3 septembre 2026 /
Hassan K.
“Gharbzadeh” (Carton records)

rédigé par gdo

On a tous connu ces attractions foraines où l’on monte en pensant passer un bon moment avant de comprendre, une minute plus tard, que le responsable de la sécurité est probablement parti déjeuner. Gharbzadeh procure exactement cette sensation. Ça secoue, ça cogne, ça désoriente. On en ressort avec les jambes flageolantes et cette légère nausée qui accompagne parfois les expériences dont on ne sait toujours pas si elles nous ont procuré du plaisir ou si elles nous ont simplement survécu.

Le projet d’Hassan K., alter ego du Franco-Iranien Keyvane Alinaghi, ne cherche jamais à faire cohabiter paisiblement les styles. Il les percute de plein fouet. Les senteurs orientales tentent de conserver leur équilibre au milieu de rythmiques tapageuses, de guitares sauvages qui semblent perdre une roue à chaque virage, d’électronique bondissante, de métal, de math rock, de surf music iranienne et d’une multitude d’accidents sonores qui ressemblent parfois davantage à un chantier en activité qu’à un studio d’enregistrement. Pourtant, derrière cette apparente anarchie, le disque raconte autre chose : un pays traversé par les fractures de son histoire, pris entre héritage et occidentalisation, sans jamais transformer son propos en leçon de géopolitique. L’impression dominante reste celle d’un gigantesque grand huit musical. Chaque morceau ouvre une nouvelle porte, souvent pour la refermer avec fracas quelques secondes plus tard. (Baba Karam) constitue sans doute le point culminant de ce pilonnage en règle. Tout semble vouloir s’y entrechoquer dans une euphorie quasi incontrôlable, comme si chaque instrument cherchait à raconter une histoire différente sans jamais accepter de céder la parole. Le plus déroutant demeure cette capacité à faire dialoguer des mondes qui, sur le papier, n’auraient jamais dû partager la même pièce. Ici un violon espiègle vient provoquer des guitares déraillées, là des pulsations techno rebondissent sur des rythmiques traditionnelles avant qu’une déflagration métallique ne vienne remettre les compteurs à zéro. Hassan K. refuse obstinément le folklore de carte postale. Il préfère bousculer une culture millénaire au contact des sons d’aujourd’hui plutôt que de la figer dans une vitrine.

Douze morceaux plus tard, difficile pourtant de prétendre avoir trouvé le fil conducteur. Ou plutôt, il existe bien un fil, mais il s’emmêle volontairement entre les jambes de ce mariage improbable entre Moyen-Orient, rock, électro, métal et expérimentations bruitistes. La cohérence semble parfois portée disparue, remplacée par une fuite en avant permanente où chaque idée chasse la précédente avant même d’avoir totalement existé.

C’est probablement ce qui divisera. Certains parleront d’un laboratoire sonore fascinant, d’autres d’une indigestion en règle. Pour ma part, je me situe quelque part entre les deux. J’admire profondément la liberté de ton, l’absence totale de compromis et cette volonté de ne jamais folkloriser les racines iraniennes du projet. Mais j’aurais parfois aimé que ce train fantôme ralentisse quelques instants pour me laisser reprendre mon souffle avant de repartir de plus belle. Un disque qui ne demande pas simplement d’être écouté. Il exige qu’on accepte de perdre l’équilibre.

11 septembre 2026

Sun s4lutation w/ Léa Makita

ambient experimental folk post punk

Frédérique Sueur nous appelle en plein milieu de l'épisode.

including société étrange | soleil lourd & société étrange | fifth

Delphine Dora

L’ineluctable pulsation du temps

Marionette

Inspired by a German 'sociologist of speed', the French composer and improviser presents a suite of highly resonant compositions

Miloš Hroch
Published 6:00am 16 March 2026

On her latest album, Delphine Dora is concerned with temporality, its pace and pressures it produces. L’ineluctable pulsation du temps finds the French pianist, composer and improviser summoning a gentle collection of piano cycles with drone undertows. The record took shape during a time of intense touring, while Dora was simultaneously busy engaging with writings on acceleration and alienation by Hartmut Rosa, a “sociologist of speed”. According to Rosa, capitalist societies are programmed for constant economic growth, which forces us into a rat race, approaching the world instrumentally and as a competition. It may sound too esoteric for a German sociologist, but Rosa proposes a different mode of encountering the world, based on active and attentive presence, which he calls ‘resonance’. In other words, it’s about unlocking ourselves to affection. This must have touched Dora, a Parisian who more than a decade ago relocated to a village in rural France. She has used Rosa’s vocabulary as inspiration for track titles like ‘Désynchronisation’ on L’ineluctable pulsation du temps.

