3 septembre 2026 /
Hassan K.
“Gharbzadeh” (Carton records)

rédigé par gdo

On a tous connu ces attractions foraines où l’on monte en pensant passer un bon moment avant de comprendre, une minute plus tard, que le responsable de la sécurité est probablement parti déjeuner. Gharbzadeh procure exactement cette sensation. Ça secoue, ça cogne, ça désoriente. On en ressort avec les jambes flageolantes et cette légère nausée qui accompagne parfois les expériences dont on ne sait toujours pas si elles nous ont procuré du plaisir ou si elles nous ont simplement survécu.

Le projet d’Hassan K., alter ego du Franco-Iranien Keyvane Alinaghi, ne cherche jamais à faire cohabiter paisiblement les styles. Il les percute de plein fouet. Les senteurs orientales tentent de conserver leur équilibre au milieu de rythmiques tapageuses, de guitares sauvages qui semblent perdre une roue à chaque virage, d’électronique bondissante, de métal, de math rock, de surf music iranienne et d’une multitude d’accidents sonores qui ressemblent parfois davantage à un chantier en activité qu’à un studio d’enregistrement. Pourtant, derrière cette apparente anarchie, le disque raconte autre chose : un pays traversé par les fractures de son histoire, pris entre héritage et occidentalisation, sans jamais transformer son propos en leçon de géopolitique. L’impression dominante reste celle d’un gigantesque grand huit musical. Chaque morceau ouvre une nouvelle porte, souvent pour la refermer avec fracas quelques secondes plus tard. (Baba Karam) constitue sans doute le point culminant de ce pilonnage en règle. Tout semble vouloir s’y entrechoquer dans une euphorie quasi incontrôlable, comme si chaque instrument cherchait à raconter une histoire différente sans jamais accepter de céder la parole. Le plus déroutant demeure cette capacité à faire dialoguer des mondes qui, sur le papier, n’auraient jamais dû partager la même pièce. Ici un violon espiègle vient provoquer des guitares déraillées, là des pulsations techno rebondissent sur des rythmiques traditionnelles avant qu’une déflagration métallique ne vienne remettre les compteurs à zéro. Hassan K. refuse obstinément le folklore de carte postale. Il préfère bousculer une culture millénaire au contact des sons d’aujourd’hui plutôt que de la figer dans une vitrine.

Douze morceaux plus tard, difficile pourtant de prétendre avoir trouvé le fil conducteur. Ou plutôt, il existe bien un fil, mais il s’emmêle volontairement entre les jambes de ce mariage improbable entre Moyen-Orient, rock, électro, métal et expérimentations bruitistes. La cohérence semble parfois portée disparue, remplacée par une fuite en avant permanente où chaque idée chasse la précédente avant même d’avoir totalement existé.

C’est probablement ce qui divisera. Certains parleront d’un laboratoire sonore fascinant, d’autres d’une indigestion en règle. Pour ma part, je me situe quelque part entre les deux. J’admire profondément la liberté de ton, l’absence totale de compromis et cette volonté de ne jamais folkloriser les racines iraniennes du projet. Mais j’aurais parfois aimé que ce train fantôme ralentisse quelques instants pour me laisser reprendre mon souffle avant de repartir de plus belle. Un disque qui ne demande pas simplement d’être écouté. Il exige qu’on accepte de perdre l’équilibre.

Delphine Dora

L’ineluctable pulsation du temps

Marionette

Inspired by a German 'sociologist of speed', the French composer and improviser presents a suite of highly resonant compositions

Miloš Hroch
Published 6:00am 16 March 2026

On her latest album, Delphine Dora is concerned with temporality, its pace and pressures it produces. L’ineluctable pulsation du temps finds the French pianist, composer and improviser summoning a gentle collection of piano cycles with drone undertows. The record took shape during a time of intense touring, while Dora was simultaneously busy engaging with writings on acceleration and alienation by Hartmut Rosa, a “sociologist of speed”. According to Rosa, capitalist societies are programmed for constant economic growth, which forces us into a rat race, approaching the world instrumentally and as a competition. It may sound too esoteric for a German sociologist, but Rosa proposes a different mode of encountering the world, based on active and attentive presence, which he calls ‘resonance’. In other words, it’s about unlocking ourselves to affection. This must have touched Dora, a Parisian who more than a decade ago relocated to a village in rural France. She has used Rosa’s vocabulary as inspiration for track titles like ‘Désynchronisation’ on L’ineluctable pulsation du temps.

Different temporalities are woven into the album’s composition: brisk, fleeting cycles of piano arpeggios, as if chasing the foam of days, are, at least from the second third of the album, layered with sustained droning synths, symbolising the persistence of time. Dora’s piano style has often been characterised by melodic and instrumental asceticism, but on L’ineluctable pulsation du temps piano melodies are generous and colourful. She has been releasing music since the mid-2000s via labels such as Okraïna, Three:four, Modern Love or her own Wild Science imprint. Delivering into her catalogue is like opening a spiritist’s cabinet, and the reward is a sense of wonder, full of dreamy folk lullabies with murmuring vocals, avant-garde treasures or old pipe organ improvisations recorded in churches around Europe, which over time grew more complex.

L’ineluctable pulsation du temps was composed in 2018, around the time Dora was working on her collaborative 2020 album L’inattingible, which was praised by Julia Holter and presented Dora’s most ambitious work in terms of instrumentation and personnel. Her voice is entirely absent on the new album, but the opening ‘Ubiquité’ features Aby Vulliamy’s sublime tones on musical saw, which distantly echoes Dora’s previous lullabies. It’s the only addition to the album. Otherwise it’s just Dora, her piano and Nord Electro keyboard.

It is not the first time Dora has been concerned with temporality through drone-oriented compositions, as on her previous, 2020 album In Illo Tempore. Her approach to piano on the latest record can also recall albums like 2012’s A Stream of Consciousness. L’ineluctable pulsation du temps is best when these approaches meet halfway, as in pieces like ‘L’accélération ineluctable’ or ‘Les jours liquides’. This is when Dora evokes ethereal minimalism by Irena and Vojtěch Havlovi, who employed medieval tonality and “shadowy vocals”. However, the serene experience can in other pieces slip into an alienating sense of background listening. Even though L’ineluctable pulsation du temps doesn’t carry the unsettling qualities of her previous solo or collaborative releases, it still gives plenty of moments to resonate with.

Performed on organ and harmonium in various churches around Normandy and then shaped by sound artist Jérôme Bouve, ʻvents dʼaetherʼ is a blustery and sublimely beautiful melange of widescreen environmental recordings and unsettling kaleidoscopic drones that fully stops time. RIYL Florian Fricke, Virginia Astley, FUJI||||||||||TA or Kara-Lis Coverdale.

