Le 6/9 du jeudi 18 décembre 2025
02:28:04
She’s Analog, No Longer, Not Yet (Carton Records/Torto Editions)
L’ipermodernità in perenne fibrillazione degli She’s Analog è un sogno glitch dove convergono droghe, visioni e istanze diverse: il torpore catatonico dello slow core e del post rock, le forme a un passo dal collasso di Storm & Stress, palazzi elettronici vista Tortoise e/o Radian, il free come postura e pronuncia, il glitch, l’ambient e tanto, tanto altro.
Una delle più stimolanti formazioni italiane, a cavallo tra pulsioni digitali, frammentazioni avant e un hyper rock aperto davvero a ogni stimolo.
In 2022 bracht Tatiana Paris met Gibbon haar eerste soloplaat uit. Het album bestond vooral uit sologitaar en tapes en leverde haar de nodige erkenning en daarmee ook tientallen concerten op.
Paris is nu terug met haar tweede plaat, wederom op het Franse label Carton Records. Ze maakt met thalle een plaat over willekeurigheid en correlatie. Hoe komen niet-gesynchroniseerde elementen samen om een harmonieus geheel te vormen? De albumtitel verwijst daarbij naar planten zonder wortels en bladeren, zoals bijvoorbeeld algen of mossen.
Weinig houvast dus, maar dat maakt van thalle geen los zand of nietszeggende vaagheid. Wél is het weer een uitdagende, experimentele plaat. De eerste zeven, acht minuten worden intrigerend gevuld met schijnbaar losse geluidjes, kleine noise en indringende drone.
Modulaire synths, orgel, objecten, radio, tapes, bewerkte gitaar en stem zijn de elementen die thalle vormen. Op hibbon horen we een zwaar (door auto-tune) bewerkt koor en intense, geladen, fuzzy noise. De titel van de track verwijst naar het afsterven van organen en de tonen die zich manifesteren na het verdwijnen van de ademhaling, een idee wat je ook kunt koppelen aan het uitzetten van machines. En dat is vooral wat hibbon uitstraalt.
pagaille laat machinale klanken horen die toch iets organisch en warms houden. Een fris soort minimalisme dat – inderdaad – willekeur tot een vreemdsoortige harmonie weet om te vormen. Dat geldt ook voor grand duc dat ‘zeurt’ als een insect maar dat ook een kalme progressie, voortgang laat horen. Ook hier komen kleine autonome entiteiten samen om tot een min of meer coherent klankenlandschap, muziekstuk te komen.
Op canine zingt Paris een liefdevolle tekst die ze ooit kreeg van haar geliefde. Het stuk is daarmee een stuk concreter en tastbaarder. IJle jazzgitaar en Paris’ dito voordracht zijn de enige elementen in dit ruimtelijke, open stuk. De twee titelstukken – bewust op iedere plaatkant één – bestaan vooral uit orgel drone, van de hand van Rachel Langlais. Tatiana Paris deinst er niet voor terug om hier ruim de tijd voor te nemen, maar beide tracks weten zonder meer te prikkelen.
De muziek van Tatiana Paris laat zich niet gemakkelijk omschrijven. ‘It moves between noisy chanson and spectral minimalism’, werd wel gezegd. Daar zit wat in. Op thalle kun je vele termen loslaten, vooral omdat de muziek het machinale combineert met het organische, het serene met het verstorende. Het beste is om het album gewoon te ondergaan. De kans is groot dat het een bijzondere, mindful ervaring oplevert. Muziek als dit laat heel veel ruimte voor interpretaties, associaties en een prikkelende onduidelijkheid.
Deux ans après un duo au côté de Philippe Foch, l’électronicien Simon Henocq revient cette fois-ci en solo. Solitaire certes, mais habité, il continue son exploration du son à partir d’un matériau brut fait d’une multitude de bruits blancs aux éclats industriels. On est en effet ici dans la matrice de l’électronique où rien n’est foncièrement aimable ni même sensuel, sorte de dérèglement primitif qui agace l’oreille autant qu’il la captive.
Avec un savoir-faire notable, Henocq en effet joue des superpositions de trames. Il les empile, les fait glisser ou se contorsionner les unes sur/sous les autres avec le souci de construire d’une autre manière un narratif dégagé des codes conventionnels. Ici, le débord est la règle, et de cette outrance naît une tension crue qui jaillit dans l’instabilité du moment où l’oreille cherche à trouver des repères qui s’effondrent irrémédiablement.