Different temporalities are woven into the album’s composition: brisk, fleeting cycles of piano arpeggios, as if chasing the foam of days, are, at least from the second third of the album, layered with sustained droning synths, symbolising the persistence of time. Dora’s piano style has often been characterised by melodic and instrumental asceticism, but on L’ineluctable pulsation du temps piano melodies are generous and colourful. She has been releasing music since the mid-2000s via labels such as Okraïna, Three:four, Modern Love or her own Wild Science imprint. Delivering into her catalogue is like opening a spiritist’s cabinet, and the reward is a sense of wonder, full of dreamy folk lullabies with murmuring vocals, avant-garde treasures or old pipe organ improvisations recorded in churches around Europe, which over time grew more complex.

L’ineluctable pulsation du temps was composed in 2018, around the time Dora was working on her collaborative 2020 album L’inattingible, which was praised by Julia Holter and presented Dora’s most ambitious work in terms of instrumentation and personnel. Her voice is entirely absent on the new album, but the opening ‘Ubiquité’ features Aby Vulliamy’s sublime tones on musical saw, which distantly echoes Dora’s previous lullabies. It’s the only addition to the album. Otherwise it’s just Dora, her piano and Nord Electro keyboard.

It is not the first time Dora has been concerned with temporality through drone-oriented compositions, as on her previous, 2020 album In Illo Tempore. Her approach to piano on the latest record can also recall albums like 2012’s A Stream of Consciousness. L’ineluctable pulsation du temps is best when these approaches meet halfway, as in pieces like ‘L’accélération ineluctable’ or ‘Les jours liquides’. This is when Dora evokes ethereal minimalism by Irena and Vojtěch Havlovi, who employed medieval tonality and “shadowy vocals”. However, the serene experience can in other pieces slip into an alienating sense of background listening. Even though L’ineluctable pulsation du temps doesn’t carry the unsettling qualities of her previous solo or collaborative releases, it still gives plenty of moments to resonate with.

Performed on organ and harmonium in various churches around Normandy and then shaped by sound artist Jérôme Bouve, ʻvents dʼaetherʼ is a blustery and sublimely beautiful melange of widescreen environmental recordings and unsettling kaleidoscopic drones that fully stops time. RIYL Florian Fricke, Virginia Astley, FUJI||||||||||TA or Kara-Lis Coverdale.

You should already know that if Dora's involved, things are gonna go off. Because the way she approaches her instrument, whatever that instrument might be, is always so distinct, informed by the way she improvises, channeling elements that aren't obvious. On 'vents d'aether', it's her surroundings as well as the various organs that invisibly shepherd her through the process, seeping into the compositions and mapping out the space for attentive listeners. And that's never more obvious than on the side-long title track, introducing us to the album without pulling any punches. A peal of church bells is joined by Dora's spontaneous, poetic reflections. Dora isn't hampered by some misguided sense of academic rigor; often labeled an outsider, she lets her own rhythm and her own sense of pitch steer the improvisations, not a meticulously overworked concept. And when her voice echoes wordlessly above the wheezing chords, blurred into recordings of winds beating down on wooden shutters, it's as if it's able to pick out the shape of the room itself, inhabiting a space between folk, sound art and sacred music without even trying.

Of course, the other piece of the puzzle here is Bouve, who'd been mulling over the idea of recording in and around the Cotentin Peninsula for years before he met Dora. He was fascinated not just by the organs and harmoniums that were contained in the various chapels and churches of Val de Saire, but the picturesque, rugged coastal landscape and the incidental sounds (seagulls, rushing waters, the omnipresent sea breeze) that often leak into the recordings. So the pair set off in late 2024 and stopped at every venue that would give them access, dubbing hours of improvisations that Bouve would later collage into the album. You can hear their journey unfold like a film; the field recordings aren't used for texture or to grandstand, they help us to perceive what it might feel like to walk from building to building on the coast and how the music might be eroded by sea spray just like the masonry itself. Dora's pitchy drones capture the persistence of the maritime weather, its near-constant noise and enveloping atmosphere and Bouve provides the frame, recording and mixing his elements to situate us in places that may or may not be real, times that bleed into one another. 

