Société Étrange - Heat 71
O's Notes: Societe Etrange is a French trio with Antoine Bellini (electronics), Romain Hervault (b) and Jonathan Grandcollot (d). We are immediately greeted by the pumping beats of a club scene. The krauts music is composed of simple electronic beats revolving around a heavy bass line with a hypnotic, airy feel. There are hints of reggae on “Soleil Lourd”. The mysterious “Place Saint Bruno”, “Fenetre Sur”, and “Chamber Dress” are highlights in this roots music revival.
Antoine Ferris
[KAAARST]
(Carton Records)
Bassiste et contrebassiste, actif au sein de plusieurs formations, Antoine Ferris est aussi un aventurier de son instrument, le détournant de son usage traditionnel pour le catapulter dans les sphères de l’expérimentation à coups de pédales d’effets, appréhendant la musique de manière peu conventionnelle, où les glitches et les bruits blancs forment des zones de ruptures au bord de l’implosion.
Avec [KAAARST] il déboule dans des espaces glissants, où les contours d’une pop libérée de tout artifice se greffe au sein de son univers grésillant, histoire de nous faire prendre toute la mesure de son incroyable talent, à l’image des titres La Nèu feat. Louie Z ou Shame’s Coming feat. Natacha Kanga.
Antoine Ferris n’est pas sans évoquer certains artistes signés chez Editions Mego, de par sa faculté à redessiner les contours d’une scène électronique expérimentale aux agitations soniques enthousiasmantes. Un album joueur aux textures sauvages qui nous prend aux tympans pour ne plus quitter. Implacable.
Roland Torres
How Artists With Disabilities Are Blazing New Musical Frontiers
By Jimmy Trash · Illustration by Amy Moss · May 29, 2026
“We call this ‘hurry up and wait.’ There is always a lot of waiting with us!” explains Michelle Hall, vocalist for the “weird-pop” group The Sisters of Invention. Hall is waiting to record her vocals in the studio at Tutti Arts, a multi-arts organization for disabled and neurodivergent artists in Brighton, South Australia. The band’s manager Bree Tranter is currently in the booth, conducting a lead vocal take with Aimee Crathern, while Annika Hooper, Hall, and Caroline Hardy work on some last-minute lyric adjustments in the adjacent room.
The Sisters are just one of a growing number of bands supported by inclusive, professional art and cultural productions including artists with and without disabilities. In addition to The Sisters, Tutti is also home to Quirkestra, an ambitious, experimental big band developed by Mat Morison of My Cherie and SlowMango. (Full disclosure: the author of this piece was also a member of this band). The Quirkestra is made up of 13 musicians representing a broad spectrum of learning and physical disabilities who meet once a week for writing, recording, and rehearsing with a dedicated staff of musician-careworkers. Along with developing a band structure where everyone’s abilities are utilized, Morrison also co-creates accessible instruments alongside the artists.
“I’ll always start with a strength or an interest of the person that I’m making the instrument for,” Morrison says. “If the artist is really good at dancing and moving their feet, the accessible instrument might take the form of a platform where their foot movements create musical sounds. Or if they’re into magic, their accessible instrument might take the form of a wand.” Wielding that wand is musician and artist Grace Lam. “It allowed me to grow in confidence by being free to experiment, and write my life stories into songs,” she says. “Learning to vocalize lyrics helped me to not be harsh on [my singing voice].”
Hamburg act Station 17 are arguably one of the earliest—and most prolific—examples of bands like The Sisters and The Quirkestra. Station 17 works inside Hamburg’s Barner 16 network, a collective of bands of a similar makeup. Station 17 has been releasing albums since 1989, collaborating with icons like Michael Rother, Holger Czukay, and FM Einheit, as well as other notable members of the German wave and experimental scenes. Nils Kempen, who has been the group’s guitar player since 2014, describes a similar process at Barner16 to the work being done at Tutti Arts. “On our rehearsal days, we write songs or prepare for concerts,” he says. “Anyone can contribute ideas for new songs. We try to consider all ideas, but they have to be compelling enough to generate a collective interest in pursuing them further. In this way, a song can gradually emerge from a melody, phrase, or rhythm. We try to avoid situations that seem like coaching or teaching.”
“We want to utilize the talents that each band member brings,” he continues. “We don’t want to compensate for perceived ‘weaknesses’ or ‘flaws’ of individual musicians. Rather, we try to incorporate them if they align with our shared artistic intention.” For Kempen, the song “20,000 Miles Under the Moon” is the perfect reflection of Station 17’s method of working. “We improvised a lot,” he says. “The structure presented itself beautifully—almost by itself.”
The Semi-Modulars are an analog synthesizer band operating inside the Texas School for the Blind and Visually Impaired. Their records exude excitement, sinewave explorations interlaced with video-game bangers, making for an ecstatic combination. After an introduction to the basics of synthesizers and sound design, students begin a year-long course, choosing their synth and eventually recording and performing.
“Each student is assigned a synthesizer based on their musical strengths,” says instructor Dan Butler. “For example, the more musically advanced students will play a polyphonic synth. Students with a strong sense of rhythm might play a monophonic bass synth. Students that aren’t as adept at playing parts on a keyboard will work with semi-modular synths and effects to create sounds and textures in real time over the rest of the band. We arrange and rehearse as many songs as we can in the time allotted.”