L’acceptation de cet univers âpre et en mouvement permanent est la condition première pour apprécier cette musique qui se livre. Nous plongeant dans un monde froid mais généreux dans ses excès, elle donne à entendre une proposition inouïe (dans le sens premier du terme, même s’il est vrai qu’on pense à la musique de Merzbow), en tous les cas personnelle et, par bien des côtés, captivante.
di Peppe Trotta
Un ulteriore grado di libertà, di ‘accidente’ voluto, entra a fare parte dell’immaginario sonico di Tatiana Paris per dare forma al suo secondo lavoro solista. Thalle riparte dalle intuizioni dell’esordio del 2022 – sempre per Carton Records – espandendole nel lessico e nella sovrastruttura concettuale, sconfinando in un susseguirsi cangiante di singole entità risonanti incastrate in un flusso privo di soluzioni di continuità.
La sperimentazione pura sulle potenzialità delle corde della chitarra sottoposte all’azione di tecniche estese rimane presente senza più essere centro delle composizioni. Il contributo degli agenti esterni – nastri, echi ambientali, inserti elettronici – si fa più corposo, ma è soprattutto la presenza dell’organo a caratterizzare l’insieme. I suoi suoni sostenuti permeano ciascun paesaggio, pensato e sviluppato come compresenza di elementi eterogenei da organizzare per funzionare.
Al ribollire tattile dell’elettroacustica inaugurale corrisponde la diluizione drone ambient della prima sezione della title track, così come allo stridore avant della frastagliata Pagaille fa eco la forma canzone elegante di Canine. Ogni tassello, isolato, risuona a se stante, scollegato dal tutto per forma e atmosfera. Eppure l’autrice sa ricavarne una trama coerente in cui leggerezza melodica (Avril), rigore esecutivo (Thalle), decostruzione (Grand duc) e sperimentazione (Salluit) convivono generando un caleidoscopio abbagliante.
Con ''Thalle'', uscito per Carton records, Tatiana Paris firma un’opera che sfugge alle classificazioni semplici.
Il titolo, che richiama il “tallo” – organismo privo di radici e foglie, come licheni e alghe – è già una dichiarazione poetica: una musica che cresce senza appoggiarsi a strutture convenzionali, ma che si sviluppa in modo organico e coerente.
L’album si apre con ''Intro'', un invito sommesso che prepara il terreno a un viaggio sonoro fatto di contrasti e delicatezze. Le due tracce omonime, ''t h a l l e l'' e ''t h a l l e ll'', sono lunghe distese di drone agli organi, suonate da Rachel Langlais, che instaurano un tempo dilatato, quasi liturgico.
Tra queste isole sonore si insinuano miniature intime: ''Pagaille'' tintinna e si frantuma, ''Canine'' brilla di purezza cristallina, mentre ''Grand Duc'' si muove come un metronomo scomposto, sospeso tra chitarra preparata e timbri ibridi.
Tatiana Paris lavora con un arsenale eterogeneo – chitarra preparata, voce, piezo, radio, synth modulare, oggetti – ma il risultato non è mai gratuito. Ogni suono sembra cercare la sua collocazione in un ecosistema fragile, dove il caos trova ordine attraverso micro-correlazioni.
È insomma, la sua, una musica che non punta all’originalità forzata, ma alla sincerità: un minimalismo caldo, epidermico, che trasmette prossimità e ascolto profondo.
Se il precedente ''Gibbon'' (2022) mostrava già la sua inclinazione sperimentale, ''Thalle'' la conferma e la amplifica: un disco esigente, ma capace di regalare momenti di pura contemplazione.
Non è solo un album, è un organismo vivo, che respira lentamente e invita a rallentare il proprio ritmo per percepire altre temporalità.
In sintesi: ''Thalle'' è un’opera che intreccia drone, improvvisazione e poesia sonora in un continuum meditativo. Un disco che non cerca di piacere a tutti, ma che conquista chi è disposto a lasciarsi avvolgere dalla sua discreta radicalità. (Andrea Rossi)
by Patrick Bruneel
Het woord Thalle (Frans) kan in het Nederlands (en Engels) worden vertaald als Thallus, en dat betekent dan zoiets als een aanduiding voor de bouw van organismen die er plantaardig uitzien, maar niet én wortels en stengels en bladeren bezitten. Algen, schimmels en korstmossen zijn onder meer lid van deze familie. Voor Tatiana Paris gaat thalle over willekeur en samenhang (correlatie) of hoe komen dingen die niet synchroon met elkaar zijn toch tot een harmonieus geheel. Het zijn vormen die zich discreet ontwikkelen en toch een grote invloed hebben, op de zee (algen) of op het oppervlak van een boom.