The result is disorientating but mad charming, a ride out through unfamiliar territory that's spotted by dramatic, outstanding cues that are among Dora's most memorable to date. If you need a quick taste, check the four-minute 'Le Vast XIII', where Dora's warbling tones (modified on the fly by Bouve who works the organ's drawbars) are offset by eerie, waterlogged knocks - it's like being marooned and serenaded all at once. 

OD BONGO | Bongoville

Avec Bongoville, OD Bongo bâtit une cité instable, saturée de basses, de tôles froissées, de rebonds numériques et de mirages dub. Entre techno brumeuse, trap industrielle, juke, gqom et noise, Édouard Ribouillault et Amédée de Murcia transforment leur arsenal de machines en parc d’attractions clandestin, où les rythmes semblent courir plus vite que leur propre ombre.

Bongoville : bienvenue dans la mécanique sauvage

OD Bongo naît de la collision entre deux tempéraments déjà bien identifiés dans les marges électroniques françaises : Amédée De Murcia, également derrière Somaticae, au synthétiseur, et Édouard Ribouillault, alias C_C, aux boîtes à rythmes, sampler et effets. Depuis 2015, leur langage commun repose moins sur la fusion policée des genres que sur leur mise en friction : techno, dub, noise, industriel, bass music, puis ici des impulsions venues du juke et du gqom.

Le résultat ne ressemble pas à une simple addition d’influences. Bongoville fonctionne plutôt comme une zone urbaine bricolée après l’effondrement du plan cadastral : des artères rythmiques surgissent, bifurquent, se bouchent, repartent ailleurs. Les beats cognent avec une régularité trompeuse avant de se tordre ; les basses débordent de leur cadre ; les delays deviennent des couloirs sans fin. Rien n’est vraiment stable, mais tout demeure étonnamment dansant.

Une musique pensée avec les mains

Depuis près d’une décennie, le duo sillonne les scènes européennes avec un dispositif volontairement brut : machines, samplers, synthétiseurs et une interaction qui privilégie le réflexe à la démonstration. Ce rapport physique au son traverse tout Bongoville. On n’entend pas des machines soigneusement alignées derrière une vitre : on les imagine posées sur une table trop petite, câbles emmêlés, boutons martyrisés, circuits poussés jusque dans leurs retranchements.

Cette énergie live est pourtant passée par un long processus de décantation. L’album a été créé, enregistré et monté entre 2022 et 2025 à Grrrnd Zero, à la Citadelle Raspail, au Big Bost et à Olliergues Musique, avant d’être confié à Nicolas Esterle, au Studio de la Limite, pour le mixage et le mastering. Bongoville n’est donc pas une photographie instantanée : c’est une matière accumulée pendant trois ans, ensuite compressée jusqu’à devenir projectile.

Chez OD Bongo, la basse n’accompagne pas le morceau ; elle redessine la pièce autour de l’auditeur.

Tracklist

Bongoville | 24 Avril 2026

• 1. bongoville - 05:16

• 2. crystallinoron - 04:50

• 3. pandora - 04:31

• 4. monsieur fils - 06:14

• 5. trident trust - 04:14

• 6. ocorian - 04:34

• 7. crystallinoron j version - 04:38

• 8. crystallinoron d version - 04:58

Six rues principales, deux passages secrets

Le vinyle et la version numérique déploient six morceaux : « bongoville », « crystallinoron », « pandora », « monsieur fils », « trident trust » et « ocorian ». Le CD ajoute deux embranchements réservés à ce format, « crystallinoron j version » et « crystallinoron d version ». Le choix est révélateur : plutôt que d’ajouter deux titres étrangers au noyau du disque, OD Bongo fait muter crystallinoron, comme si une même créature revenait sous deux nouvelles formes.

