock, minimalism and electronica, every moment here is of intrigue and fascination.

Travels well with: Parquet- Sparkles & Mud; No Tongues- Ici

Tatiana Paris : thalle

Publié par Claudy Jalet le 23 janvier 2026

Carton Records

A la vue de cette pochette, j’ai immédiatement pensé à celle de « Still Life » de Van Der Graaf Generator. Ici aussi, c’est ce végétal sans racines, sans feuilles, nommé le thalle qui sert d’illustration et il est, finalement, une bonne évocation de la musique jouée par cet artiste. Tatiana Paris déploie ici son second volet sonore (après « Gibbon » en 2022). Un album de dix compositions, titrées sans majuscule, qui se déploient d’une traite pendant 45 minutes. Un étonnant voyage, parfois hirsute, sur lequel Tatiana joue de la guitare préparée, l’accompagne de synthèses modulaires, d’objets, d’un vieux « hertzian acousmonium » (un ancien enregistreur), d’un orgue, parfois d’un chant éthéré, auto-tuné. Cette musique cinématographique semble se mouvoir, se fondre dans le milieu sous-marin. On s’imagine les végétaux ondulant au rythme d’un courant liquide. On imagine une lente progression de notre être dans le monde aquatique (« thalle I »). Puis c’est une guitare acoustique, striée, qui accompagne la voix de Tatiana sur « canine ». Parfois, les sonorités sont perturbées, triturées. C’est alors de l’ambiant bruitiste qui surgit (« hibbon »). On accepte une sombre mélopée presqu’uniforme de huit minutes (« thalle II ») avant les délires dissonants, low-fi, mais assez fascinants de « grand duc ». C’est sur un décousu « salluit » qu’elle nous laisse, tout en y posant sa voix et en agissant de ses doigts sur nombre de boutons, qu’elle semble bidouiller en tous sens. De la « chanson française » réellement autre qu’Areski et Brigitte Fontaine doivent apprécier tout en se marrant, en se disant, qu’avec ce titre, ils ont fait des émules ! En essai de conclusion, je dirai : dans son ensemble, ce « thalle » se veut comme une suite parfois étrange de structures sonores, un peu bruitistes, un peu lumineuses, un peu caverneuses, ambiant, répétitives, au fil des ondulations du végétal et de son milieu. Une étrange déambulation musicale peut-être pas aussi fictive que nous pourrions le penser.

tangent mek must be one of those albums that will stay with me forever. It is not only exceptionally well-produced and well composed but beautifully assembled in terms of means and techniques and steered and manoeuvred excellently by the intuitive musical sense of Anouck Gethon, Anna-Kaisa Meklin and last but definitely not least Marina Tantanozi.

The whole album is a tale - it moves, strays, and has its own odds and ebbs but it stays on the line with compositional aspect and never goes beyond what was the main theme - a travel, a journey. 

The music itself - stems from improvised sessions which then led towards more organised compositions, organised in terms of the three members of the project wanted to achieve.

The harmony of this album is like a medicine - some sort of perennial wisdom that bleeds through the phrases and the spoken word, and the phrases. 

I have to remind myself that harmony is not necessarily a question of tonality - it is something that goes beyond purely metrical and musical language. This album embodies that.

It's rich in flavour you can just taste briefly - it opens up every time you listen to it in full. 

A beautiful and a rare gem. 

5 songs you need to hear this week

[…]
Bobo & Behaja: “parepare”
“parepare” goes all over the place and I’ve followed each thread to its end. This is the lead track on Bobo & Behaja’s new tape Aia Haja?, invented someplace between Budapest and Zurich and recorded using horn loudspeakers, karaoke amplifiers, and homemade pedals that “reproduce the sonorities of the bal-poussière ceremonies of southwest Madagascar.” Bobo & Behaja blend free jazz, garage rock, and tsapiky together, corking feral guitar lines with saxophone honks that strobe then spiral. On the topline, Ekaly’s vocal unspools like an instrument governed by its own chaos, while François Rosenfeld and Gérard Rakotoniaina’s half-staccato, half-anarchic rhythm section brightens the tune from below. These are Malagasy virtuosos bouncing off each other’s impulses. I’ve never heard anything like it. —Matt Mitchell

Albums Of The Week: Bobo & Behaja | Aia Haja?

By

Darryl Sterdan

-

2026-02-19

THE EDITED PRESS RELEASE: “Isolated from the rest of the group at the front of the plane taking us from Budapest to Zurich, Behaja left without waiting for us, confidently following a group of travellers who had gone to catch their connecting flight,” recalls one of the Franco-Malagasy guitarist’s bandmates — a list that includes vocalist Ekaly, also saxophonist Maxime Bobo, bassist François Rosenfeld and drummer Gérard Rakotoniaina. “Lost in switzerland’s largest airport, he had no phone and he speaks neither French, English nor German.