You should already know that if Dora's involved, things are gonna go off. Because the way she approaches her instrument, whatever that instrument might be, is always so distinct, informed by the way she improvises, channeling elements that aren't obvious. On 'vents d'aether', it's her surroundings as well as the various organs that invisibly shepherd her through the process, seeping into the compositions and mapping out the space for attentive listeners. And that's never more obvious than on the side-long title track, introducing us to the album without pulling any punches. A peal of church bells is joined by Dora's spontaneous, poetic reflections. Dora isn't hampered by some misguided sense of academic rigor; often labeled an outsider, she lets her own rhythm and her own sense of pitch steer the improvisations, not a meticulously overworked concept. And when her voice echoes wordlessly above the wheezing chords, blurred into recordings of winds beating down on wooden shutters, it's as if it's able to pick out the shape of the room itself, inhabiting a space between folk, sound art and sacred music without even trying.

Of course, the other piece of the puzzle here is Bouve, who'd been mulling over the idea of recording in and around the Cotentin Peninsula for years before he met Dora. He was fascinated not just by the organs and harmoniums that were contained in the various chapels and churches of Val de Saire, but the picturesque, rugged coastal landscape and the incidental sounds (seagulls, rushing waters, the omnipresent sea breeze) that often leak into the recordings. So the pair set off in late 2024 and stopped at every venue that would give them access, dubbing hours of improvisations that Bouve would later collage into the album. You can hear their journey unfold like a film; the field recordings aren't used for texture or to grandstand, they help us to perceive what it might feel like to walk from building to building on the coast and how the music might be eroded by sea spray just like the masonry itself. Dora's pitchy drones capture the persistence of the maritime weather, its near-constant noise and enveloping atmosphere and Bouve provides the frame, recording and mixing his elements to situate us in places that may or may not be real, times that bleed into one another. 

The result is disorientating but mad charming, a ride out through unfamiliar territory that's spotted by dramatic, outstanding cues that are among Dora's most memorable to date. If you need a quick taste, check the four-minute 'Le Vast XIII', where Dora's warbling tones (modified on the fly by Bouve who works the organ's drawbars) are offset by eerie, waterlogged knocks - it's like being marooned and serenaded all at once. 

OD BONGO | Bongoville

Avec Bongoville, OD Bongo bâtit une cité instable, saturée de basses, de tôles froissées, de rebonds numériques et de mirages dub. Entre techno brumeuse, trap industrielle, juke, gqom et noise, Édouard Ribouillault et Amédée de Murcia transforment leur arsenal de machines en parc d’attractions clandestin, où les rythmes semblent courir plus vite que leur propre ombre.

Bongoville : bienvenue dans la mécanique sauvage

OD Bongo naît de la collision entre deux tempéraments déjà bien identifiés dans les marges électroniques françaises : Amédée De Murcia, également derrière Somaticae, au synthétiseur, et Édouard Ribouillault, alias C_C, aux boîtes à rythmes, sampler et effets. Depuis 2015, leur langage commun repose moins sur la fusion policée des genres que sur leur mise en friction : techno, dub, noise, industriel, bass music, puis ici des impulsions venues du juke et du gqom.

Le résultat ne ressemble pas à une simple addition d’influences. Bongoville fonctionne plutôt comme une zone urbaine bricolée après l’effondrement du plan cadastral : des artères rythmiques surgissent, bifurquent, se bouchent, repartent ailleurs. Les beats cognent avec une régularité trompeuse avant de se tordre ; les basses débordent de leur cadre ; les delays deviennent des couloirs sans fin. Rien n’est vraiment stable, mais tout demeure étonnamment dansant.

Une musique pensée avec les mains

Depuis près d’une décennie, le duo sillonne les scènes européennes avec un dispositif volontairement brut : machines, samplers, synthétiseurs et une interaction qui privilégie le réflexe à la démonstration. Ce rapport physique au son traverse tout Bongoville. On n’entend pas des machines soigneusement alignées derrière une vitre : on les imagine posées sur une table trop petite, câbles emmêlés, boutons martyrisés, circuits poussés jusque dans leurs retranchements.

Cette énergie live est pourtant passée par un long processus de décantation. L’album a été créé, enregistré et monté entre 2022 et 2025 à Grrrnd Zero, à la Citadelle Raspail, au Big Bost et à Olliergues Musique, avant d’être confié à Nicolas Esterle, au Studio de la Limite, pour le mixage et le mastering. Bongoville n’est donc pas une photographie instantanée : c’est une matière accumulée pendant trois ans, ensuite compressée jusqu’à devenir projectile.

Chez OD Bongo, la basse n’accompagne pas le morceau ; elle redessine la pièce autour de l’auditeur.

Tracklist

Bongoville | 24 Avril 2026

• 1. bongoville - 05:16

• 2. crystallinoron - 04:50

• 3. pandora - 04:31

• 4. monsieur fils - 06:14

• 5. trident trust - 04:14

• 6. ocorian - 04:34

• 7. crystallinoron j version - 04:38

• 8. crystallinoron d version - 04:58

Six rues principales, deux passages secrets

Le vinyle et la version numérique déploient six morceaux : « bongoville », « crystallinoron », « pandora », « monsieur fils », « trident trust » et « ocorian ». Le CD ajoute deux embranchements réservés à ce format, « crystallinoron j version » et « crystallinoron d version ». Le choix est révélateur : plutôt que d’ajouter deux titres étrangers au noyau du disque, OD Bongo fait muter crystallinoron, comme si une même créature revenait sous deux nouvelles formes.

Le morceau-titre ouvre les portes de cette ville imaginaire en installant immédiatement sa grammaire : répétition, masse, torsion. Monsieur fils, le plus long morceau, étire davantage la dramaturgie, tandis que l’ensemble avance par à-coups, accélérations et effritements. La structure évoque parfois du stop-motion sonore : chaque mouvement semble discontinu, mais l’œil intérieur reconstitue une course parfaitement fluide.

A propos des deux architectes

Amédée De Murcia cultive depuis 2006 une trajectoire volontairement indisciplinée : IDM, synth-pop, techno break, noise, musiques expérimentales ou néoclassiques, compositions pour la danse et les arts visuels. Somaticae explore une électronique organique et instable ; Balladur détourne les codes new wave vers une pop oblique ; Zone Bleue imagine quant à lui un minimalisme synthétique presque enfantin. Les différentes facettes de son travail semblent partager le même goût pour les machines qui cessent d’obéir exactement à ce qu’on attend d’elles.

Édouard Ribouillault développe de son côté, sous le nom C_C, une science très personnelle de la distorto-bass et des dub breaks. Fondateur du label ThirdTypeTapes, impliqué dans DistoMobile et dans plusieurs collaborations, il appartient à cette famille de musiciens pour lesquels fabriquer, diffuser, sonoriser et soutenir les scènes indépendantes relèvent du même geste. Sa musique solo elle-même s’est nourrie de contraintes volontaires, notamment de l’utilisation intensive d’un sampler réduit à devenir une véritable fabrique de paysages difformes.