Le morceau-titre ouvre les portes de cette ville imaginaire en installant immédiatement sa grammaire : répétition, masse, torsion. Monsieur fils, le plus long morceau, étire davantage la dramaturgie, tandis que l’ensemble avance par à-coups, accélérations et effritements. La structure évoque parfois du stop-motion sonore : chaque mouvement semble discontinu, mais l’œil intérieur reconstitue une course parfaitement fluide.

A propos des deux architectes

Amédée De Murcia cultive depuis 2006 une trajectoire volontairement indisciplinée : IDM, synth-pop, techno break, noise, musiques expérimentales ou néoclassiques, compositions pour la danse et les arts visuels. Somaticae explore une électronique organique et instable ; Balladur détourne les codes new wave vers une pop oblique ; Zone Bleue imagine quant à lui un minimalisme synthétique presque enfantin. Les différentes facettes de son travail semblent partager le même goût pour les machines qui cessent d’obéir exactement à ce qu’on attend d’elles.

Édouard Ribouillault développe de son côté, sous le nom C_C, une science très personnelle de la distorto-bass et des dub breaks. Fondateur du label ThirdTypeTapes, impliqué dans DistoMobile et dans plusieurs collaborations, il appartient à cette famille de musiciens pour lesquels fabriquer, diffuser, sonoriser et soutenir les scènes indépendantes relèvent du même geste. Sa musique solo elle-même s’est nourrie de contraintes volontaires, notamment de l’utilisation intensive d’un sampler réduit à devenir une véritable fabrique de paysages difformes.

Tatiana Paris

Thalle

Tatiana Paris (g, voc, synth modulaire, objets, divers), Rachel Langlais (el org)

Label / Distribution : Carton

6 septembre

• Hélène Gant

Figure incontournable de la scène expérimentale française, la guitariste Tatiana Paris livre avec Thalle un deuxième album presque solo, dans la lignée de Gibbon. « Presque », car la claviériste Rachel Langlais vient lui prêter main-forte sur deux des neuf pistes du disque (Thalle 1 et Thalle 2), qui en forment le cœur battant.

Le thalle, qui donne son nom à l’album, désigne le corps végétatif non différencié de certains organismes immobiles. Comme les lecteurs de Citizen Jazz titulaires d’un doctorat en biologie se comptent probablement sur les doigts de la main gauche de Django Reinhardt, une petite clarification s’impose. Le thalle caractérise une forme végétale primitive (comme le lichen ou l’algue) dépourvue de racines, de tiges ou de feuilles. Sans organes spécialisés, chacune de ses cellules fait globalement la même chose : elle croît et elle se nourrit. C’est une vulgarisation extrême, mais elle permet de saisir l’idée. Heureusement, la transposition musicale qu’en opère Tatiana Paris se révèle plus subtile.
Armée de sa guitare, de sa voix et d’une multitude de bidouilles analogiques, elle nous immerge dans des abysses où le temps perd de sa réalité et de son inexorabilité. Dans cet environnement aquatique, dénué de toute menace, le merveilleux surgit au gré des courants. Sous l’eau, alors que nos mouvements se font lents et que notre champ de vision se réduit à la lucarne d’un masque de plongée, nous découvrons une flore d’une étonnante harmonie : organique, mouvante et sensible.
Avec Thalle, Tatiana Paris confirme qu’elle a choisi la voie d’une liberté totale par la résilience sonore. Elle nous prouve que la beauté réside aussi dans le hasard des juxtapositions, pour peu qu’on s’abandonne à leur écoute avec une oreille ingénue.

She’s Analog

No Longer, Not Yet

Stefano Calderano (g, perc), Luca Sguera (p, synth, perc), Giovanni Lacovella (dm, elec)