“After an hour and a half of searching and several public announcements to the thousands of travellers, the airport police, initially uncooperative, finally found him at the end of a corridor. Finally reunited, we managed to catch the transfer to Paris at the last minute, but some of the suitcases — checked in hastily — were loaded into the hold of a different plane.

“A few days later, we set off to record our first album, deprived of much of our equipment — horn loudspeakers, karaoke amplifiers and homemade effects pedals that reproduce the sonorities of the ‘bal-poussière’ ceremonies of south-western Madagascar — which the airline sent us after a week’s wait. So it was only during the last two days in the studio that the conditions were right for recording the tracks for this album.

“The repertoire, largely created in Madagascar and then performed on stage during a European tour of some 30 concerts, is based on the new rhythms, structures, instrumental and vocal techniques of contemporary tsapiky, of which Behaja is one of the most emblematic musicians.”

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simon henocq
— chronique

—
par guillaume malvoisin
photo © COAX

cet article est extrait du numéro 9 de notre revue papier

Simon Henocq électronique
Luca Ventimiglia électronique (tr. 8)

carton records
avril 2025

Il y a des dissolutions qui réussissent mieux à certains qu’à d’autres. Pour Simon Henocq, c’est certain. Sa musique, au « langage physique et instinctif » revendiqué, fait même de la dissolution une pratique aussi familière que pourrait l’être le simple geste d’ouvrir la cabine d’une douche pour vous et moi. Sans faire le zouave avec les épithètes, c’est important de remettre sur l’établi des notions comme le liquide, le familier et le dissolu pour évoquer We Use Cookies, dernier disque d’Henocq. Pilier du Collectif Coax, militant olympien, artiste bruitiste, l’électronicien délicat pousse un peu plus loin l’intimité du désordre. Liquide, la musique qui s’écoule de We Use Cookies l’est d’évidence. Organisée en couches fluides et multiples, avançant dans une progression régulière au fil des 10 plages du disque, à la cohésion impressionnante, malgré les sautes d’humeur et de dynamique. Ainsi, Kill Switch perturbant jusqu’à s’en faire le promontoire, les traitements d’Argile, track précédent. Ainsi chaque pulse sonore est propulsé par l’idée qui la suit, sans s’effacer mais en se dissolvant, avec ce qui ressemble au bonheur, dans les idées suivantes. We Use Cookies devient alors un artefact de sédimentation sonore, une action qui doit être autant plaisante à entendre que fascinante à voir.
Mais la dissolution, radicale et brutale, à l’œuvre dans le disque, travaille, par ailleurs, un supplément au simple jeu de tension/pulsation. Et c’est là que la familiarité entre en action. Le sonore de We Use Cookies pourrait se faire aussi accueillant qu’un bureau de vote un matin de dissolution inopinée. Pourtant, ce qui est joué et se joue dans ce disque relève moins de l’étrangeté que de l’évidence. Laissant la stratégie du chaos à quelque vieux stal’ en campagne, Simon Henocq joue le jeu de la noise en rendant les sons « à leur état sauvage » comme le formulerait Catherine Guesde, sans les perdre de vue pour autant. Son instinct le pousse à canaliser cette sauvagerie pour non pas la ramener du côté de l’apprivoisé mais sur le terrain du sublimé, ouvrant des passages audios impressionnants, comme cette bascule de la fin de S.T.I.R. Moins dissoute que magnifiquement dissolue.

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7.02, biennale souffle
ici l’onde – cncm
— chronique

—
par Selma Namata Doyen
photo © ici l’onde

Le cadre est posé d’emblée et se construira peu à peu. : We Use Cookies est une forme articulée en séquences nettement dessinées, avec ses paliers d’intensité, ses suspensions, ses fractures. Joie intime, Simon Henocq en donne la première version jouée sur acousmonium. Son écriture reste au centre des enjeux mais trouve un espace d’interaction supplémentaire à ce qu’on a pu entendre sur disque. Nouvel espace particulièrement fin, trajectoire sonore rigoureuse. Des blocs électro-noise compacts, saturés, presque abrasifs, cèdent la place à des étendues plus aérées où chaque grain, chaque vibration devient perceptible. Henocq travaille la durée avec une précision d’orfèvre : il installe une boucle, la laisse proliférer, s’éroder, muter. Puis bascule. Pas d’effet gratuit — les transitions structurent réellement le parcours. La partition existe, tangible. Pourtant, elle respire. Certaines sections s’allongent, d’autres se resserrent selon l’énergie du moment. À plusieurs reprises, une tourne se stabilise, permettant au musicien de se mettre en retrait, d’écouter comme un·e auditeur·ice parmi d’autres, d’ajuster imperceptiblement. Cette vigilance fait partie intégrante du dispositif : la composition n’est pas figée. Elle avance. Mieux, elle se déploie. La spatialisation sur l’acousmonium Alcôme, assurée par Armando Balice, reste secondaire dans la hiérarchie des enjeux musicaux, mais elle sous-tend avec force la réussite de représentation. Elle impressionne, au sens premier du mot, par sa précision. Les masses circulent, les impacts surgissent latéralement, certaines fréquences enveloppent littéralement le corps. À chacun·e son degré d’abandon : hypnose pour certain·es, contemplation pour d’autres. Henocq demeure, quant à lui, intensément connecté, à son set comme à la salle. Charisme discret, nonchalance apparente, bienveillance tranquille — et concentration totale. Une tension traverse l’ensemble — brute et scintillante à la fois — comme le pigeon mort et pailleté d’or fin de la pochette du disque éponyme de ce set : image dérangeante et brillante, trivialité assumée, éclat inattendu. La musique tient ce même équilibre. Ça cogne, ça irradie. On coche « accepter les cookies ».