“I was dreaming when I was small about being in a band and I finally got to have the experience,” Says current Texas student Alex Maradiaga. “I like that people enjoy our music and they have fun at the concerts.” He’s especially fond of the songs “After You Leave” and “Texas Misses You.” “Both are beautiful songs and are very sentimental to me. When I feel sad, I like emotional songs. I wrote both of those songs when I was feeling sad, and it made me feel a little bit better”.
Stefan Neville began making music as a teenager in Hamilton/Kirikiriroa, New Zealand in the early 1990s. Throughout the ‘00s, his band Pumice (with Jon Arcus) toured the world, playing with the crème de la crème of noisy art brut subculture before starting to work in the disability support sector in 2010. Inspired by his appreciation for legendary Argentinian band Reynols (“transcendental imagination and magic is in everything they do”), Neville began to hold free music-making sessions, which evolved into recordings and live gigs at festivals and local events. This work produced bands like the haunting The Talent and Michael & Daniel as well as session recordings available on his own label.
“My background in music is all self-taught and DIY,” Neville says. “I wanted to model that for people and show that anyone can make music. And it’s not just in a therapeutic model, where [the music-making is] in the moment. We can record it, share it with friends, we can release it, we can do a concert. It’s not just making music, but amplifying the parts that can be social opportunities—meeting people because they liked your concert. The rich life I’ve had because I made music, I thought, ‘I can help people have the same opportunities.’”
Neville moved his work to the art-therapy workshops of Māpura Studios in Tamaki Makaurau (Auckland) where he amassed 12 years worth of recordings, essentially creating a giant database of imaginary worlds, soundscapes, and alternative song structures. Among them: The epileptic-ethno-poetic project Artilepsy and PomPom, who were featured in the book Perfect Sound Forever by the English comedian James Acaster. (He posited that 2017 was the best year for music, and that PomPom’s album was evidence of this.)
The Māpura Music group is featured on the double-LP compilation We Are the World, which consists of international artists and was released by the French label Sonic Protest, and Neville recently released Rescued Speech Songs, working with autistic storyteller Indika Gamage-Mendis who had been participating in the Māpura Music Project.
As Station 17’s Kempen puts it, performing with the band helped him understand “the benefits of consuming art when one manages to break free from learned and common conventions and gain access to other perspectives—not just mainstream art, but also, aesthetic, highly ‘regulated’ art within subcultural contexts.” In other words, both sides of the equation help one another creatively and socially, resulting in music that is thrilling to listen to. This article just scratches the surface, here are more artists doing incredible stuff worth checking out:
Two other members of the Barner 16 project, both the amazing Slowi Chrizz—who have created a particularly dope film clip—and kUNDEkÖNIG both indulge in the trashy flavor of punk that is characteristic of the Hamburg scene.
Heart ‘n Soul in London produces and promotes artists like the delightful dub electro singer D.M.S., as well as the late Lizzie Emeh, a soul legend and a genuine inspiration to many artists around the world.
Dean Rodney Jr is a surreal, dancefloor-filler electroboogie artist whose humor and intensity are unmatched, and The Gate releases dubby tapes packed with incredible, Bill Laswell-esque explorations.
Hardcore French rappers Choolers Division, with their live band and aggressive delivery, are infectious and fresh as hell. Bands like rowdy punks Wild Classical Music Ensemble can be found on the Sonic Protest compilations, while the more proggy and hypnotic DNA? AND? are only a slice of the good stuff on Norwegian label Sanntids Musikk.
Buckle up! A wild ride though cacophonous noise, F R A N T X spikes moments of chaos with moments of color.
idutydu,
f r a n t x
— chronique
—
par Selma Namata Doyen
photo © Eudes Lemare
line-up
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Fanny Meteier tuba, voix, toy synth
Andrea Giordano voix, électronique, mélodica
Pierre Pradier guitares, voix
Marco Luparia batterie, électronique, voix
carton records
standard in-fi
mai 2026
—
Le titre est déjà un petit accident administratif : IDUTYDU (I Didn’t Understand That You Didn’t Understand). On pourrait croire à un échange de mails devenu incontrôlable ou à un bug de sous-titres automatiques. En réalité, c’est un résumé assez exact du disque : une musique où les informations arrivent trop vite, changent de fonction en cours de route, puis reviennent déguisées comme si de rien n’était.
Chez ＦＲＡＮＴＸ, les instruments n’ont manifestement pas signé pour les postes qu’on leur avait promis. Le tuba ne sonne presque jamais tuba : il souffle, compresse, parasite, gonfle les contours du son jusqu’à ressembler tantôt à un moteur fatigué, tantôt à une nappe électronique qui aurait mangé trop de gravier. La batterie ne marque pas le temps, elle le découpe en tranches inégales et les redistribue sans prévenir. Les guitares choisissent de ne pas choisir entre riff, texture, objet contondant et meuble sonore. Quant aux voix, elles circulent dans le mix comme des personnages secondaires qui auraient pris le contrôle du scénario. Le plus amusant, c’est que cette organisation apparemment anarchique est d’une précision presque vexante. Les morceaux tiennent par gestion des densités, déplacements de registres, ruptures calibrées et un travail très fin sur la saturation. Rien ne déborde par accident.
PINGU TRAUMA avance comme 4 membres d’un groupe qui se chamailleraient en jouant, tout en restant étonnamment d’accord. ORGASMIC KITCHEN pousse encore plus loin cette économie du faux chaos : motifs abandonnés, retours absurdes, coupes sèches, puis soudain un passage parfaitement construit — comme si quelqu’un avait rangé le bazar pendant qu’on regardait ailleurs Et puis il y a BANANA PHONE BOI, qui étire enfin le temps. Les couches s’empilent : souffles, saturation, électronique, voix, percussion, timbres qui se frottent sans politesse excessive. Là, le disque révèle son vrai talent : produire énormément de matière sans jamais fabriquer de bouillie.