Tatiana Paris

Thalle

Tatiana Paris (g, voc, synth modulaire, objets, divers), Rachel Langlais (el org)

Label / Distribution : Carton

6 septembre

• Hélène Gant

Figure incontournable de la scène expérimentale française, la guitariste Tatiana Paris livre avec Thalle un deuxième album presque solo, dans la lignée de Gibbon. « Presque », car la claviériste Rachel Langlais vient lui prêter main-forte sur deux des neuf pistes du disque (Thalle 1 et Thalle 2), qui en forment le cœur battant.

Le thalle, qui donne son nom à l’album, désigne le corps végétatif non différencié de certains organismes immobiles. Comme les lecteurs de Citizen Jazz titulaires d’un doctorat en biologie se comptent probablement sur les doigts de la main gauche de Django Reinhardt, une petite clarification s’impose. Le thalle caractérise une forme végétale primitive (comme le lichen ou l’algue) dépourvue de racines, de tiges ou de feuilles. Sans organes spécialisés, chacune de ses cellules fait globalement la même chose : elle croît et elle se nourrit. C’est une vulgarisation extrême, mais elle permet de saisir l’idée. Heureusement, la transposition musicale qu’en opère Tatiana Paris se révèle plus subtile.
Armée de sa guitare, de sa voix et d’une multitude de bidouilles analogiques, elle nous immerge dans des abysses où le temps perd de sa réalité et de son inexorabilité. Dans cet environnement aquatique, dénué de toute menace, le merveilleux surgit au gré des courants. Sous l’eau, alors que nos mouvements se font lents et que notre champ de vision se réduit à la lucarne d’un masque de plongée, nous découvrons une flore d’une étonnante harmonie : organique, mouvante et sensible.
Avec Thalle, Tatiana Paris confirme qu’elle a choisi la voie d’une liberté totale par la résilience sonore. Elle nous prouve que la beauté réside aussi dans le hasard des juxtapositions, pour peu qu’on s’abandonne à leur écoute avec une oreille ingénue.

She’s Analog

No Longer, Not Yet

Stefano Calderano (g, perc), Luca Sguera (p, synth, perc), Giovanni Lacovella (dm, elec)

Label / Distribution : Carton

6 septembre

• Hélène Gant

Après un premier enregistrement paru en période COVID, What I Bring, What I Leave (ce que j’apporte, ce que je laisse), le trio italien She’s Analog revient avec un second album au titre tout aussi elliptique et antithétique : No Longer, Not Yet (plus maintenant, pas encore). Un intitulé en forme de programme philosophique pour un disque qui, précisément, refuse de lutter contre la réalité physique du temps qui passe.
Pour donner corps à cette réflexion sur l’instant, le trio (qui bouscule la tradition de l’instrumentarium réglementaire en remplaçant la contrebasse par la guitare) fait le choix fort de la continuité. Les six pistes de l’album sont pensées comme une suite ininterrompue, un flux tendu sans la moindre coupure où les morceaux glissent les uns dans les autres. Ici, la musique se déroule comme un fil inexorable, sans jamais regarder dans le rétroviseur. La structure se refuse aux répétitions ou aux rappels de motifs entendus plus tôt. Seule exception : quelques samples fantomatiques de voix d’enfants glissés de-ci, de-là. Mais leur nature ontologiquement nostalgique ne fait, finalement, que confirmer la règle.
C’est sur le dernier titre, long de 18 minutes, que l’esthétique de She’s Analog se déploie pleinement et rejoint irrésistiblement celle de The Necks. Une différence notable cependant : là où les Australiens n’hésitent pas à prendre la durée d’un disque complet pour développer une ambiance hypnotique et totalement improvisée, le trio italien préfère brouiller magnifiquement les pistes entre ce qui est écrit au préalable et ce qui est inventé dans l’instant.
L’osmose entre les trois musiciens est assez bluffante de bout en bout. Reste qu’à l’écoute de cette matière sonore en mouvement perpétuel, on se dit que l’écrin idéal de leur musique sera, à l’avenir, l’enregistrement live plutôt que le studio.

Experimental artist Raphael Vanoli’s second solo album further expands the spectrum of solo electric guitar sounds.

FRANTX | IDUTYDU

Et si le bug n’était plus l’accident, mais notre habitat naturel ? Avec IDUTYDU, FRANTX transforme la saturation contemporaine en terrain de jeu : onze morceaux traversés de glitch-noise, de punk spectral, d’hyperpop cabossée et de reggaeton passé au broyeur numérique. Un premier album fluorescent, instable et profondément vivant, conçu pour celles et ceux qui continuent de danser pendant que le monde affiche un message d’erreur.

Une poupée numérique ouvre les yeux

Sur la pochette imaginée par Rafaela Mascaro, un visage synthétique occupe tout l’espace. Sa peau irisée semble moulée dans une matière située quelque part entre le plastique, le brouillard et l’écran tactile. Ses yeux rouges ne regardent pas vraiment : ils scannent. L’image évoque une idole virtuelle tout juste réveillée, encore incapable de savoir si elle appartient au monde humain ou à la dernière mise à jour d’un logiciel émotionnel.

Cette ambiguïté irrigue IDUTYDU, acronyme de “I didn’t understand that you didn’t understand”. Une phrase en boucle, presque un dialogue entre deux intelligences qui auraient perdu le mode d’emploi de la communication. Chez FRANTX, l’incompréhension ne provoque pourtant pas le silence : elle produit du rythme, du bruit, des voix déformées et de nouvelles formes de désir.

Une rave dadaïste organisée dans les paramètres avancés d’un cerveau surchauffé.

Hypervitesse et jambes désobéissantes

Basé à Paris, le quatuor réunit Fanny Meteier au tuba, à la voix et au synthétiseur-jouet, Andrea Giordano à la voix, aux électroniques et au mélodica, Pierre Pradier aux guitares et à la voix, et Marco Luparia à la batterie, aux électroniques et au chant.

Leur musique ne repose pas sur une addition disciplinée de compétences. Elle organise plutôt leur collision. Le tuba cesse d’être uniquement un instrument grave pour devenir poumon mutant, basse difforme ou animal métallique. Les guitares se froissent dans des amplifications hétérodoxes. La batterie déplace le sol sous les pieds tandis que les voix, soumises au vocoder et à l’Auto-Tune, semblent chercher une issue entre le cri punk et l’avatar hyperpop.

FRANTX revendique ce brouillage des individualités, cette construction et cette destruction mutuelles. Entre improvisation, chansons et paysages électriques, le groupe élabore un collage dadaïste où une chaîne TikTok pourrait rencontrer la musique concrète dans les toilettes d’une rave clandestine.