Live techno renversant

De 19 heures à 23 heures, tout s’est passé dans la salle en sous-sol. Entièrement conçue pour l’acousmonium (ensemble de haut-parleurs) de la compagnie Alcôme, en lien avec le Conservatoire à rayonnement régional du Grand Chalon, la soirée a alterné diffusion de courtes pièces electro-acoustiques et live spatialisés.

Côté pièces, mention spéciale à Parturition (2026) de Aude Husson Patru, très puissante évocation sonore d’une mise au monde. Côté live, acclamation totale pour Simon Henocq, qui a sculpté durant près d’une heure sans temps mort un intense matériau électronique – tendance techno industrielle – avec autant de finesse que de vigueur. On recommande au passage fortement l’album We Use Cookies, sorti en 2025, qui constitue la matière première de ce live renversant. L’incontestable pic de la soirée et du week-end.

Le festival Souffle s’est déroulé du 30 janvier au 8 février 2026 à Dijon.

Next Week in Music | February 16-22 • The Short List: 21 Titles You Want to Hear (Part 1)

By Darryl Sterdan - 2026-02-15

It has been one of those days when nothing works right. Not my fingers; not my brain; not my laptop; not the Internet. So screw it; I give up. But somehow, despite all the roadblocks and setbacks and dumbassery, I have still managed to put together this list of worthwhile music. Here are your plays of the week:

Alexsucks

Autopilot

THE EDITED PRESS RELEASE: “Autopilot is yet another reason to run, not walk, to the nearest Alexsucks gig. Opening on a jagged guitar riff, the title track from their new album quickly explodes into a breakneck pace driven by thrumming bass and drums that pop like firecrackers. Harnessing both slacker cool and fiery emotion, frontman Alex Alvarez sings from the POV of someone who’s lost without their other half — who doesn’t yet understand why it’s over or who’s to blame: “If I’m the one that holds the gun / Then tell me why am I bleeding? I’m bleeding / Well so what, we lost control / Autopilot, I need ya, I need ya. ” Alex adds simply, “If you don’t wanna shoot yourself in the foot, then don’t. ” It’s all part of a wild run that finds the band continuing to solidify themselves as the new faces of modern rock.”

Altin Gün

Garip

THE EDITED PRESS RELEASE: “Altın Gün, the Grammy-nominated Turkish psych-groove quintet from Amsterdam, return with their sixth studio album Garip — their most ambitious and diverse release to date, and a heartfelt tribute to the legendary Turkish folk bard Neşet Ertaş. Neşet Ertaş (1938–2012) was a beloved icon of Anatolian music; a gifted singer, lyricist, and bağlama virtuoso who carried the spirit of the ashik folk tradition into the modern era. Garip (Strange in English) features ten of his compositions, each reimagined and richly expanded through Altın Gün’s distinctive lens. An electrifying live band with an ever-growing global following, Altın Gün push their sonic boundaries even further on Garip — weaving in lush Arabesque string arrangements, bursts of saxophone, glimmering synth balladry, and a fresh surge of tightly wound rock ’n’ roll.”

The Band of Heathens

Country Sides

THE EDITED PRESS RELEASE: “Self-produced with longtime collaborator Jim Vollentine, The Band of Heathens’ landmark new album Country Sides delivers a freewheeling, greasy guitar filled collection of roots-rock packed with barroom piano rockers and soulful swaggering anthems. Long hailed as one of the most fiercely independent bands in rock and roll, the group has built a career outside the traditional music industry and achieved platinum level success doing so. Founded 20 years ago by Ed Jurdi and Gordy Quist, their enduring creative partnership evokes the timeless chemistry of Jagger and Richards or Garcia and Weir, built on grit, trust and an unbreakable musical bond. Tracked in just over a week at the band’s studio, The Finishing School, these songs stand among their best yet. The album celebrates self-reliance and life on the margins, underscoring the idea that what’s crafted with care at the edges often outshines what’s mass produced at the center.”