IDUTYDU pourrait donner parfois l’impression qu’un ensemble de musique contemporaine aurait accidentellement surfé sur trop de forums, téléchargé trop de pop et avalé un peu trop de caféine. Trop ? Définitivement non. Ce disque groove souvent et jamais trop. Avec beaucoup plus de tenue qu’on pourrait lui en accorder.
Banlieues Bleues trace de nouveaux chemins
Le 31 mars, à la Dynamo de Pantin, Banlieues Bleues ouvrait une soirée placée sous le signe du risque et de l’invention avec TERRINE, FRANTX et Rojin Sharafi. Trois propositions pour « tracer de nouveaux chemins », lisait-on dans l’édito du festival, et c’est bien cette ligne qui a dessiné la soirée, faite de tensions, de matières instables et de formes qui refusent de se laisser domestiquer.
[…]
FRANTX allait ensuite déplacer la soirée vers un autre type de tension, plus vocale, plus politique, plus fragmentée aussi. Le quatuor franco-italien donne à voir un monde en crise, tantôt hostile, tantôt désespéré ou absurde : Fanny Meteier en keffieh donne le ton avec un discours engagé, Andrea Giordano prend le relais, masquée par un carré dentelé, voix distordue jusqu’à devenir presque sans visage, mais jamais totalement déshumanisée. Le groupe, né de croisements entre improvisation, musique concrète, pop mutante et noise-glitch, travaille le collage comme une dramaturgie du heurt.
La musique avance par à-coups, par surgissements, par motifs qui se défont aussitôt qu’ils se stabilisent. On passe du coq à l’âne, mais sans gratuité : cette instabilité semble constitutive du projet, comme si chaque musicien testait en permanence la résistance du groupe, ses limites de cohésion, ses seuils de chaos. Certaines séquences, notamment celles qui jouent sur les aigus de la guitare et des clochettes dans des textures micropolyphoniques où se répondent Pierre Pradier et Marco Luparia, ouvrent de très beaux espaces de suspension.
Et puis l’humour, indispensable antidote pour ce monde cassé : « celle-là, c’est la chanson du camping, je vous préviens », annonce la tubiste avant le dernier titre, en admettant son émotion à se présenter à Banlieues Bleues en tant que « fille du 93 ». Ce décalage entre la gravité du matériau et la simplicité du rapport au public donne au set une humanité particulière : « Fly Communication » fait sentir avec une lucidité ironique les malentendus et les tensions du collectif transnational comme partie intégrante de leur musique. C’est ce titre qui clôt leur premier album IDUTYDU, dont la sortie est prévue le 22 mai 2026.
[…]
Tatiana Paris – Thalle (Carton Records, 2025)
21 Maggio 2026
3–5 minuti
R E C E N S I O N E
Recensione di Luca Onyricon Giglio
Di ritorno dopo il suo esordio Gibbon del 2022, Tatiana Paris pubblica per la francese Carton Record il suo secondo lavoro Thalle e non presenta un disco, bensì una sorta di organismo vivente. Un organismo che tramite una fotosintesi mirata ci nutre liberando nell’aria architetture nebulose, sulle quali la musicista interviene. Piante senza radici né foglie, suggestioni dissonanti e organiche prendono vita dalla natura come corpi vegetali privi di tessuti vascolari complessi.
Alla vista di questa copertina, con reminiscenze a “Still Life” dei Van Der Graaf Generator, è il tallo a fungere da illustrazione, e in definitiva evoca la musica suonata da quest’artista, un album di dieci composizioni, intitolate senza lettere maiuscole, che si dispiegano senza soluzione di continuità in 45 minuti.
Un viaggio sorprendente, a tratti selvaggio, in cui Tatiana suona la chitarra preparata, accompagnata da sintetizzatori modulari, oggetti, un vecchio “acousmonium hertziano” (un vecchio flauto dolce), un organo e, occasionalmente, una voce eterea con autotune. Questa musica cinematografica sembra muoversi, fondersi con l’ambiente sottomarino. Si immaginano le piante ondeggiare al ritmo di una corrente liquida.
A comporre Thalle sono nove frammenti sonori che, analizzati al microscopio, svelano una struttura complessa e imprevedibile, il suo incedere oscilla fra strumentali cheti ed arrangiamenti acustico-rumoristi. Ricorda vagamente quell’onda magica e acustica che spesso accompagnava le uscite Tomlab, una sensibilità che di questi tempi si vede rifiorire anche nelle produzioni di aus e di Flau Records ad esempio, anche se qui, tramite il cantato, l’approccio vira in direzione di qualcosa di più intimo ed orecchiabile. I brani sembrano formarsi per genesi biologica, quasi come il corallo in copertina, molecola dopo molecola in forme e colori delicati. La chitarra boccheggia fra un respiro e l’altro, placida, a dare grumi di suono che a tratti potrebbero ricordare la magia dei Gastr Del Sol in trasparenza, quasi come se invece di spartiti Tatiana suonasse direttamente degli erbari, dando il via a piccoli caos appena percettibili, come minute forme di vita sotto il vetrino di un microscopio. A tratti la musica diventa solenne, soprattutto quando l’organo di Rachel Langlais fa da collante all’equilibrio elettroacustico a base di field recording, synth modulari, drone music, nastri registrati e oggetti casuali che producono suoni concreti.