Tracklist

IDUTYDU | 22 Mai 2026

• 1. SORRY I'M FEELING EMOJI – 01:33

• 2. PINGU TRAUMA - 03:25

• 3. LTB - 05:38

• 4. ORGASMIC KITCHEN - 04:05

• 5. BARBIECUE - 03:28

• 6. ANSUM - 03:54

• 7. BARBIECODA - 02:58

• 8. BANANA PHONE BOI - 06:38

• 9. VITTORIA - 01:50

• 10. LIQUIFY - 03:39

• 11. FLY COMMUNICATION - 05:23

Onze fenêtres ouvertes dans le même cerveau

“SORRY I’M FEELING EMOJI” tient en une minute trente-trois : le temps nécessaire pour transformer une humeur en pictogramme, puis pour découvrir que le pictogramme souffre davantage que nous. “PINGU TRAUMA” poursuit cette enfance détraquée, comme si une mascotte télévisuelle avait été abandonnée dans un entrepôt industriel.

Avec “LTB”, les formes se dilatent. La musique ne file plus seulement à grande vitesse : elle commence à plier l’espace. “ORGASMIC KITCHEN”, produite par Andrea Giordano, porte déjà dans son titre une collision entre plaisir, domesticité et surcharge sensorielle. Ici, les appareils ménagers pourraient se rebeller et former un groupe de techno corporelle.

Le diptyque “BARBIECUE” / “BARBIECODA” introduit une poupée moins docile que celle des vitrines. Le plastique fond, le rose devient corrosif et l’identité manufacturée finit sur le gril. Entre les deux, “ANSUM” entretient l’impression d’un langage qui se fabriquerait en temps réel, par fragments, bégaiements et impulsions électriques.

Point culminant de cette dérive, “BANANA PHONE BOI” déploie plus de six minutes d’un humour aussi absurde qu’inquiétant. Le téléphone-banane n’est plus un jouet : c’est peut-être le dernier appareil encore capable de joindre quelqu’un. Après la courte suspension de “VITTORIA”, “LIQUIFY” dissout ce qu’il restait de solide. Enfin, “FLY COMMUNICATION” tente une ultime transmission aérienne : un message lancé depuis une zone où les mots sont déjà devenus des insectes lumineux.

IDUTYDU s’incarne sur un vinyle jaune électrique, comme si FRANTX avait pressé un éclair dans la cire. Sous son visage synthétique aux yeux incandescents, l’album promet une danse radioactive entre hyperpop, noise et bugs sentimentaux.

Le sommeil paradoxal d’une génération qui refuse à la fois de grandir et de s’endormir.

Le politique sous le maquillage fluorescent

Derrière son carnaval numérique, FRANTX pose une question sérieuse : comment exister comme musicien·ne dans un présent qui transforme chaque geste en contenu, chaque identité en profil et chaque révolte en tendance passagère ?

Le groupe ne répond pas par un manifeste figé. Il revendique des manières d’être non binaires, ambiguës, mobiles, jamais en attente. La politique de IDUTYDU se loge précisément là : dans le refus de choisir entre naïveté et cruauté, composition et improvisation, beauté pop et abrasion noise.

La photographie du groupe le suggère également. Les quatre visages, empilés et teintés de bleu, de rose ou de vert, forment moins un portrait collectif qu’un organisme à plusieurs consciences. Personne n’y occupe durablement le centre. Chacun devient momentanément le rêve, l’oreiller ou le trouble de l’autre.

FRANTX enchevêtre les corps comme il télescope les sons : quatre présences colorées, superposées, presque fondues dans une même vibration collective. Entre abandon, tension et étrangeté pop, ce portrait agit comme un manifeste visuel où les identités se brouillent, se répondent et deviennent déjà une forme de musique.

• ANECDOTE : Un grommelot qui réclame de l’amour

FRANTX écrit notamment en piémontais et décrit son expression comme un grommelot arrabbiato réclamant de l’amour à travers un vocoder. Cette image pourrait résumer tout l’album : une langue cabossée, furieuse, parfois presque incompréhensible, mais dont chaque distorsion formule une demande de contact.

A propos de FRANTX

Basé à Paris, FRANTX est un quatuor glitch-noise qui ne mélange pas les genres : il les précipite les uns contre les autres jusqu’à provoquer de nouvelles réactions chimiques. Entre fantômes noise-punk, mumble trap, hyperpop, improvisation électroacoustique et musique concrète, le groupe façonne un univers d’hyper-vitesse dans lequel la chanson se dérègle, les voix réclament de l’amour à travers un vocoder et les instruments oublient volontairement leur mode d’emploi.

Autour du tuba, de la voix et du toy synth de Fanny Meteier, des voix, effets et machines d’Andrea Giordano, des guitares acoustique et électrique de Pierre Pradier, ainsi que des percussions, objets et dispositifs électroniques de Marco Luparia, FRANTX développe une musique fondée sur l’interaction, la métamorphose et la friction. Techniques étendues, amplifications hétérodoxes et extensions électroniques transforment le quatuor en organisme instable : chacun construit, dérègle ou détruit ce que les autres viennent de mettre en place.

Cette turbulence possède aussi une dimension politique. FRANTX interroge les rôles assignés aux musicien·nes, performeur·euses et compositeur·rices, tout en revendiquant des manières d’être non binaires, ambiguës et toujours en mouvement. Sa musique ne cherche donc pas seulement à produire des formes nouvelles : elle imagine d’autres façons d’exister ensemble.

Quelque part entre une chaîne TikTok entrée en collision avec Pierre Schaeffer et un carnaval punk diffusé depuis un futur déjà endommagé, FRANTX compose une musique pour danseur·euses aux jambes étranges. Un art brut, ludique et inquiétant, où le bug cesse d’être un accident pour devenir une possibilité d’évasion.

Site de FRANTX

Bandcamp

Clip "Barbiecue"

Fiche signalétique

IDUTYDU est paru le 22 mai 2026, en numérique et en vinyle, dans le cadre d’une coproduction entre Carton Records et Standard In-Fi. L’album a été produit et mixé principalement par Marco Luparia, avec Andrea Giordano à la production de “ORGASMIC KITCHEN”, puis masterisé par Nick Foglia.

Cru, naïf, cruel et intensément vivant, ce disque ne soigne pas les bugs de notre époque. Il les rassemble sur la piste de danse, augmente le volume et attend qu’ils développent enfin leur propre langage.

― Carton Records — Fondé officiellement en 2011, Carton Rds célèbre quinze ans d’aventures sonores et près de 80 parutions. Structuré autour des séries croix-croix (XX), bâton (///) et rond (Ø), le label défend des musiques libres, exigeantes, parfois abrasives, parfois dansantes ou hypnotiques. Avec IDUTYDU, coproduit avec Standard In-Fi, Carton confirme son goût pour les œuvres qui déplacent les formes, relient les artistes et ouvrent les oreilles autant que les esprits.