Beggar Weeds

Tragedy in U.S. History

THE EDITED PRESS RELEASE: “Formed in Jacksonville, in the mid-1980s, Beggar Weeds were a trio who chased the offbeat — driving miles out of their way on tour to visit strange museums and roadside oddities. Their music reflected that same fascination with the eccentric: a jangly mix of R.E.M., the almost-falling-apart-ness of The Replacements, and the rumbling melodicism of Hüsker Dü, filtered through Southern folk and punk grit. Their lone 1988 EP, Sure Pants Alot, captured their raw, fast, and fiercely melodic sound — equal parts humor, heartbreak, and rural storytelling. Michael Stipe became an early fan, co-producing unreleased sessions that now appear on their career retrospective Tragedy in U.S. History. Their inclusion marks the first time these songs have been officially compiled, making the release a crucial document of Southern indie rock. Tragedy in U.S. History stands as a unique fusion of sounds and personalities — the missing link between the 1980s underground and the alt-country movement of the 1990s. Though they split in 1992, the Beggar Weeds’ blend of punk energy, country heart, and oddball vision remains a hidden cornerstone of Southern indie rock.”

Bobo & Behaja

Aia Haja?

THE EDITED PRESS RELEASE: “Isolated from the rest of the group at the front of the plane taking us from Budapest to Zurich, Behaja left without waiting for us, confidently following a group of travellers who had gone to catch their connecting flight. Lost in Switzerland’s largest airport, he had no phone and he speaks neither French, English nor German. After an hour and a half of searching and several public announcements to the thousands of travellers, the airport police, initially uncooperative, finally found him at the end of a corridor. Finally reunited, We managed to catch the transfer to paris at the last minute, but some of the suitcases — checked in hastily — were loaded into the hold of a different plane. A few days later, we set off to record our first album, deprived of much of our equipment — horn loudspeakers, karaoke amplifiers and homemade effects pedals that reproduce the sonorities of the “bal-poussière” ceremonies of south-western madagascar — which the airline sent us after a week’s wait. So it was only during the last two days in the studio that the conditions were right for recording the tracks for this album. The repertoire, largely created in Madagascar and then performed on stage during a European tour of some 30 concerts, is based on the new rhythms, structures, instrumental and vocal techniques of contemporary tsapiky, of which behaja is one of the most emblematic musicians.”

Liz Cooper

New Day

THE EDITED PRESS RELEASE: “The thing about finding yourself is there’s always another corner to turn. Vermont singer-songwriter Liz Cooper made her third album during a period of intense self-discovery and reinvention. She moved to New York for the first time, weathered a pandemic, came out to herself after falling in love with a friend, and experienced her first queer relationship and breakup, all in the course of a few years. New Day marks both a personal and a musical revolution for Cooper — a plunge into psychedelic pop depths and a fullhearted reflection of a whirlwind chapter in her life. These songs scintillate with the kind of self-confidence that only beams through after you’ve aimed a sharp gaze inward and realized that whatever you see will always keep darting ahead of you. In making New Day, Cooper radically overturned her habitual approaches to making music. Rather than writing with a full band behind her, she recorded demos alone in her apartment, learning day by day to trust herself as she forged her new sound. “I needed to show up for myself to finish writing something that felt impossible,” Cooper says. “New York really challenged me to become a better writer, artist, and person. Living there made me ask myself, why am I making this? Why am I doing any of this? What’s the point? I was tired of being pigeonholed as a guitar player and Americana artist. I needed to follow my own creative bliss.”

The Enemy

Social Disguises

THE EDITED PRESS RELEASE: “The Enemy have announced their first album in more than a decade. The Coventry trio’s long-awaited fourth studio album Social Disguises is their first full-length project since 2015’s It’s Automatic. For fans of their blistering debut We’ll Live And Die In These Towns, this new chapter promises a return to form with fresh emotional depth. Reuniting in 2022 with their original lineup — Tom Clarke (vocals/guitar), Andy Hopkins (bass) and Liam Watts (drums) — The Enemy have spent the past few years reigniting their live firepower with sold-out headline shows, festival slots, and a run on the Indie Til I Die tour alongside The Subways and The Holloways. Behind the scenes, they were crafting Social Disguises, a record designed to recapture the raw energy and youthful urgency of their early days, while reflecting the hard-earned wisdom of a band that’s weathered the industry’s highs and lows. Produced by longtime collaborator Matt Terry — who previously helmed fan favourite 40 Days and 40 Nights and the Top 20 hit No Time For Tears — the album is the result of two years of intense creative work.”

Ally Evenson

Speed Kills

THE EDITED PRESS RELEASE: “Over the course of 14 tracks, Ally Evenson’s forthcoming album Speed Kills sees her process the aftershocks of a breakup: the ensuing anxiety, profound sadness, newfound confidence, and ultimately, self-actualization. Co-producing with longtime collaborator and trusted musical confidant nydge, she’s in the driver’s seat on Speed Kills. She sums it up best, “All of these songs are about me and my life. You’re getting who I am on Speed Kills. This is a study of myself. ” Evenson has garnered both critical acclaim and a rapidly growing fanbase with her potent alt-pop songcraft, fueled by equal parts emotional introspection and intellectual bite. Now, she continues her already remarkable knack for self-aware songwriting and sharp-edged reflection, paving the way for an exciting body of work to come.”