Di tanta maestria e ingegno si nutrono i due capitoli drone ambient che prendono nome dal titolo dell’album, thalle I e thalle II, dove la magia si fa ieratica e immobile, quasi ci costringesse a cercarne una presenza con lo sguardo oltre che con l’udito. Il ritorno della voce nella conclusiva salluit e l’apparente contrasto armonico di avril sono due facce della stessa medaglia (tutti gli interventi vocali sono tratti da poemi di Pierrick Pagé, Joséphine Bacon e Marie Andrée Gill), un commiato crepitante e misterioso, un breve attimo di crescita e di luce condivisa fra esseri in continua evoluzione e cambiamento, un miscuglio di sperimentazione e consapevolezza tecnica che anima tutta l’opera di Tatiana Paris e che in Thalle trova la summa per una sintesi sottrattiva ammirevole.
Carton Records ha il potere di attrarci con l’ignoto, attraverso il prisma di audaci avventure musicali. Ad ogni uscita, ci ritroviamo talvolta immersi nel mondo minerale o travolti dai meandri di qualcosa di più organico. Con Thalle si raggiunge una sorta di apogeo, un’opera unica e immutabile, capace di trascinarci in un disagio sensuale sonoro (intro) che funge sia da esca sia, soprattutto, da processione verso un altare ricoperto da questo tallo, che si dispiega con un distacco quasi soprannaturale. Abbondante e pervasiva, la musica traccia un percorso di eccellenza, liberandosi dai sentieri battuti per trasmettere al meglio ciò che l’evanescenza può produrre quando non è la radice della futilità.
Thalle è la perfetta traduzione musicale della parola emozione, una ballata senza tempo, un tuffo in ciò che non possiamo immaginare, una frontiera che risponde alla possibilità che l’infinito possa avere una fine. Tra paesaggi sonori e rumori maestosi che offrono evasione, Thalle è un volo commovente, quasi mistico, eppure saldamente radicato alla terra, con radici che si protendono verso il cielo vaporizzandosi in una bellezza straordinaria.
Music: Wiggly Air – Deafkids, My Heart, An Inverted Flame, it foot, it ears, FRANTX, Tom Waits and Massive Attack
Electro blipmares from Paris. The French/Italian four-piece FRANTX sound decidedly more contemporary than does it foot, it ears, but are similarly disorienting, likely because I don’t speak French. They’re super-cute and vaguely anxious, technicolor techno masking what seems to be a disaffected detachment. All four members provide (processed) vocals and synth textures on their debut IDUTYDU (LP, download from Carton Records May 22), although there’s also occasional acoustic guitar and tuba as well. A slow chaos ensues, as on “Pingu Trauma,” in which a robot sing-a-long interrupts what sounds like a cartoon ensconced in a blanket of scorn. There are little melodies at times, but there’s not often much going on in song form. Still, it manages to keep a poppish feel aloft, like comic sans illbient. The lyrics might point a different direction, but that said, the album’s final track, “Fly Communication,” delivered in accented English, is about our inability to converse with bugs, even when they say they understand. Communication is overrated.
SOCIETÉ ETRANGE "Heat"
(2026 )
Nella proposta di viaggio sonoro dei Société Étrange, il basso è il fulcro centrale dell'andamento. I suoi giri ripetitivi, abbinati alla batteria e ai suoni elettronici, danno l'idea di un trip affascinante e meditativo.
Uscito per l'etichetta Carton, “Heat” ci propone sette di queste gite nel suono. Il basso di Romain Hervault è pulsante ma a tratti anche sferragliante, senza arrivare al punk, ma contenendo una controllata dose di “sporco”. I suoni eterei ed avvolgenti di Antoine Bellini fanno da contraltare ai beat freddi e secchi della batteria elettronica.
Ogni traccia ha una durata diversa, a seconda di come si sviluppa l'estro sul materiale di partenza. Ad esempio, “Coquet” dura due minuti e mezzo, mentre “Place Saint Bruno” arriva quasi a nove. Quest'ultima si sviluppa su un giro in 7/4, in cui le note scelte dal basso fanno percepire l'armonia. La melodia ascendente fa intuire un'armonia in diminuito, ma Bellini non esegue quasi mai degli accordi completi, bensì dei singoli suoni.
C'è la ricerca dell'indefinito, per concentrarsi sull'ipnosi che scaturisce dalle ripetizioni, e sull'accumularsi di suoni. Non ci sono quindi strofe o ritornelli, ma un'unica struttura stabile. Nella titletrack, un grave suono sintetico è molto riverberato, creando un'atmosfera quasi umida.
“Fenêtre sur cour” è costellata di suoni dondolanti, mentre la parte percussiva è dominata da un ticchettio, e intanto il bassista viaggia sugli arpeggi. È uno dei brani più misteriosi ed intriganti dell'album, che procede mediamente tranquillo, senza patemi d'animo.
Una leggera inquietudine arriva invece con “Chamber dress”, dove il basso assume un timbro nasale, e il suono synth si fa acido e, insistendo su una tonalità minore, dà un colore scuro al brano. L'elemento rumoristico prende il sopravvento in “Soleil lourd”, che dà la sensazione di un sottobosco fitto e brulicante, quasi come un humus musicale.