Au verso d’IDUTYDU, FRANTX troque le visage numérique pour un portrait en noir et blanc, comme l’envers humain d’un rêve sous Auto-Tune. Entre sobriété graphique et vinyle jaune acide, le disque révèle sa véritable mécanique : quatre corps réels derrière une musique totalement mutante.

Société Étrange
Heat
Les Disques Bongo Joe / Carton / Standard In-Fi

Société Étrange, the electronics-bass-drums trio of Antoine Bellini, Romain Hervault and Jonathan Grandcollot, are very much an‘always different, always the same’ kind of group; the aim is evolution rather than revolution. That makes it harder to put your finger on what’s changed, but Heat – their third album – does feel different to its predecessor, 2022’s Chance. The latter felt a bit more urban, as though it was slinking through city streets at night, while this one is more isolated, distant, like it’s sealed in a capsule floating through space. If there is ‘heat’ here, it’s not about sweat or sudden explosions. It’s more in the warmth that starts to wash over you as the strict, circular rhythmic patterns, bobbing basslines, dubby effects and stark, Aphex Twin-like melodies proceed in their dance. They do also find a different gear on closer ‘Fifth’, a stately, steady trudge that’s like a Gary Numan instrumental track injected with Boards Of Canada wooziness. You could say it’s a slow burner. 

More on Société Étrange

FRANTX – IDUTYDU

Di Fabio Gallato

I FRANTX preferiscono essere un equivoco vivo e confuso piuttosto che morire in un genere. 

Sorry I'm Feeling Emoji dura il tempo di una notifica e già non si capisce più chi stia parlando: la voce di Andrea Giordano, il vocoder che la mastica, o qualcos'altro che vive in mezzo. I FRANTX passano l'intero disco a giocare su questo confine, attraversandolo di continuo prima da un lato, poi dall'altro. Non è solo estetica glitch appiccicata sopra le canzoni: è la loro stessa musica che si comporta come un file corrotto, che si ripete, salta, si ristruttura e destruttura. Lo dichiara lo stesso titolo del loro album di debutto, "IDUTYDU", acronimo di I didn't understand that you didn't understand: il fraintendimento non è tanto un rischio del disco, che i nostri scelgono comunque di correre, quanto il suo programma.

Il quartetto - i francesi Fanny Meteier e Pierre Pradier e gli italiani Andrea Silvia Giordano e Marco Luparia - nasce a Parigi da un incontro tra improvvisatori e sperimentatori seriali. Hanno masticato tanto noise-punk, ma qui hanno scelto di mettere da parte la devozione per riscriverlo, trattandolo quasi come materiale di scarto da riciclare insieme a hyperpop, elettronica satura, piemontese, inteso come lingua, utilizzata a sorpresa in diversi frangenti. PINGU TRAUMA e BANANA PHONE BOI prendono un'iconografia pre e post internet e la fanno marcire dall'interno, fino a farla suonare più vicina a un incubo che a un meme. Il piemontese, dicevamo, quando arriva, non è per sentirsi a casa: è un'altra lingua straniera dentro un disco che di lingue ne parla tante, comprese quelle che nessuno ha ancora nominato.

Tenere insieme tutto questo per undici tracce non è gratis, perché “IDUTYDU” non è disco da compromessi facili. BARBIECUE si spinge fino all'harsh noise, LIQUIFY deve più di qualcosa agli Xiu Xiu, e il disco non addolcisce mai la transizione tra un estremo e l'altro. Ma "IDUTYDU" forse non va capito fino in fondo, e d'altronde lo dice il titolo stesso, lo confermano i pezzi. I FRANTX preferiscono essere un equivoco vivo e confuso piuttosto che morire in un genere. 

L'idée de parcourir l'artwork d'un disque sans pouvoir cerner le genre de musique qu'il y a dedans nous amuse toujours, et nous sommes d'autant plus servi dans la sphère indé. Voici donc Société Étrange, avec un nom de groupe… étrange, puis des intitulés de morceaux – en anglais ou en français – tout aussi… étranges, quant à la pochette… Nous qui avions beaucoup apprécié le précédent album de ce trio instrumental lyonnais savions déjà quelle voie nous allions emprunter : celle d'une transe donnant l'impression paradoxale d'être à la fois statique et mouvante. Les compositions de Heat développent un groove cosmique (kosmische) basé sur des enchevêtrements de polyrythmies finement agencées et des jeux de résonnances et de réverbérations assez proches du dub. C'est alors dans ses effets de vibrations à la fois organiques et synthétiques que la musique singulièrement hypnotique de Société Étrange prend tout son sens et arrive à nous cueillir.

Leur troisième album Heat est disponible à cette adresse.

Une chronique de Mathieu Girod

Mathieu Girod nous propose de fuir l’actualité anxiogène de ces derniers jours en présentant en avant-première Chance, le nouvel album du trio lyonnais Société Étrange.
Une aventure sonore mystérieuse et prenante à travers l’underground de plusieurs époques et pays. Le groupe imagine un répertoire musical riche et métissé où le groupe allemand des seventies CAN rencontrerait l’icône du dub jamaïcain King Tubby, le musicien camerounais Francis Bebey, les fameux Kraftwerk ou encore le groupe de rap Spectre.

Si tu aimes Joy Division et le psychédélisme

On plonge aujourd’hui dans le monde brumeux de Société Etrange avec leur morceau "Sur la Piste de Danse" fraîchement entré en playlist.

Derrière la Société Etrange se cachent trois français autodidactes à l’univers bien singulier et aux relents de fumée et de métal. Leur musique pioche dans le psychédélisme du krautrock et le rythme du dub pour proposer des sonorités obscures mais curieusement réconfortantes qui s’apparenteraient à une musique de transe dystopique.

Alors que L’Humanist SK Festival bat son plein entre Lyon et Paris (Event FB), le label plus Lyonnais que Bocuse S.K Records vient de révéler le 21 septembre dernier l’un des secrets les mieux gardés de la capitale des Gones avec la parution du premier EP de La Société Étrange. A la base duo né d’une attirance commune surnaturelle entre Antoine Bellini et Romain Hervault, avec en toile de fond un amas d’instruments analogiques et des résonances de musiques industrielles, krautrock et early electronic, cette toute nouvelle formation, pour laquelle François Virot a enregistré et mixé Au Revoir conçu à  quatre mains, s’est récemment étoffée d’un percussionniste en la personne de Jonathan Grandcollot. A l’écoute de leurs divagations aussi minimalistes qu’habitées, et dans les interstices desquelles il n’est pas rare de rencontrer un Genesis P-Orridge, un Chris Carter ou même un Holger Czukay, on se prend vite à  croire en leur bonne étoile, ressuscitant sans en profaner l’essence ces nébuleuses virées instrumentales ayant fait danser les enfants de l’Occident sur les cendres encore fumantes de la guerre puis de la désindustrialisation. Au Revoir se déflore ci-après en intégralité quand bien même La Societé Etrange sera en concert le temps d’une mini-tournée avec Clara Clara et Deux boules Vanille du 1er au 3 octobre.