Brian James

Kicks And Diabolik Licks

THE EDITED PRESS RELEASE: “The final album by music legend Brian James (founding member and songwriter of both The Damned and Lords Of The New Church and writer of the first British punk single New Rose), who sadly passed away earlier this year. Guest vocalists include Dirty Al from The Dirty Strangers and Ramona from The Mo-Dettes.”

Laughing Hyenas

That Girl: Live Recordings 1986-1994

THE EDITED PRESS RELEASE: “Third Man Records is proud to announce the first-ever live anthology from Ann Arbor noise-rock legends Laughing Hyenas. That Girl: Live Recordings 1986-1994 collects 18 ferocious tracks — painstakingly compiled by founding member John Brannon from his personal archive of cassette tapes and then transferred, mixed, and mastered by Grammy-winning producer Bobby Emmett (Sturgill Simpson, Jack White) — that showcase the band’s full-on sonic groove assault in its purest, most unadulterated and gloriously abrasive form. With their roots firmly planted in Detroit’s punk and hardcore scene of the early ’80s, Brannon (Negative Approach) and Larissa Strickland (L-Seven), along with the locked-in rhythm section of bassist Kevin Strickland and drummer Jim Kimball (and later, former Necros bassist Ron Sakowski and drummer Todd Swalla), Laughing Hyenas took aggressive rock ’n’ roll to a completely different plane.”

Ankündigung: Am 6. März erscheint “Immutable Traveler” von Tangent Mek als CD und zum Download bei Carton Records in Kooperation mit Ligne de crête. Unter dem Namen firmieren die drei Musikerinnen Anouck Genthon, Anna-Kaisa Meklin und Marina Tantanozi. Das Album, das im vergangenen Jahr bereits von Montagne Noir digital herausgebracht wurde, wurde während einer Residenz im okzitanischen Benediktinerkloster Sorèze aufgenommen und versammelt improvisierte Musik für Violine, Viola da gamba, Flöten und Stimme. Die Aufnahmen entstanden in Räumen der Abtei, deren jeweils sehr unterschiedliche Akustik die Stücke prägt. 

Tangent Mek arbeiten, so heißt es vom Label, ohne vorab festgelegtes Material und entwickeln ihre Musik aus gemeinsamer Improvisation. Gespräche, Erinnerungen und langfristige Arbeitsprozesse fließen somit ebenso ein wie das wiederholte Aufnehmen, Überarbeiten und Verdichten des Klangmaterials. “Immutable Traveler” bewegt sich im Feld von Improvisation, Drone, experimentellen Folkansätzen und sogenanntem Soft Noise. Referenzen spielen ebenfalls eine Rolle, so nimmt das bereits erhältliche Titelstück textlich auf ein Gedicht von Etel Adnan Bezug und ist musikalisch inspiriert von einem Lied von Stelios Petrakis. Pünktlich zum Releasedatum gehen Tangent Mek auf Europatour.

Live:

06.03: Kulturbrauerei, Luzern (CH)
08.03: KM28, Berlin (DE)
11.03: Der Hanse, Dresden (DE)
12.03: Galeria Toy Piano, Wrocław (PL) – tbc
13.03: Punctum, Prag (CZ)
15.03: Raumschiff, Linz (AT)
17.03: Echoraum, Wien (AT)
19.03: Vekks, Wien (AT)

Di ritorno dopo il suo esordio Gibbon del 2022, Tatiana Paris non pubblica un disco, ma una sorta di organismo vivente. Un organismo che tramite una fotosintesi mirata ci nutre liberando nell’aria arie nebulose, sulle quali la musicista interviene. Il suo incedere oscilla fra strumentali cheti ed arrangiamenti acustico-rumoristi. Ricorda vagamente quell’onda magica e acustica che spesso accompagnava le uscite Tomlab, una sensibilità che di questi tempi si vede rifiorire anche nelle produzioni di aus e di Flau Records ad esempio, anche se qui, tramite il cantato, l’approccio vira in direzione di qualcosa di più intimo ed orecchiabile. I brani sembrano formarsi per genesi biologica, quasi come il corallo in copertina, molecola dopo molecola in forme e colori delicati. La chitarra boccheggia fra un respiro e l’altro, placida, a dare grumi di suono che a tratti potrebbero ricordare la magia dei Gastr Del Sol in trasparenza, quasi come se invece di spartiti Tatiana suonasse direttamente degli erbari, dando il via a piccoli caos appena percettibili, come minute forme di vita sotto il vetrino di un microscopio. Quando poi interviene l’organo di Rachel Langlais nelle due parti della title-track la magia si fa ieratica e immobile, quasi ci costringesse a cercarne una presenza con lo sguardo oltre che con l’udito. Il ritorno della voce nella conclusiva “salluit” (tutti gli interventi vocali sono tratti da poemi di Pierrick Pagé, Joséphine Bacon e Marie Andrée Gill) è un commiato crepitante e misterioso, un breve attimo di crescita e di luce condivisa fra esseri in continua evoluzione e cambiamento.