Infine “Fifth” procede andante ancora tra suoni nasali e da trance. “Heat” è musica senza domande né risposte, una secchiata di suoni tenui ma costanti, per creare un clima di sospensione, di attesa. (Gilberto Ongaro)
Antoine Ferris: Albumdebüt auf Carton Records
Veröffentlicht am 11. Mai 2026 von admin
Antoine Ferris legt dieser Tage sein Debütalbum beim Carton Records vor, der ungewöhnliche Titel der CD ist “[KAAARST]“. Die Musik bewegt sich im Spannungsfeld von experimenteller Klangarbeit, Noise, Improvisation sowie Einflüssen aus Pop, Hip-Hop und diverser elektronischer Musik. Im Zentrum steht der E-Bass, der hier nicht nur als Instrument, sondern in den Worten des Labels auch als Klangquelle und Signalgeber fungiert: Durch
Feedback, perkussive Spielweisen und den Einsatz von Effektgeräten entstehen vielschichtige, teils rohe und industrielle Klangbilder. Ergänzt wird dies, wie es ferner heißt, durch Sampling und eine bewusst eingesetzte Offenheit gegenüber dem Zufall und klanglicher Unschärfe. Neben Solostücken enthält das Album auch Kollaborationen, darunter Beiträge mit Natacha Kanga und Louie Z. Das Album ist auch zum Download erhältlich.
Natürlich gibt es immer noch musikalischen Stoff, der überrascht. Schroff und schrill knallt Antoine Ferris mit – whatever it means – [KAAARST]. Obwohl, ja, die Musik klingt wie der Album-Titel. Es «cruncht» da in alle Richtungen, die Musik zersplittert jeweils unvorhersehbar und kreischt gerne. Vor allem ist es laut und auf eine seltsam angenehme Art vollchaotisch. Die Musik springt über Stühle, Tische, versteckt sich unterm Sofa (eher selten). Ein Riesenspaß eigentlich.
Wenn die Stimmen von Natacha Kanga und Louie Z in zwei Stücken hinzutreten, könnte so ein Gefühl von Melancholie aufkommen, fast ein bisschen modisch-apricot! Wäre da nicht diese pausenlose Unruhe des Musikers Antoine Ferris aus Frankreich, der, sie werden es nicht erraten, eigentlich Kontrabass und so was spielen würde, hätte man ihn hier nicht unter Dauerstrom gesetzt.
So ist es auch im Bereich des Rhythmus: Das poltert gewaltig vor sich hin und her. [KAAARST] gehört in die Welt von Noise mit seltenen Ruhephasen, die dann doch, wie sollte es anders sein, konterkariert werden.
Das klappt vorzüglich und bläst einem alles weg, was man so mit logischem Mitdenken einfallen könnte. Dauerüberraschungsmusik, als kramte man in einer Kiste mit buntem Synthie-Zeug und bekäme mal dies, mal das zu Gehör. So steht unter Genres im Bandcamp-Katalog: experimental music, noise, impro, hip hop, industrial, pop.
Ja, das ist anstrengend. Aber so muss das! Es darf ästhetisch geballert werden, was das Zeug hält.
OD BONGO "Bongoville"
(2026 )
Con ''Bongoville'', gli OD Bongo firmano uno dei lavori più compatti e visionari della loro discografia, cristallizzando su disco l’energia brutale e istintiva che il duo porta da anni sui palchi europei. Pubblicato il 24 aprile 2026, l’album rappresenta un punto di maturazione per il progetto di Amédée de Murcia ed Édouard Ribouillault, che qui riescono a rendere narrativo persino il caos.
''Bongoville'' è un vortice sonoro dove techno torbida, dub arrugginito, industrial trap, juke e gqom si inseguono senza soluzione di continuità. Le tracce non cercano mai la “pulizia”: tutto vibra, distorce, si sfalda e si ricompone sotto una coltre di riverbero e basse frequenze sature. I beat rimbalzano, accelerano e collassano come in una corsa notturna senza freni, restituendo una sensazione quasi fisica di movimento continuo.
La forza dell’album sta nel suo approccio primitivo ma lucidissimo. Drum machine, sampler e sintetizzatori vengono usati come strumenti di reazione immediata, più che di programmazione fine. ''Bongoville'' suona come una performance catturata nel momento esatto in cui sta per sfuggire di mano: loop ossessivi, delay che si allungano fino a deformare la percezione del tempo, bassi che saturano lo spazio fino a renderlo instabile.
La title track “Bongoville” apre il disco come una dichiarazione d’intenti: ritmi spezzati e pulsazione ipnotica che preparano il terreno ai successivi “Crystallinoron” e “Pandora”, più frenetici e taglienti. “Monsieur Fils” e “Trident Trust” introducono tensioni quasi rituali, mentre “Ocorian” chiude il percorso lasciando una sensazione di detonazione controllata. Nelle versioni estese e bonus emerge ancora di più il gusto del duo per la deformazione sonora ripetitiva.
Questo non è un disco accomodante, né cerca compromessi. È un lavoro fisico, notturno e allucinato, pensato tanto per i sistemi hi‑fi estremi quanto per i club più ostili. Gli OD Bongo riescono a trasformare il disordine in linguaggio, il rumore in racconto, confermandosi come una delle realtà più radicali e coerenti della scena elettronica europea contemporanea. L'album mette al centro il disordine controllato: strutture ritmiche che si spezzano, accelerano e collassano diventando un vero e proprio codice espressivo. Il caos non è un incidente, ma il motore del racconto sonoro. I brani insistono su basse frequenze sature, riverberi pesanti e pressione sonora, trasformando l’ascolto in un’esperienza corporea, quasi tattile. Il tema della musica come forza fisica attraversa l’intero album.