Emilie Škrijelj & Tom Malmendier – Tropism

E

Carton Records

Das Elektro-Duo Emilie Škrijelj / Tom Malmendier legt nun sein zweites Album „Tropism“ (dt Drehung, Wendung)  vor. Der Begriff bedeutet inhatlich u. a. gerichtete Bewegung von Pflanzen Mit minimalistisch zu bezeichnendem Instrumentarium versucht das Duo nun diese Begrifflichkeit in Klangformen zu erschließen:  Ein Plattenspieler, ein Drumset reicht für wilde Musik, wie der erste Track „Pua Pii“, eine Blume von den Marquesas-Inseln,. Sie kann sich  dank ihrer hakenförmigen Ränder festkleben, um zu gedeihen. Verspielt geht es weiter, mit dem  Song „Patoko Mata“. Dabei handelt es sich um ein Gras, das sich die Inselbewohner, insbesondere die Kinder, in die Augenlider stecken, um sie weit offen zu halten. Um was es sich bei „Kipo Kipo“ handelt,  wird uns nicht verraten. Doch ein Blick ins Netz gewährt uns Aufschluss und so wissen wir dann, dass es sich um eine Schale handelt, die aus Rosenholz gefertigt wird und in Französisch-Polynesien zum Beispiel für das Servieren von Poipoi dient, das aus der Brotfrucht hergestellt wird.

Doch nun zum musikalischen Teil: Fiepsendes, quietschendes Geschiebe auf einem Plattenteller; Scratching halt, und dazu Trommelwirbel im Übermaß. Das Scratching hört sich an, als würde eine neue Comic-Animation mit Figuren gedreht, die eine neuartige Sprache sprechen. So setzten sich im Kopf Sprechblasen bei Hören der Musik ab wie Tsch, Tklingklingeling, Tätatä oder Ähnliches. Stetes Schlagen auf einer Kuhglocke ist zu Hören. Dädöt, Huihm, Rrrhä oder ähnliche Laute nehmen wir auf. Dazu wirbelt Tom Malmendier an seinen Trommeln unter Verzicht auf Beckenschläge, die wenn sie denn kommen, sehr dezent gesetzt sind. Eher hat man den Eindruck Sticks tanzen zwischen Toms hin und her. Ab und an gibt es auch einen Beckenwirbel. Aus voller Kehle hört man die Klänge des Turntables und auch Vogelstimmen. Diese dürften wohl der Erzeugung elektronischer Effekte geschuldet sein. Klänge stapeln sich übereinander, wenn Emilie Škrijelj den Plattenteller dreht. Nutzt sie ihn auch für Perkussives oder ist das dann doch Tom Malmendier, der die Trommelwände dafür einsetzt? Wusch, Wui, WuschWuah – das sind auch Geräuschmodule, die an unser Ohr dringen. Und das soll nun die musikalische Umsetzung einer Blume von den Marquesas in Musik sein? Nun ja, da mag der Hörer Fragezeichen setzen.

Radiofrequenzen spielen im Weiteren eine Rolle und ein Hmhmhui. Noise Music präsentiert das Duo ohne Frage. Und dazu stellt sich die Frage zu dem Bezug zu den Marquesas. Gleiches gilt für das „stolpernde Drumming“, das mit Dynamik daherkommt, im Fluss ist und wächst und wächst. Und dazu hört man vermeintliche Laute des Dschungels, Geschnatter und Geschilpe, Zikadengesang, Katzenlaute oder Ähnliches. Und singt da nicht jemand Hohohohe? Und am Ende scheint alles in Windgesäusel zu vergehen.

„Pua Pii“ hören wir nachfolgend. Zischlaute entfalten sich. Man kann sich vorstellen, wie Finger über einen Platte gleiten und entsprechende Klänge erzeugen. Tock, Tock, Tock – so als würde ein Udu bespielt oder eine Schlitztrommel - ist zu hören. Bläst da jemand einen „Graskamm“? Das dumpfe Tock ist weiterhin vorhanden, ebenso das hochtönige „Graskammgebläse“. Oder ist da jetzt doch mal so, dass das S eines Saxofons zum Einsatz gebracht worden ist? Wimmernd und klagend hört sich an, was wir hören. Das Klingeln eines alten Wahlscheibentelefons dringt an unser Ohr. Das Aufheulen einer Bandschleifmaschine scheint Teil der Inszenierung. Oder wurde eine singende Säge bemüht, um Klänge zu erzeugen?

Nahtlos geht es mit „Kipo Kipo“ und ähnlichen Klängen weiter. Sind da nicht Klanghölzer zu hören und rasantes Getrommel? Hier und da gibt es das typische Knistern, das Platten beim Abspielen hören lassen. Bambusrohre werden ins Schwirren gebracht, so die Hörvorstellung. Basstrommelwirbel hören wir und kurz mal ein Pieppiep und weitere Vogelstimmen. Schlagwirbel erleben wir bis zum Ende und dann ist Schluss mit dem „Hörspiel“ von den Marquesas!

Antoine Ferris: [KAAARST]

By Vito Camarretta(@) - Jul 17 2026
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Artist: Antoine Ferris
Title: [KAAARST]
Format: CD + Download
Label: Carton Records (@)
Rated: 4/5

Some records introduce themselves politely. [KAAARST] kicks the door with the body of a bass guitar, then apologizes by humming a strangely beautiful melody. Humanity, as usual, is perfectly capable of making elegance out of blunt force.

French bassist Antoine Ferris has been an active presence in Toulouse's adventurous improvised music scene through projects such as Baraque à Free, Megacoaster, Feràmia and Totun, developing a vocabulary that treats the electric bass as anything but a conventional low-end instrument. Across those ensembles, and through collaborations with composers and improvisers, he has cultivated an approach where electronics, hip-hop production aesthetics, noise, and free improvisation are not competing languages but different dialects of the same conversation. [KAAARST], his first solo statement, feels less like a debut than the moment when years of accumulated experiments finally found a coherent gravitational centre.

Calling this a bass album would be technically correct in the same way calling a volcano "warm geology" would also be technically correct. Ferris continuously dismantles the identity of his instrument. Strings become percussion, feedback becomes melody, contact microphones amplify microscopic gestures, effects pedals generate unstable rhythmic companions that behave almost like stubborn improvisers rather than obedient machines. At times he attacks the instrument with his fists, elsewhere with a butter knife, turning performance into a peculiar choreography where every object seems equally qualified to become a musical tool.

Yet despite all this apparent violence, [KAAARST] never settles for noise as spectacle. The abrasive textures are consistently shadowed by melancholy. There is an emotional hesitation beneath the distortion, as though every burst of sonic aggression immediately questions itself. The album lives inside that contradiction, finding tenderness in abrasion and vulnerability inside mechanical repetition.