Label / Distribution : Carton

6 septembre

• Hélène Gant

Après un premier enregistrement paru en période COVID, What I Bring, What I Leave (ce que j’apporte, ce que je laisse), le trio italien She’s Analog revient avec un second album au titre tout aussi elliptique et antithétique : No Longer, Not Yet (plus maintenant, pas encore). Un intitulé en forme de programme philosophique pour un disque qui, précisément, refuse de lutter contre la réalité physique du temps qui passe.
Pour donner corps à cette réflexion sur l’instant, le trio (qui bouscule la tradition de l’instrumentarium réglementaire en remplaçant la contrebasse par la guitare) fait le choix fort de la continuité. Les six pistes de l’album sont pensées comme une suite ininterrompue, un flux tendu sans la moindre coupure où les morceaux glissent les uns dans les autres. Ici, la musique se déroule comme un fil inexorable, sans jamais regarder dans le rétroviseur. La structure se refuse aux répétitions ou aux rappels de motifs entendus plus tôt. Seule exception : quelques samples fantomatiques de voix d’enfants glissés de-ci, de-là. Mais leur nature ontologiquement nostalgique ne fait, finalement, que confirmer la règle.
C’est sur le dernier titre, long de 18 minutes, que l’esthétique de She’s Analog se déploie pleinement et rejoint irrésistiblement celle de The Necks. Une différence notable cependant : là où les Australiens n’hésitent pas à prendre la durée d’un disque complet pour développer une ambiance hypnotique et totalement improvisée, le trio italien préfère brouiller magnifiquement les pistes entre ce qui est écrit au préalable et ce qui est inventé dans l’instant.
L’osmose entre les trois musiciens est assez bluffante de bout en bout. Reste qu’à l’écoute de cette matière sonore en mouvement perpétuel, on se dit que l’écrin idéal de leur musique sera, à l’avenir, l’enregistrement live plutôt que le studio.

BPM – Bonnes Pulsations du Monde

Le retour de Masego, une journée aux Suds, à Arles, et le feu intérieur de Groundation

Publié le : 24/07/2026 - 17:10
Cette semaine dans votre selecta : un artiste afro-américain d'ascendance jamaïcaine qui mêle avec une élégance folle R&B, jazz et rap et fait de la vulnérabilité une force ; un festival de « musiques d'un monde en mouvement » où tsapiky malgache, chants kurdes et MPB se rencontrent. Et « l'histoire d'un live » du groupe de reggae-roots californien Groundation.
Avec la complicité, au festival Les Suds, à Arles…

De la chanteuse brésilienne Mari Froes, dont le premier album, Esquina do Sol, sort le 31 juillet ;

Du chanteur et multi-instrumentiste kurde Ali Doğan Gönültaş ;

De deux des cinq membres du groupe Bobo et Behaja : le saxophoniste français Maxime Bobo et le guitariste malgache Behaja.

Experimental artist Raphael Vanoli’s second solo album further expands the spectrum of solo electric guitar sounds.

Tout Bleu comme une orange

Guimauve 31 Août 2026

Peut-être avez-vous découvert Tout Bleu en ouverture des Young Gods cette année. Le projet de Simone Aubert est pourtant né il y a dix ans et a sorti en mars dernier un troisième album, You Are Tree, une invitation à la transe joyeuse et euphorique.

Tout bleu nous en fait voir de toutes les couleurs avec une musique organique, hybride et passionnante. Sans jamais céder au spectaculaire, You Are Tree installe une atmosphère hypnotique, presque physique. Tout Bleu ne cherche pas à nous faire danser : les genevois nous invitent plutôt à nous perdre dans les ramifications de leur morceau. Une forêt sonore où l’on s’égare avec plaisir, à condition de ne pas chercher le chemin du retour ou d’avoir semer des petits cailloux en route.

You Are Tree de Tout Bleu est disponible chez Zamzam Records (Vinyle et K7), Carton Records, La République des Granges et Modulor.

Show #1012, the 2026.09.01 edition of The New Edge, a two hour radio program airing Tue 2-4pm on WMBR 88.1FM Cambridge/Boston, MA, USA (and streaming live at http://wmbr.org).

The show also airs & streams on WOMR/WFMR 92.1FM/91.3FM Provincetown/Orleans, MA, USA (http://womr.org) Wednesday nights midnight-2am.

The New Edge is devoted to creative and innovative instrumental music.

Featured on Zaph Mann's "The Beat Goes On" https://inmemoryofjohnpeel.com/2026/08/01/the-beat-goes-on-2026-0731-078-podcast-playlist/ Doors by Tout Bleu @tout_bleu_music "You Are Tree" (Carton Records) @cartonrecords 2026 https://toutbleu.bandcamp.com/album/you-are-tree @larepubliquedesgranges

Battiti

Building A Nest
12 Ago 2026

Sleepclubbing 103

8 srpna, 2026

Radio 1 odvysílalo 103. díl pořadu Sleepclubbing.