L’atmosfera è costantemente notturna, urbana e ritualistica: groove ripetitivi e ipnotici evocano trance collettive, club oscuri e spazi liminali tra danza e allucinazione. Il loop è un tema strutturale: ripetere, deformare, saturare fino a perdere il riferimento originale. La ripetizione diventa una forma di tensione narrativa più che di stabilità.
In ogni traccia si percepisce il conflitto tra controllo tecnico (drum machine, sampler, sintetizzatori) e perdita di controllo, come se il sistema potesse implodere da un momento all’altro. Infine, ''Bongoville'' è attraversato dal tema del movimento continuo: niente quiete, niente risoluzione finale, solo un avanzare nervoso e frammentato che riflette una visione instabile del presente.
In sintesi, il disco costruisce un immaginario fatto di energia grezza, trance urbana e instabilità permanente, dove il suono diventa racconto senza bisogno di parole. (Andrea Rossi)
Con ''Vallées'', Seb Brun e Simon Henocq costruiscono un paesaggio sonoro che sembra nascere prima ancora di farsi musica. Il disco non procede per brani tradizionali, ma per masse, percorsi, accumuli e rarefazioni: un flusso continuo che invita l’ascoltatore a entrare in uno spazio più che a seguire una narrazione.
L’elemento più affascinante dell’album è il suo rapporto con la materia sonora. Le percussioni di Henocq non scandiscono il tempo in modo convenzionale: emergono come fenomeni fisici, attriti, urti, risonanze che dialogano con i trattamenti elettronici e le manipolazioni timbriche di Brun. Il risultato è una musica che sembra respirare, fatta di micro-eventi e tensioni sottili, dove anche il silenzio diventa strutturale.
''Vallées'' gioca molto sull’idea di profondità. I suoni sembrano collocati su piani diversi, come se l’ascoltatore osservasse (o attraversasse) un territorio stratificato. A tratti il disco appare scabro, quasi ostile; in altri momenti si apre invece a una delicatezza inattesa, con frequenze lievi che affiorano e si dissolvono prima di stabilizzarsi. È proprio questo equilibrio instabile che tiene viva l’attenzione: nulla è decorativo, nulla è lasciato al caso.
L’improvvisazione, sebbene centrale, non è mai autoreferenziale. Brun e Henocq dimostrano un controllo notevole della forma, riuscendo a dare coerenza a un materiale che potrebbe facilmente frammentarsi. Le “vallate” del titolo sembrano alludere sia agli spazi acustici esplorati sia ai movimenti emotivi dell’ascolto: discesa, attesa, risalita, senza una gerarchia evidente.
Non è un disco che si concede facilmente al primo ascolto. ''Vallées'' richiede tempo, attenzione, e una certa disponibilità a lasciarsi disorientare. Ma è proprio in questa richiesta che risiede la sua forza: l’album non offre risposte immediate, bensì un’esperienza immersiva, quasi tattile, che continua a rivelarsi nel tempo.
In definitiva, ''Vallées'' è un lavoro rigoroso e suggestivo, capace di fondere improvvisazione, ricerca timbrica e sensibilità formale in un unico corpo sonoro. Un disco che non si limita a essere ascoltato, ma che si attraversa. (Andrea Rossi)
Piante senza radici né foglie: le suggestioni dissonanti e organiche del nuovo album di Tatiana Paris nascono dalla natura cangiante di alghe, funghi, licheni, corpi vegetali privi di tessuti vascolari complessi, simbolo di una natura che invita alla rinascita e alla giovinezza.
A comporre "Thalle" sono nove frammenti sonori che, come materia osservata al microscopio, svelano una natura ricca e articolata, spesso imprevedibile, come il cantato delicato e la melodia fluente e diafana di “Canine”. A tratti la musica diventa solenne, soprattutto quando l’organo di Rachel Langlais fa da collante all’equilibrio elettroacustico a base di field recording, synth modulari, drone music, nastri registrati e oggetti casuali: di tanta maestria e ingegno si nutrono i due capitoli drone ambient che prendono nome dal titolo dell’album, “Thalle I” e “Thalle II”.
Il caos appena percettibile e la frammentazione discorsiva di “Salluit” e l’apparente contrasto armonico di “Avril” sono due facce della stessa medaglia, un miscuglio di sperimentazione e consapevolezza tecnica che anima tutta l’opera di Tatiana Paris e che in “Thalle” trova terreno fertile per una sintesi ammirevole.
Sulle orme di artisti come Ellen Arkbro, l’artista francese esplora le grazie della musica con una tecnica esplorativa affine alla geologia e la paleontologia e il risultato è naturalmente affascinante.
IDUTYDU by FRANTX. A fascinating LP from this Paris experimental group where the human voice becomes a pliable instrument amidst drones & electronics.