The sequencing reinforces this fragmented emotional geography. The miniature opener "crush" barely has time to introduce itself before dissolving, while "strange party" assembles fractured grooves from unstable rhythmic cells that flirt with electronic music without ever surrendering to predictable structures. Pieces like "hount orbe" and "coume sourde" stretch improvisation into something almost geological, allowing feedback and resonance to evolve with patient inevitability. Even the provocatively titled "electronic dance music" seems to smile ironically at genre expectations: if anyone arrives expecting club anthems, they may discover instead that dancing can also happen inside one's nervous system.

Ferris' fascination with electronic production is especially compelling because it never attempts to disguise the physicality of performance. Sampling techniques borrowed from beat-making coexist with unmistakably tactile instrumental gestures. Every scrape, strike and accidental resonance preserves the memory of hands touching wood and metal. The electronics do not erase the performer; they magnify the traces of his presence until every imperfection acquires structural importance.

The collaborative moments provide welcome shifts in perspective without interrupting the album's identity. Natacha Kanga's contribution to "shame's coming" introduces a fragile vocal dimension that contrasts beautifully with Ferris' fragmented instrumental language, while Louie Z's Occitan singing on "la nèu" anchors the record in a sense of place and cultural memory. The use of an endangered regional language feels quietly significant: amid all the digital manipulation and sonic deconstruction, an ancient voice appears, reminding us that experimentation does not require abandoning history.

There are echoes throughout the record of artists who have expanded the vocabulary of the electric bass and electroacoustic improvisation, yet Ferris avoids sounding derivative. His references to industrial music, glitch aesthetics, hip-hop production and free improvisation remain ingredients rather than destinations. The album constantly resists becoming too comfortable within any single tradition, preferring instead to occupy the unstable terrain between them.

The title itself suggests rugged landscapes shaped over immense stretches of time, and that metaphor proves surprisingly apt. These pieces often feel eroded rather than constructed. Sounds emerge like exposed mineral layers, revealing hidden colours beneath rough surfaces. Even the shortest tracks function as sedimentary deposits, each preserving tiny sonic fossils that resonate long after they disappear.

For listeners accustomed to clearly defined genres, [KAAARST] may initially resemble an elaborate puzzle whose picture never appears on the box. That is precisely its strength. Ferris trusts curiosity more than certainty, inviting repeated listening rather than immediate comprehension. The album rewards attention to detail: the unstable pulse hiding beneath distortion, the unexpected lyricism surfacing through feedback, the rhythmic intelligence concealed inside apparent chaos.

In an era where software can simulate almost any instrumental gesture with alarming efficiency, Antoine Ferris reminds us that unpredictability remains profoundly human. Sometimes all it takes is a bass guitar, a handful of pedals, questionable kitchen utensils, and the willingness to let accidents become collaborators. The result is an album that feels simultaneously raw and meticulously considered, proving that even broken signals can carry remarkably honest messages.

Alors on danse jeudi ?

D’un bal-poussière qui dit bien son nom, jusqu’au dancefloor de la première Nuit Suds en passant par la majestueuse Soirée étoilée au Théâtre Antique, ce jeudi fait grimper en flèche les tempos !

Par FloR.Suds

Les rythmes frénétiques du tsapiky malgache de Bobo & Behaja rivalisent de fougue avec les punchlines désarmantes de la rappeuse franco-camerounaise Uzi Freyja. Version sans filtre de l’éternel féminin, elle confie son histoire intime dans un flow vertigineux qui laisse KO sur la piste !

Auparavant, c’est Fatoumata Diawara qui livre un vécu personnel pour faire danser son héritage wassoulou sur des rythmes rock et afro-beat. Afro-descendantes, les musiques latinas de Sabor a Mi s’épanouissent plus tard en sets radieux pa’bailar...

Rauque et caressante, la voix de Mari Froes nous fait danser encore sur tous les styles de la Musique Populaire Brésilienne. Cette jeune artiste au devenir certain enflamme déjà tous les auditoires.

Et c’est à un futur tout aussi florissant que sont promises les rondes mexicanisées du Périgord-Quercy de Framboyán. Enfin, pour les amateur·ices de quiétude, les ragas indiens du Duo Ananda bercent votre Sieste Musicale.

Diversité des voix, multiplicité des esthétiques musicales et suivi de carrière président à nos choix de programmation. L’Égyptien Abdullah Miniawy nous revient en trio ; il avait déjà fait fondre en larmes les festivalier·ères en 2019... Fils d’un muezzin cairote, il connaît le pouvoir des mots. Aux côtés du poète-slameur-philosophe, deux trombonistes jazz (Jules Boittin et Robinson Khoury, qui dirige un laboratoire de création) tissent entre psalmodies soufies, sons déstructurés et expérimentations sonores, un Moment Précieux aussi lumineux que numineux !

She’s Analog – No Longer, Not Yet (Carton Records, 2025)

29 Giugno 2026

Recensione di Luca Onyricon Giglio

C’è una certa magia nella musica che resiste alla comprensione immediata, respira inquieta e aspetta, No Longer, Not Yet, il secondo album del trio avant-rock italiano She’s Analog, arriva come una dolce marea, rimodellando la riva lentamente e con precisione. Questo materiale si dispiega come un’ombra, intenzionale e bello nella sua capacità di sfuggire a facili classificazioni. Una band che comprende la grazia dell’incertezza non cercando gli spigoli vivi e risultati immediati di molte formazioni affini ma lasciandosi invece trasportare dai suoni come se intorno non ci fosse nessuno. La loro tavolozza è ampia: post-rock, jazz sperimentale, collage sonoro d’avanguardia, ma l’intento è intimo, un suono di intuizione collettiva, curato, nella sua entropia ragionata, in ogni minimo particolare. In tutto questo il titolo No Longer, Not Yet è una bussola appropriata, suggerisce uno stato liminale in uno spazio tra il divenire e lo svanire dove la musica incarna questo senso di essere in bilico.

Il trio costruisce trame sonore piuttosto che canzoni, incorporando i propri strumenti in forme amorfe che echeggiano, si disgregano e si riformano attraverso la foschia in una anti-composizione. Sono ambienti sonori, soundscapes fragili, in continua evoluzione e non timorosi del silenzio perché ogni elemento è presente e sfuggente nello stesso instante, sfruttando le chitarre che aleggiano dipingendo particolari sullo sfondo, coadiuvandosi di una batteria che suggerisce piuttosto che guidare. Gli elementi elettronici lampeggiano come fari di passaggio su una lunga strada silenziosa, a tratti sembra quasi che stia costruendo un’architettura sonora dalla nebbia, si percepisce la forma di qualcosa che subito dopo cambia e che non si riesce mai a trattenere completamente. C’è una straordinaria maturità nel modo in cui gestiscono il tempo, sono pacati, introspettivi, persino meditativi.