Carton Records a ce pouvoir de nous magnétiser par l’inconnu, par le prisme d’escapade musicale aventureuse. Au gré des sorties, il nous arrive de nous fondre dans le minéral ou de nous plonger dans les méandres de quelque chose de plus organique.

Avec Thalle de Tatiana Paris, c’est une sorte d’apogée, de pièce unique, inaltérable, parvenant à nous happer dans un inconfort sonore (intro) qui joue à la fois son rôle d’appât, mais surtout de procession vers un autel recouvert de cette thalle qui se déploie avec un détachement quasi-surnaturelle. Foisonnant et prégnant, la musique balise un chemin d’excellence, s’extirpant des flots balisés, pour mieux traduire ce que l’évanescence peut produire quand elle n’est pas la racine du futile (Hibbon inédit fantastique de Low) A tomber comme du Gastr del Sol, cela nous fait fondre comme certains travaux de field recording hébergé par l’excellent label Aagoo records, c’est lumineux comme un lever de soleil dans les brumes légères d’un sommet vosgien l’été.

Thalle est la traduction musicale parfaite du mot EMOTION, une ballade sans âge, une plongée, telle celle du Discovery One vers ce que nous ne pouvons imaginer, une frontière, celle qui répondrait à la possibilité que l’infini puisse avoir une fin.

Entre structures sonores planantes et pleines de bruits, de propositions d’évasion, Thalle est une envolée émouvante, presque mystique, et pourtant bien ancrée dans le sol, avec des racines qui seraient orientées vers le ciel. Terrassant de beauté.

Juliette Pym et Bonella Holloway forment Générique Mardi, duo excentrique pop lo-fi rachitiquement no-wave qui part génialement de travers. Elles marient les genres ici dub dirait-on (You cross the line), Waiting room en attente de soins narre le délire du secteur santé. Il accroche, de par ses sons et son histoire qui pourrait mener à l’insanité. Les Toulousaines, inventives, minimales, s’emballent sur A place for us. Basse charnue et sonorités volantes triturées assurent l’accroche, alors que la cadence se fait sèche et cinglante. Parfait. Il y a une place pour elles, assurément, dans le paysage indé de nos prairies. Bathwater m’évoque Young Marble Giants, Laurent Santi de chez Cœur sur toi va encore palper du biffeton avec cette parution K7 digne de la plus majeure des majors. Pour le coup il partagera avec AB Records, lui aussi avide de caillasse, y’a qu’à voir son catalogue…bref, c’est une histoire de fouilles pleines tout ça! House of cards séduit quand vient son tour, dans la lignée magnifiquement dénudée de l’ensemble. Il fuse, rêve de par ses vocaux.

Second volet, Narrow cages et cold-wave là encore merveilleuse, bancale et irraisonnable. J’entends, là-dedans, le courant late 70’s et sa foison de projets en marge. Lights turn green en sort, on en loue les sons foufous et le climat dépeigné. En France on a « tout qu’est-ce qu’y faut », pour le coup c’est dans le sud qu’on déniche la perle. Compulsif va le devenir, il pollue la draperie. Il gémit, se souille et médicationne. Rebecca excelle, sans faire la belle, et groove on drugs. Dick meditation, vague cold des plus fréquentable (quoique…), en Anglais, médite sur la b+++. Dans les textes, il y a matière. Le terminal La fête pulse et flirte avec le club, Rebecca moi je kiffe et je parierai qu’il en sera de même pour mon réduit mais fidèle lectorat.

My 40 Favorite Albums of 2025, part 1

Tangent Mek, Immutable Traveler (Montaigne Noire)

French violinist Anouck Genthon, Greek flutist Marina Tantanozi, and Finnish viola de gamba player Anna-Kaisa Meklin are all based in Switzerland where they came together to form Tangent Mek, a trio of stunning versatility and lyric beauty. They toggle between folk material and contemporary music on Immutable Traveler, rejecting any notion of stylistic purity. Sometimes it reminds me of the folk explorations taken by Silvia Tarozzi and Deborah Walker in their Canti di Guerra project, when they all sing lovely melodies, while elsewhere they conjure sonic worlds that the listener can inhabit, such “Say it Clear, Say it Loud,” where the layers of sustained tones generate a lush physical sensation, as one line or another seems to move across the foundation, suggesting a beguiling three-dimensionality.