Tout Bleu « You Are Tree » (Carton Records/ZAMZAM Records/La République des Granges, 20 mars 2026)
Les tout crépusculaires Tout Bleu, menés par Simone Aubert (Hyperculte, Massicot) à la manière du gitan Melquiades, personnage clé de 100 ans de solitude, reviennent au village pour faire part de leurs trouvailles avec un troisième album, You Are Tree. M’en fallait pas plus, me voilà à parler du divin objet. Une dizaine d’abord chloroformée, dans la nébulosité fantomatique de l’inaugural Kind To Herself. Les voix y chuchotent, l’atmosphère angoisse. Une vague électro underground s’invite, en fin de titre. Puis Wish We All, dans un folklore champêtre possédé à la fin remuante, entérine la déviance du groupe. On s’en remet à peine que Technosapiens, lunaire, spatial, pousse encore le champ d’investigation de Tout Bleu. Le chant fait à nouveau effet, les volutes sonores également. Alive In A Future, no-wave à la majesté déjantée, obscur et bancalement lyrique, sème le même type de magie. Puis Doors, à la subtilité bluesy hantée, de son deuxième volet frénétique, fait des cinq premières plages des must absolus.
On poursuit avec enthousiasme, envouté, l’audition immergée. Ce Dit Univers, in French dans le mot, ensorcèle. On n’échappe pas à ce You Are Tree, A Mount y poste ses motifs et son louvoiement rock cerclé d’instruments déments et de vocaux à la déraison décisive. Mooch, sombre et d’un jazz hors-socle, expérimente jusqu’à ce qu’on s’en entiche. Champidou joue, ses penchants aériens le portent et ses sons fusant, son rythme kraut le placent en marge. Son terme bruisse, et puis matez-moi donc cette pochette! Plus représentatif y’a pas, à la minute où Loneliness distille pour finir son venimeux nectar « folklo » titubant et dépaysant force est de reconnaitre que Tout Bleu, perché, nous lègue là un opus qu’il faut certes aller chercher, mais dont l’assimilation recèle son lot d’extase sensorielle.
experimental
Fascinating LP from this Paris experimental group where the human voice becomes a pliable instrument amidst drones & electronics.
par Dorian Fernandes
Nous évoquions dernièrement le trouble suscité par des groupes ou artistes dont on ne peut accoler aucun visage, à l’occasion du dernier album de Christine, quand les photos ne sont pas mises en avant, ou tout simplement parce que ces dernières sont inexistantes. Dans une même mesure mais sans qu’il soit ici question de ce besoin si humain de planter un corps sur une musique, il arrive qu’un alias de groupe suffise à déclencher une attraction, du moins un mouvement de curiosité. Avec Société Étrange, nous ne pouvions que tilter. Heat est le troisième album du groupe lyonnais composé de Romain Hervault, Antoine Bellini et Jonathan Grandcollot. Ce trio tente une musique qu’on qualifiera, à défaut d’avoir les mots justes, d’ambient krautrock, nous poussant à faire un pas de côté et à regarder notre théâtre des banalités sous un angle décalé.
Vie à sens unique
C’est un ensemble de ronds-points, reliés par des lacets de routes, elles mêmes rattachées à des petites villes, à la fois uniques par leur nom et pourtant si semblables. Les pâtés de maison ont une trentaine d’années, formant un ensemble à la fois maussade et Coquet, classe moyenne installée. Ceci est traversé par quelques mouvements. Une certaine idée de la plénitude. Du Suicide social, aussi… Du synthé, une sorte de tension sous-marine émane, montant graduellement, derrière une apathie musicalement ambigüe. Comme si ce vernis d’urbanité allait un jour non pas s’évanouir, mais bien craqueler. Ou pas… Le groupe privilégie depuis son premier Au revoir (2015) l’étirement des pistes, travaillant des atmosphères par sa guitare et ces motifs de notes répétées inlassablement. La station-service prend des allures de films. L’effet l’emporte, et nous ne sommes pas bien loin du récent travail solo d’Étienne Jaumet, de même qu’avec ses Zombie Zombie que l’on voit sortir du centre commercial plus éloigné, John Carpenter et des Goblins hantant là encore les lieux. Le battement métronomique et ces notes rétro-fururistes déformées font tout pour nous ouvrir à un arrière-monde, qui n’est autre que… le nôtre.
L’ordinaire devient étrange, avec Heat et son tambour de marche asthénique. On pense souvent à Fille Unique, le type de projet qu’on se réjouit de constater depuis une quinzaine d’années, évoquant instinctivement des ambiances périphériques, ni belles ni moches, mais dont il se trame un non-dit, un secret lourdement gardé. On écoute le vent, on se hasarde parmi les milliards de chemins et visions qu’offre une forêt. Sous un Soleil lourd, on va voir ce qui se trame de vie et de vide, dans une maisonnée (il semblerait) abandonnée sur laquelle on tombe au gré du hasard. Un buisson bouge, quelques ombres passent ; des cailloux déplacés au bon vouloir de l’Invisible marionnettiste. Puis… rien d’autre.
La possibilité d’un nid
Heat constituerait une excellente B.O. d’essais de Christophe Guilluy. Ou d’un bon film du duo Kervern / Delépine ; de la série de Guillaume Nicloux, Il était une seconde fois aussi. Revenu au Formule 1, on s’amuse à regarder le vis-à-vis, comme Fenêtre sur cour. On n’y voit pas grand chose ; des gens qui bougent, des enfants qu’on devine ; quelques accolades et paroles réconfortantes, un train-train rituel, mais ayant l’amabilité d’être là ; des tuiles qu’on se promet de retaper en des temps meilleurs. On ne verra le début d’un slip… Puis, la nuit venue, une petite télé comme seule loupiotte. Tout est sombre à présent, et il semblerait que le pays aille enfouir sa tristesse dans le sommeil assez tôt. Le temps passe comme des rides. Le groupe gagnerait à légèrement écourter certaines pistes, ce qui ne diminuerait aucunement leurs effets, mais permettrait de faire entrer une ou deux morceaux injectant un gain d’hétérogénéité dans le banal.