Questo loro secondo album ci regala 6 brani di jazz creativo e improvvisato in una lenta conversazione, che si dipana tra strumenti che ascoltano tanto quanto parlano e interagiscono fra di loro. Tingle apre l’avventura con una grande attenzione all’atmosfera, grazie all’uso strategico della batteria vivace di Giovanni Iacovella e della chitarra radiosa di Stefano Calderano, mentre Narrow Pass prosegue con ondate di bellezza grazie alla chitarra calda, alla batteria che accarezza e a uno sfondo onirico dove tutto è sospeso e difficile da ricordare. Danse Macabre e Slow, Kick si collocano a metà dell’album: il primo presenta un ritmo atipico, indolente e cinematografico, mentre il secondo beneficia delle tastiere imprevedibili di Luca Sguera che contribuiscono a creare un’atmosfera di mistero. Blu chiude l’album, con i suoi oltre 18 minuti di percussioni incisive, occupa l’intero lato B del disco. Qui il tempo si distende veramente come una tela dove i musicisti dipingono con pazienza, permettendo a ogni suono di vivere, decadere e ritornare in forme inaspettate in un capolavoro di narrazione sonora. La suite inizia con un ritmo minimale ma persistente, man mano che si formano gli strati, il brano si anima; chitarra leggera, momenti eterei e una rara intimità riflessiva a metà strada tra jazz, post-rock, minimalismo ed elettronica che fanno emergere le sonorità del Mellotron, più come apporto emotivo che come mera decorazione. Infine, i motivi percussivi ritornano, ma delicatamente modificati in una trasformazione sottile, persino spettrale, eppure, alla fine, tutto sembra diverso, non risolto, ma rinato.

In tutto l’album registrazioni sul campo e manipolazioni del nastro amplificano il senso di spazio e memoria imponendo al suono mai una staticita e protraendolo sempre in avanti, anche nell’immobilità, riflettendo così il tema centrale del lavoro, quel cambiamento implicito e quella tensione tra movimento e staticità. Questo viaggio sonoro sembra documentare la propria genesi. Un profondo centro emotivo eleva No Longer, Not Yet al di là della sperimentazione accademica non rendendolo un’opera di arte concettuale fredda ma, al contrario, alimentando un nucleo interno che pulsa di sentimento e calore. Sotto le astrazioni si cela proprio un calore umano, una vulnerabilità condivisa, una capacità di rimanere coerenti pur dissolvendo i confini della strumentazione tradizionale.

She’s Analog eccelle nel costruire architetture fragili, delicate, ma mai sgretolabili, è un ensemble che si fida del proprio istinto e l’uno dell’altro, sentendo la musica che viene creata in tempo reale, spesso improvvisata, ma mai caotica e disorganizzata. C’è una chiarezza d’intenti nella loro costrizione, si sentono musicisti che non lottano per lo spazio, ma lo intrecciano delicatamente, esemplificando anche il valore dell’ascolto, non solo del suono, ma anche dell’interscambio, del silenzio, di ciò che esiste tra le note. È qui che She’s Analog prospera. La loro musica è piena di assenze, ma non risulta mai vuota. Al contrario, vibra di possibilità, usano il suono come linguaggio e non semplicemente come espressione, comunicano come uno stato d’animo, un modo di essere evitando indiscutibilmente lo spettacolo. Qui non ci si atteggia. Qui non ci si dichiara. Si osserva.

È facile collocare questo album nella tradizione dei grandi del post-rock o degli innovatori dell’avant-jazz ma i confronti non reggono. Usando sempre come paragone una ipotetica tela su cui dipingere le proprie astrazioni sonore gli She’s Analog sono meno interessati a seguire percorsi prestabiliti e contorni definiti, loro sono più orientati a sfumarli, a dare una plasticità all’inconsistenza con un linguaggio unico, plasmato dall’improvvisazione, influenzato dal minimalismo e profondamente radicato nell’autenticità emotiva. Con una durata di appena 40 minuti, questo No Longer, Not Yet risulta al tempo stesso completo ed effimero, un mondo a sé stante che non pretende mai di essere permanente. Come una pellicola esposta per il giusto tempo, l’album cattura qualcosa di fugace: un’atmosfera, una tensione, una transizione, un documento di divenire. E questo è il suo dono più grande. Gli She’s Analog sono una band rara, e una di quelle che dovresti assolutamente ascoltare, anzi, acquerellare e imprimere su una pellicola scaduta.

Tracklist:
01. tingle
02. narrow pass
03. danse macabre
04. slow, kick
05. tangled
06. blu

Robin Gillet
30 avril 2021

Hassan K : un merveilleux bordel

Isteghna, c’est le nouvel album complètement barré de Hassan K. Sur ce disque, on retrouve de la musique traditionnelle iranienne, de la musique électronique, ou encore du death metal. Ça part dans tous les sens, mais c’est le but. On vous explique.

Si j’avais été vendeur à la Fnac et que l’on m’envoyait le carton des disques du nouvel album de Hassan K, je les aurais laissés au carrefour de tous les rayons. On en voit passer des styles de musiques « inclassables », mais rien ne vous prépare à cet album. Dès le premier titre « Gardgiri », on retrouve un style de fuzzy surf-rock qui pourrait ouvrir un Pulp Fiction. Oui mais seulement voilà, au bout d’une minute débarquent des cuivres et des violons, telle une symphonie de générique des premiers James Bond avec Sean Connery. Le clou est enfoncé avec le second morceau « Akvan », death metal complètement loufoque chanté par la voix du service après-vente des enfers.

Keyvane Alinaghi est un artiste franco-iranien installé à Lille. Il place au cœur de son travail une dualité entre musiques perses traditionnelles et musiques occidentales. Avec une façon de faire très DIY et punk, il trafique les instruments traditionnels orientaux comme le setâr. Les influences de Hassan K sont multiples et diverses, et on les retrouve toutes sur ce LP. Il les fait se succéder les unes à la suite des autres, ce qui donne un magnifique collage, peut-être déroutant pour pas mal de monde. Âmes sensibles à la dissonance s’abstenir.

Dans les légendes perses, Isteghna est l’étape du détachement, de l’introspection nécessaire à la compréhension du semblable, du sensible, mais plus particulièrement de l’imaginaire occulté. Le détachement, c’est le maître mot de ce qui lie cette douzaine de titres. Les structures classiques sont déconstruites : toutes les 30 secondes, ça change. Imaginez en soirée cet·te pote un peu surexcité·e qui passe d’une autre musique à l’autre à chaque minute, sans aucune logique. C’est ce qui rend l’écoute de l’album complexe car ce n’est pas un disque d’ambiance. Il ne s’écoute ni pour travailler, ni pour faire l’amour, ni pour conduire. C’est un album qui s’écoute, contemplatif face au chaos qu’il génère. Un bordel magnifique, mêlant punk et humour décalé, pour un résultat chevaleresque.