Tatiana Paris houdt ervan om het chaotische, het ongeordende, te organiseren, te synchroniseren, tot het zin krijgt en dat doet ze niet alleen door waarnemingen in de natuur maar ook met haar muziek.
In 2022 debuteerde ze met het album Gibbon en na een hele rist concerten besloot ze om Thalle maken. Geprepareerde gitaar, stem modulaire synthesizers, cassetterecorder, radio’s, objecten en op het in tweeën gedeelde titelnummer ook orgel, dat wordt bespeeld door Rachel Langlais.
Net als de willekeur van de thalle, waarover Paris het heeft, en de onvoorspelbaarheid van het uiteindelijke resultaat, is het album – negen stukken staan erop – geworden.
Drones, stukken met poëtische teksten (van de hand van Pierrick Pagé, Joséphine Bacon en Marie Andrée Gill), gitaargefriemel dat zo op een plaat van Fred Frith zou kunnen staan, jazzy melancholisch aandoende fragmenten, het is een beetje van alles wat en toch klinkt het als een samenhangend geheel.
Het album is dan wel nogal experimenteel, toch straalt het een bepaalde warmte uit, een soort liefde voor het kleine, het verrassende, het moeilijk te vatten bestaan van nietige zaken die toch een grote impact kunnen hebben. De Française weet ons daardoor prima te boeien, ook omdat ze veel facetten van haar inzichten tegelijk aan bod laat komen. De muziek is al even ongrijpbaar als het onderwerp en dat is best wel fijn.
Tatiana Paris, som er vokst opp i en nomadisk barndom, og er gitarist og bassist. Hun komponerer, improviserer og fremfører musikk som «taler til hjertet, rytmen og spekteret med intensitet og appetitt», som det står om henne på internettet. Hennes senere karriere, som har vært fylt opp av «institusjonelle erfaringer», har sett henne møte og eksperimentere med et bredt spekter av estetikk: improvisert musikk, argentinsk tango, pop, jazz, afrikansk musikk med mere. Denne rikdommen har gitt opphavet til hennes rå, poetiske stil, slik man hører på debutalbumet Gibon, hvor hun opptrer solo med preparerte gitarer, objekter og kassetter, og som ble utgitt på Carton Records i desember 2022.
Hennes nylige samarbeid har inkludert band og prosjekter som blant annet The Bridge, Seb Martel, Christine Salem, Eve Risser’s Red Desert Orchestra, Thomas de Pourquery, Théo Ceccaldi, Simone, Sandra Nkaké og mange flere.
På sin nye utgivelse, thalle, samarbeider hun med organisten Rachel Langlais på to låter, mens hun selv trakterer gitar, vokal, radioer, kassettspillere, modular synthesizere og objekter, og vi får ni «strekk», hvor hun, i presseskrivet, sammenliignes med blant andre gitaristen Fred Frith.
Det er relativt eksperimentell musikk vii får møte på platen, hvor åpningen «intro», nesten kan spores til noe trompeteren Arve Henriksen kunne vært involvert i. For det kan nesten høres ut som det er en trompet som åpner i et lyrisk landskap, før vi får «t h a l l e I» hvor orgelet kommer inn og styrer med lange toner. Og herfra og ut er det behagelig, drone-lignende affære vi får være med på.
Hele vegen vokser musikken på en fin måte. Hun kommer inn med litt «manipulert» vokal, som sammen med de andre instrumentene skaper en spennende reise i et musikalsk landskap som (nesten) kan sammenlignes med noe Jon Hassell, eller flere av hans «arvtagere» kunne ha gjort.
Det er spennende musikk hun bringer til torgs. Det er eksperimentelt, interessant og jeg har en formening om at hun har brukt god tid i studio for å sette sammen disse solostykkene. Tekstene er hentet fra forfattere som Pierrick Pagé, Joséphine Bacon og Marie Andrée Gill, og i de sekvensene hvor vokalen står i forgrunnen, minner hun om noe av det vi fikk av musikk på slutten av 1980 og begynnelsen på 1990-tallet på det belgiske selskapet Les Disques du Crépuscule.
En variert, spennende og interessant utgivelse fra ei dame som har mye nytt å melde på sin andre soloutgivelse.