Il y a dans cette musique comme une angoisse du vide, comme s’il nous dardait du regard, sans fard. De phare, nous n’en n’avons plus. Le paysage est beau et désolé, il s’excuserait presque de sa banalité s’il le pouvait. Cette contrée a le ventre vide, souffrant d’un trop-plein dont il lui manque les mots. Société Étrange nous les refusera. Quant aux titres, ils semblent nus, énigmatiques, donnés au gré de l’aléa. Au niveau de la Place Saint Bruno, un petit monsieur tassé passe, comme chaque jour à 8h04, réglé comme un coucou. A t-il un proche qui pense à lui ? Il disparaît dans la rue, sa petite allure rapetissant jusqu’à devenir un point. Cette Société Étrange est pleine de suspension… Elle réussit à perpétuer l’hypnose, une sorte de stase dub similaire à celle ressenti avec la techno ambiant d’ugne&maria, pour mieux nous la révéler, dans ce langage mystérieux uniquement composé de notes. En cela, le groupe justifie parfaitement son nom.
Bobo & Behaja
Aia Haja?
Carton Records / Boomslang Records
8/10
On Aia Haja? Bobo & Behaja channel the dust and heat of Madagascar’s bals-poussière (dust balls) into six rax and electrified tsapiky tracks. A collaboration between the French four-piece Electric Vocuhila and the Malagasy group Behaja — the album was forged in motion, born from missed flights, lost gear and last-minute recording conditions. Opener ‘parepare’ launches straight in with a frenetic energy, Behaja’s virtuoso noodling picking out tightly coiled guitar melodies, while Maxime Bobo’s alto sax cuts across the groove with free-jazz grit. The galloping rhythms of ‘Kabosy’ loop and release with unrelenting momentum. ‘Handeha Hihisa Zaho Baba’ brings François Rosenfeld’s bass to the fore, a shuffling foundation upon which guitars, sax and singer Malala’s Beatific vocals build. Its feverish momentum feels inseperable from the story of its making — music shaped by airports, accidents and the stubborn will to play. In the process, tsapiky is stretched into something both fiercely traditional and restlessly novel.
OLIVIA CHEVES
Société Etrange souffle un vent de chaleur sur le monde normal
Alors que prolifèrent les générations de contenus et de mots automatisés, il n’a certainement jamais été aussi anormal de composer des musiques instrumentales racontant le monde sans rien dire. C’est là que les Lyonnais de Société Etrange entrent en action avec un troisième album fondamental : Heat.
Depuis déjà plus de dix ans, le trio discret derrière Société Etrange réussit cette exploit de se frayer un chemin sinueux dans la musique dite instrumentale en possédant ce double atout rare de ressembler à un gang de serial killers lorrains extirpés d’un épisode de Faites Entrer l’Accusé, mais aussi d’être capable d’en écrire le générique. Un EP, deux albums et le tube de l’été 2022 que personne n’a entendu (La rue principale de Grandrif) : une ligne droite se dessine, voire un début de discographie solide confirmée avec ce troisième album Heat qui n’a a priori rien à voir ni avec le film de Michael Mann, ni avec la crème auto-bronzante. Encore que : en prenant le disque par la fin avec la plus belle réussite du disque (Fitfh et ses 8 minutes de nappes électroniques à la Principles of Geometry), le groupe le plus taiseux du circuit offre une fin alternative à la scène de duel entre Robert De Niro et Al Pacino sur le tarmac de l’aéroport, et se place sans difficultés dans l’interstice entre Brian Eno, Moby, Passengers (le projet secret de U2) et le Kronos Quartet ; pour ne citer que quelques uns des artistes présents sur la bande originale dudit film.
Do heat yourself
Soutenu et co-financé par la Région Auvergne Rhône Alpes, peut-être tenue d’une main de fer par un fan de Tangerine Dream ou de France, Heat ne réchauffe pas vraiment l’auditeur ; et l’inverse n’est pas plus vrai. Pendant ces belles 43 minutes, c’est un temps ralenti et étiré comme Elastic Man qui se joue ; une espèce d’outre-dub introspectif dont on est à peu près sûr que contrairement aux disques de Pierpoljak, il traversera les décennies sans rien perdre de sa force.
Au grand remplacement, le vrai, celui des musiciens par des robots algorythmés, Société Etrange oppose donc un réchauffement mélodique où le minimalisme élégant justifie toutes les notes jouées ; toutes les intentions, toutes ses références cachées. C’est d’une telle beauté primaire que dans un monde où une Brigitte Macron peut devenir DJ, où Gims se retrouver impliqué dans un trafic international à plusieurs millions d’euros et où Justin Bieber se faire payer 10 millions de dollars pour diffuser des vidéos YouTube à Coachella, la société qui dérape jusqu’à devenir malade n’est pas forcément celle que l’on croit.
Au rythme où vont les choses dans ce groupe de kraut-mou, Société Etrange devrait aborder les années 2030 avec optimisme : tout se sera pété la gueule mais eux disposeront d’une série de disques notables sur l’étagère, dont ce Heat, parfait pour cajoler l’âme au moment du grand hiver nucléaire.
Société Etrange // HEAT // co-production Bongo Joe, Carton Records & Standard In-Fi
https://societeetrange.bandcamp.com/album/heat