Poslechnout si můžete záznam pořadu i Spotify playlist všech epizod.

 Příští Sleepclubbing se vysílá opět po 14 dnech.

Bepi Crespan Presents

CITR 101.9FM (Vancouver)'s 24 HOURS OF RADIO ART in a snack size format! Difficult music, harsh electronics, spoken word, cut-up/collage and general CRESPAN© weirdness. This morning's broadcast features ALEKSANDRA SŁYŽ | HAAi / ECHONOMIST | PORTION CONTROL | ORCA, ATTACK! | AVI ENGEL | BLOOM | J.WLSN / LIAM KEENAN | ONASANDER / RNGMNN | BENJAMIN FULWOOD | M.B. (MAURIZIO BIANCHI) | ANTONIO MURGA | SIMON CACHEUX | TRISTAN DA CUNHA | SYLVAIN CHAUVEAU | THESE LIMINAL DAYS | ANTOINE FERRIS, and AMP.

Utility Fog, 5th July 2026

Tonight it's time for weird hip-hop, dark d'n'b trance-pop, mutant dancehall, Indonesian experimental folk, experimental Yolŋu, experimental indie, post-classical pop, krautrock-pop, mashups, junglism of all sorts, minimal drum'n'bass, minimal dub, sound-art, sound-art, sound-art… You know… It's Utility Fog..

[…]

Borguefül – La jeune fille bleue [Carton Records/Pagans/Bandcamp]
French double bassist Mélanie Loisel released her debut album as Borguefül, Horst, in 2022 on Carton Records. Her follow-up, Vêtue, is again based around her double bass, enhanced with physical preparations, looping and processing, and forming a percussive base for her vocals. The first single begins with bowed notes and harmonics accompanying Loisel's voice, but by 2 minutes in you notice a low rumbling, a bass drone with digital detritus, which takes over and then stays under the short, otherwise a capella vocal phrases. It's beautifully unexpected.

FRANTX | IDUTYDU

Et si le bug n’était plus l’accident, mais notre habitat naturel ? Avec IDUTYDU, FRANTX transforme la saturation contemporaine en terrain de jeu : onze morceaux traversés de glitch-noise, de punk spectral, d’hyperpop cabossée et de reggaeton passé au broyeur numérique. Un premier album fluorescent, instable et profondément vivant, conçu pour celles et ceux qui continuent de danser pendant que le monde affiche un message d’erreur.

Une poupée numérique ouvre les yeux

Sur la pochette imaginée par Rafaela Mascaro, un visage synthétique occupe tout l’espace. Sa peau irisée semble moulée dans une matière située quelque part entre le plastique, le brouillard et l’écran tactile. Ses yeux rouges ne regardent pas vraiment : ils scannent. L’image évoque une idole virtuelle tout juste réveillée, encore incapable de savoir si elle appartient au monde humain ou à la dernière mise à jour d’un logiciel émotionnel.

Cette ambiguïté irrigue IDUTYDU, acronyme de “I didn’t understand that you didn’t understand”. Une phrase en boucle, presque un dialogue entre deux intelligences qui auraient perdu le mode d’emploi de la communication. Chez FRANTX, l’incompréhension ne provoque pourtant pas le silence : elle produit du rythme, du bruit, des voix déformées et de nouvelles formes de désir.

Une rave dadaïste organisée dans les paramètres avancés d’un cerveau surchauffé.

Hypervitesse et jambes désobéissantes

Basé à Paris, le quatuor réunit Fanny Meteier au tuba, à la voix et au synthétiseur-jouet, Andrea Giordano à la voix, aux électroniques et au mélodica, Pierre Pradier aux guitares et à la voix, et Marco Luparia à la batterie, aux électroniques et au chant.

Leur musique ne repose pas sur une addition disciplinée de compétences. Elle organise plutôt leur collision. Le tuba cesse d’être uniquement un instrument grave pour devenir poumon mutant, basse difforme ou animal métallique. Les guitares se froissent dans des amplifications hétérodoxes. La batterie déplace le sol sous les pieds tandis que les voix, soumises au vocoder et à l’Auto-Tune, semblent chercher une issue entre le cri punk et l’avatar hyperpop.