Zwischengestreut als Überbrückung eine Vorhut auf Sounds die nach der Atlantikquerung warten. Am Brückenkopf Italien befindet sich das Trio She’s Analog mit »No Longer, Not Yet« (Carton Records/Torto Editions) quasi in einer Transitzone. Die Raffinesse des Klangs ergibt sich hier teils auch aus überbordenden Schichtungen, doch münden Tapes und Field Recordings in einen Kompositionskreislauf. Insbesondere ist das 18-minütige »Blu« Soundcollage und mäanderndes Improv-Stück zugleich, mit einem zwischendurch sich prächtig herausschälendem Mellotron.

22 décembre 2025 /

Gerald De Oliveira

“Bilan 2025”

Allez, à la one again, encore un bilan pour que dalle. Vous allez me dire, mais pourquoi continuer, et la réponse est simple, par soucis de fixer dans le temps une année musicale, afin de pallier une mémoire qui finira par se barrer, comme tout le reste. Ce sont donc 20 albums ou EP, récapitulatif de mes écoutes nomades qui excluent les lives sinon Radiohead et Nick Cave seraient de la partie (merci itunes) et de mes écoutes à la maison (merci petit calepin qui comptabilise les écoutes des vinyles......vous me croyez......vous devriez...ou pas). 20 propositions d’un chroniqueur en fin de parcours, qui depuis plus de 25 ans balance ses bêtises en se prenant avant tout pour ce qu’il est, un improbable branleur, indécrottable ours, qui aime la musique pour les émotions, mettant de côté l’intellectualisation outrancière qui a fini par tuer une grande frange de la musique pas comme les autres. Alors profitez de ces 20 disques, prenez des claques, des caresses, prenez tout ce que ces disques vous donnent, l’impression qu’il y a toujours quelque chose de vivant ici-bas, et que la mémoire, si elle n’est pas neuve, a la possibilité d’encore se charger de plaisirs musicaux.

[…]

8. Tatiana Paris – Thalle

« ...entre structures sonores planantes et pleines de bruits, de propositions d’évasion, Thalle est une envolée émouvante, presque mystique, et pourtant bien ancrée dans le sol, avec des racines qui seraient orientées vers le ciel. Terrassant de beauté. »

In 2022 bracht Tatiana Paris met Gibbon haar eerste soloplaat uit. Het album bestond vooral uit sologitaar en tapes en leverde haar de nodige erkenning en daarmee ook tientallen concerten op.

Paris is nu terug met haar tweede plaat, wederom op het Franse label Carton Records. Ze maakt met thalle een plaat over willekeurigheid en correlatie. Hoe komen niet-gesynchroniseerde elementen samen om een harmonieus geheel te vormen? De albumtitel verwijst daarbij naar planten zonder wortels en bladeren, zoals bijvoorbeeld algen of mossen.

Weinig houvast dus, maar dat maakt van thalle geen los zand of nietszeggende vaagheid. Wél is het weer een uitdagende, experimentele plaat. De eerste zeven, acht minuten worden intrigerend gevuld met schijnbaar losse geluidjes, kleine noise en indringende drone.

Modulaire synths, orgel, objecten, radio, tapes, bewerkte gitaar en stem zijn de elementen die thalle vormen. Op hibbon horen we een zwaar (door auto-tune) bewerkt koor en intense, geladen, fuzzy noise. De titel van de track verwijst naar het afsterven van organen en de tonen die zich manifesteren na het verdwijnen van de ademhaling, een idee wat je ook kunt koppelen aan het uitzetten van machines. En dat is vooral wat hibbon uitstraalt.

pagaille laat machinale klanken horen die toch iets organisch en warms houden. Een fris soort minimalisme dat – inderdaad – willekeur tot een vreemdsoortige harmonie weet om te vormen.  Dat geldt ook voor grand duc dat ‘zeurt’ als een insect maar dat ook een kalme progressie, voortgang laat horen. Ook hier komen kleine autonome entiteiten samen om tot een min of meer coherent klankenlandschap, muziekstuk te komen.

Op canine zingt Paris een liefdevolle tekst die ze ooit kreeg van haar geliefde. Het stuk is daarmee een stuk concreter en tastbaarder. IJle jazzgitaar en Paris’ dito voordracht zijn de enige elementen in dit ruimtelijke, open stuk. De twee titelstukken – bewust op iedere plaatkant één – bestaan vooral uit orgel drone, van de hand van Rachel Langlais. Tatiana Paris deinst er niet voor terug om hier ruim de tijd voor te nemen, maar beide tracks weten zonder meer te prikkelen.

De muziek van Tatiana Paris laat zich niet gemakkelijk omschrijven. ‘It moves between noisy chanson and spectral minimalism’, werd wel gezegd. Daar zit wat in. Op thalle kun je vele termen loslaten, vooral omdat de muziek het machinale combineert met het organische, het serene met het verstorende. Het beste is om het album gewoon te ondergaan. De kans is groot dat het een bijzondere, mindful ervaring oplevert. Muziek als dit laat heel veel ruimte voor interpretaties, associaties en een prikkelende onduidelijkheid.