FRANTX revendique ce brouillage des individualités, cette construction et cette destruction mutuelles. Entre improvisation, chansons et paysages électriques, le groupe élabore un collage dadaïste où une chaîne TikTok pourrait rencontrer la musique concrète dans les toilettes d’une rave clandestine.

Tracklist

IDUTYDU | 22 Mai 2026

• 1. SORRY I'M FEELING EMOJI – 01:33

• 2. PINGU TRAUMA - 03:25

• 3. LTB - 05:38

• 4. ORGASMIC KITCHEN - 04:05

• 5. BARBIECUE - 03:28

• 6. ANSUM - 03:54

• 7. BARBIECODA - 02:58

• 8. BANANA PHONE BOI - 06:38

• 9. VITTORIA - 01:50

• 10. LIQUIFY - 03:39

• 11. FLY COMMUNICATION - 05:23

Onze fenêtres ouvertes dans le même cerveau

“SORRY I’M FEELING EMOJI” tient en une minute trente-trois : le temps nécessaire pour transformer une humeur en pictogramme, puis pour découvrir que le pictogramme souffre davantage que nous. “PINGU TRAUMA” poursuit cette enfance détraquée, comme si une mascotte télévisuelle avait été abandonnée dans un entrepôt industriel.

Avec “LTB”, les formes se dilatent. La musique ne file plus seulement à grande vitesse : elle commence à plier l’espace. “ORGASMIC KITCHEN”, produite par Andrea Giordano, porte déjà dans son titre une collision entre plaisir, domesticité et surcharge sensorielle. Ici, les appareils ménagers pourraient se rebeller et former un groupe de techno corporelle.

Le diptyque “BARBIECUE” / “BARBIECODA” introduit une poupée moins docile que celle des vitrines. Le plastique fond, le rose devient corrosif et l’identité manufacturée finit sur le gril. Entre les deux, “ANSUM” entretient l’impression d’un langage qui se fabriquerait en temps réel, par fragments, bégaiements et impulsions électriques.

Point culminant de cette dérive, “BANANA PHONE BOI” déploie plus de six minutes d’un humour aussi absurde qu’inquiétant. Le téléphone-banane n’est plus un jouet : c’est peut-être le dernier appareil encore capable de joindre quelqu’un. Après la courte suspension de “VITTORIA”, “LIQUIFY” dissout ce qu’il restait de solide. Enfin, “FLY COMMUNICATION” tente une ultime transmission aérienne : un message lancé depuis une zone où les mots sont déjà devenus des insectes lumineux.

IDUTYDU s’incarne sur un vinyle jaune électrique, comme si FRANTX avait pressé un éclair dans la cire. Sous son visage synthétique aux yeux incandescents, l’album promet une danse radioactive entre hyperpop, noise et bugs sentimentaux.

Le sommeil paradoxal d’une génération qui refuse à la fois de grandir et de s’endormir.

Le politique sous le maquillage fluorescent

Derrière son carnaval numérique, FRANTX pose une question sérieuse : comment exister comme musicien·ne dans un présent qui transforme chaque geste en contenu, chaque identité en profil et chaque révolte en tendance passagère ?

Le groupe ne répond pas par un manifeste figé. Il revendique des manières d’être non binaires, ambiguës, mobiles, jamais en attente. La politique de IDUTYDU se loge précisément là : dans le refus de choisir entre naïveté et cruauté, composition et improvisation, beauté pop et abrasion noise.

La photographie du groupe le suggère également. Les quatre visages, empilés et teintés de bleu, de rose ou de vert, forment moins un portrait collectif qu’un organisme à plusieurs consciences. Personne n’y occupe durablement le centre. Chacun devient momentanément le rêve, l’oreiller ou le trouble de l’autre.

FRANTX enchevêtre les corps comme il télescope les sons : quatre présences colorées, superposées, presque fondues dans une même vibration collective. Entre abandon, tension et étrangeté pop, ce portrait agit comme un manifeste visuel où les identités se brouillent, se répondent et deviennent déjà une forme de musique.

• ANECDOTE : Un grommelot qui réclame de l’amour

FRANTX écrit notamment en piémontais et décrit son expression comme un grommelot arrabbiato réclamant de l’amour à travers un vocoder. Cette image pourrait résumer tout l’album : une langue cabossée, furieuse, parfois presque incompréhensible, mais dont chaque distorsion formule une demande de contact.