Deux ans après un duo au côté de Philippe Foch, l’électronicien Simon Henocq revient cette fois-ci en solo. Solitaire certes, mais habité, il continue son exploration du son à partir d’un matériau brut fait d’une multitude de bruits blancs aux éclats industriels. On est en effet ici dans la matrice de l’électronique où rien n’est foncièrement aimable ni même sensuel, sorte de dérèglement primitif qui agace l’oreille autant qu’il la captive.

Avec un savoir-faire notable, Henocq en effet joue des superpositions de trames. Il les empile, les fait glisser ou se contorsionner les unes sur/sous les autres avec le souci de construire d’une autre manière un narratif dégagé des codes conventionnels. Ici, le débord est la règle, et de cette outrance naît une tension crue qui jaillit dans l’instabilité du moment où l’oreille cherche à trouver des repères qui s’effondrent irrémédiablement.

L’acceptation de cet univers âpre et en mouvement permanent est la condition première pour apprécier cette musique qui se livre. Nous plongeant dans un monde froid mais généreux dans ses excès, elle donne à entendre une proposition inouïe (dans le sens premier du terme, même s’il est vrai qu’on pense à la musique de Merzbow), en tous les cas personnelle et, par bien des côtés, captivante.

di Peppe Trotta

Un ulteriore grado di libertà, di ‘accidente’ voluto, entra a fare parte dell’immaginario sonico di Tatiana Paris per dare forma al suo secondo lavoro solista. Thalle riparte dalle intuizioni dell’esordio del 2022 – sempre per Carton Records – espandendole nel lessico e nella sovrastruttura concettuale, sconfinando in un susseguirsi cangiante di singole entità risonanti incastrate in un flusso privo di soluzioni di continuità.

La sperimentazione pura sulle potenzialità delle corde della chitarra sottoposte all’azione di tecniche estese rimane presente senza più essere centro delle composizioni. Il contributo degli agenti esterni – nastri, echi ambientali, inserti elettronici – si fa più corposo, ma è soprattutto la presenza dell’organo a caratterizzare l’insieme. I suoi suoni sostenuti permeano ciascun paesaggio, pensato e sviluppato come compresenza di elementi eterogenei da organizzare per funzionare.

Al ribollire tattile dell’elettroacustica inaugurale corrisponde la diluizione drone ambient della prima sezione della title track, così come allo stridore avant della frastagliata Pagaille fa eco la forma canzone elegante di Canine. Ogni tassello, isolato, risuona a se stante, scollegato dal tutto per forma e atmosfera. Eppure l’autrice sa ricavarne una trama coerente in cui leggerezza melodica (Avril), rigore esecutivo (Thalle), decostruzione (Grand duc) e sperimentazione (Salluit) convivono generando un caleidoscopio abbagliante.

Con ''Thalle'', uscito per Carton records, Tatiana Paris firma un’opera che sfugge alle classificazioni semplici.

Il titolo, che richiama il “tallo” – organismo privo di radici e foglie, come licheni e alghe – è già una dichiarazione poetica: una musica che cresce senza appoggiarsi a strutture convenzionali, ma che si sviluppa in modo organico e coerente.

L’album si apre con ''Intro'', un invito sommesso che prepara il terreno a un viaggio sonoro fatto di contrasti e delicatezze. Le due tracce omonime, ''t h a l l e l'' e ''t h a l l e ll'', sono lunghe distese di drone agli organi, suonate da Rachel Langlais, che instaurano un tempo dilatato, quasi liturgico.

Tra queste isole sonore si insinuano miniature intime: ''Pagaille'' tintinna e si frantuma, ''Canine'' brilla di purezza cristallina, mentre ''Grand Duc'' si muove come un metronomo scomposto, sospeso tra chitarra preparata e timbri ibridi.

Tatiana Paris lavora con un arsenale eterogeneo – chitarra preparata, voce, piezo, radio, synth modulare, oggetti – ma il risultato non è mai gratuito. Ogni suono sembra cercare la sua collocazione in un ecosistema fragile, dove il caos trova ordine attraverso micro-correlazioni.

È insomma, la sua, una musica che non punta all’originalità forzata, ma alla sincerità: un minimalismo caldo, epidermico, che trasmette prossimità e ascolto profondo.

Se il precedente ''Gibbon'' (2022) mostrava già la sua inclinazione sperimentale, ''Thalle'' la conferma e la amplifica: un disco esigente, ma capace di regalare momenti di pura contemplazione.

Non è solo un album, è un organismo vivo, che respira lentamente e invita a rallentare il proprio ritmo per percepire altre temporalità.

In sintesi: ''Thalle'' è un’opera che intreccia drone, improvvisazione e poesia sonora in un continuum meditativo. Un disco che non cerca di piacere a tutti, ma che conquista chi è disposto a lasciarsi avvolgere dalla sua discreta radicalità. (Andrea Rossi)