A propos de FRANTX

Basé à Paris, FRANTX est un quatuor glitch-noise qui ne mélange pas les genres : il les précipite les uns contre les autres jusqu’à provoquer de nouvelles réactions chimiques. Entre fantômes noise-punk, mumble trap, hyperpop, improvisation électroacoustique et musique concrète, le groupe façonne un univers d’hyper-vitesse dans lequel la chanson se dérègle, les voix réclament de l’amour à travers un vocoder et les instruments oublient volontairement leur mode d’emploi.

Autour du tuba, de la voix et du toy synth de Fanny Meteier, des voix, effets et machines d’Andrea Giordano, des guitares acoustique et électrique de Pierre Pradier, ainsi que des percussions, objets et dispositifs électroniques de Marco Luparia, FRANTX développe une musique fondée sur l’interaction, la métamorphose et la friction. Techniques étendues, amplifications hétérodoxes et extensions électroniques transforment le quatuor en organisme instable : chacun construit, dérègle ou détruit ce que les autres viennent de mettre en place.

Cette turbulence possède aussi une dimension politique. FRANTX interroge les rôles assignés aux musicien·nes, performeur·euses et compositeur·rices, tout en revendiquant des manières d’être non binaires, ambiguës et toujours en mouvement. Sa musique ne cherche donc pas seulement à produire des formes nouvelles : elle imagine d’autres façons d’exister ensemble.

Quelque part entre une chaîne TikTok entrée en collision avec Pierre Schaeffer et un carnaval punk diffusé depuis un futur déjà endommagé, FRANTX compose une musique pour danseur·euses aux jambes étranges. Un art brut, ludique et inquiétant, où le bug cesse d’être un accident pour devenir une possibilité d’évasion.

Site de FRANTX

Bandcamp

Clip "Barbiecue"

Fiche signalétique

IDUTYDU est paru le 22 mai 2026, en numérique et en vinyle, dans le cadre d’une coproduction entre Carton Records et Standard In-Fi. L’album a été produit et mixé principalement par Marco Luparia, avec Andrea Giordano à la production de “ORGASMIC KITCHEN”, puis masterisé par Nick Foglia.

Cru, naïf, cruel et intensément vivant, ce disque ne soigne pas les bugs de notre époque. Il les rassemble sur la piste de danse, augmente le volume et attend qu’ils développent enfin leur propre langage.

― Carton Records — Fondé officiellement en 2011, Carton Rds célèbre quinze ans d’aventures sonores et près de 80 parutions. Structuré autour des séries croix-croix (XX), bâton (///) et rond (Ø), le label défend des musiques libres, exigeantes, parfois abrasives, parfois dansantes ou hypnotiques. Avec IDUTYDU, coproduit avec Standard In-Fi, Carton confirme son goût pour les œuvres qui déplacent les formes, relient les artistes et ouvrent les oreilles autant que les esprits.

Au verso d’IDUTYDU, FRANTX troque le visage numérique pour un portrait en noir et blanc, comme l’envers humain d’un rêve sous Auto-Tune. Entre sobriété graphique et vinyle jaune acide, le disque révèle sa véritable mécanique : quatre corps réels derrière une musique totalement mutante.

Société Étrange
Heat
Les Disques Bongo Joe / Carton / Standard In-Fi

Société Étrange, the electronics-bass-drums trio of Antoine Bellini, Romain Hervault and Jonathan Grandcollot, are very much an‘always different, always the same’ kind of group; the aim is evolution rather than revolution. That makes it harder to put your finger on what’s changed, but Heat – their third album – does feel different to its predecessor, 2022’s Chance. The latter felt a bit more urban, as though it was slinking through city streets at night, while this one is more isolated, distant, like it’s sealed in a capsule floating through space. If there is ‘heat’ here, it’s not about sweat or sudden explosions. It’s more in the warmth that starts to wash over you as the strict, circular rhythmic patterns, bobbing basslines, dubby effects and stark, Aphex Twin-like melodies proceed in their dance. They do also find a different gear on closer ‘Fifth’, a stately, steady trudge that’s like a Gary Numan instrumental track injected with Boards Of Canada wooziness. You could say it’s a slow burner. 

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