Jan Granlie
🎶🇲🇬 Bobo & Behaja est un groupe franco-malgache né de la rencontre entre le saxophoniste Maxime Bobo et le guitariste Behaja, figure du tsapiky de Madagascar. Leur musique fusionne les rythmes festifs et hypnotiques des «bals-poussière» malgaches avec le souffle du jazz et des sonorités rock contemporaines. Ensemble, ils créent une expérience à la fois enracinée dans la tradition et résolument moderne, portée par une énergie de transe et d’improvisation.
In a candid conversation, British experimental artist Aja Ireland reveals the behind-the-scenes story of her album Cryptid. Released at the end of January 2025, the album is a deeply personal project born out of her struggles with grief, burnout, and the pressures of independent artistry. Ireland draws on sonic extremes—noise, experimental bass—to capture the emotional tension between numbness and catharsis. A key inspiration was Joey Holder’s Cryptid exhibition, whose themes of mutation and adaptation translated into a musical exploration of form.
The artist highlights the importance of interdisciplinarity: her collaborations with designer LU LA LOOP and poet Leomi Sadler resulted in a fusion of fashion, performance, and hyperpop production. The conversation also touches on her social engagement—creating a sanctuary for the queer community and advocating for women’s and LGBTQIA+ rights. Cryptid is not just an album but a manifesto of vulnerability, hinting at future projects: a tour and an EP that continue her raw, transgressive artistic language.
Artur Mieczkowski: First of all, congratulations on your wonderful album, Cryptid, released at the end of January 2025. I’m truly impressed by it. What were the main inspirations behind this project?
Aja Ireland: At its core, Cryptid is an album about survival—both in a personal and creative sense. It came together during a time when I was processing grief, burnout, and the relentless grind of being an independent artist. I wasn’t making music with the intention of sharing it; I was making the sounds I wanted to hear, the ones that would pull me out of a deep fog. That gave me the freedom to push further into noise, distortion, and textured bass, letting the rawness of those elements reflect the intensity of what I was experiencing.
A huge turning point for the album was Joey Holder’s Cryptid exhibition. Her work explores ideas of mutation, resilience, and the unknown—things I was feeling deeply at the time. The themes in her art made me think about how we adapt to our environments, how we shapeshift to survive. That translated directly into the music, where I was experimenting with form, genre, and sound design in a way that felt instinctive rather than calculated.
I’ve always been drawn to the extremes of sound—noise, experimental bass, and future trap—and artists like Arca, SOPHIE, and Ice Spice are major influences. When I’m producing, I tend to latch onto certain tracks as “anchors” that I return to, almost like a sonic reference point, but my actual process is completely subconscious. I enter a kind of flow state where I forget to eat, I don’t need much sleep, and I feel like I’m living inside the tracks. Then, when I step away, I can’t always recall exactly how I made them. It’s like the music is pulling itself together through me rather than me consciously controlling it.
Ultimately, Cryptid is an album that sits in the space between emotional detachment and deep, raw feeling. It captures the numbness of burnout but also the moments of joy that remind you why you keep going. It’s about survival, but also about connection and transformation—about letting yourself change, and evolve into something new.
Dazu passen bestens die elektroakustischen Schichten, durch die sich die Französin TATIANA PARIS auf "t h a l l e"(Carton) gräbt, denn auch hier spielen die Möglichkeiten der (bearbeiteten) menschlichen Stimme im Verhältnis zu elektronisch oder mit einer präparierten Gitarre erzeugten Klängen die Hauptrolle. Minimalistisch, bei "t h a l l e I" meditativ drone-nd, manchmal auch lärmend, immer aber hoch konzentriert.
C’est après un premier album solo, paru sur Carton Records en décembre 2022 et suivi de plus de 40 concerts, que Tatiana Paris l’expérimentatrice, plurielle (résumer son parcours exigerait un second article), offre, le mot est choisi, ce thalle dont le nom évoque un végétal sans racines, ni feuilles : des lichens, des algues. L’ enfance nomade de Tatiana influence de manière sûre le rendu, minimal, bruitiste comme intime, prenant dès ce intro aquatique, exotique ou pas loin, fragilement cuivré et donc les voix flottent. Superbe. t h a l l e l, ensuite, développe un drone de clarté diaphane. Serein, proche de l’immuable. hibbon, éthéré, étend une chape grisée aux excès tout en bruits inédits. Le climat, la variabilité de l’effort le subliment. pagaille, où l’inventivité sonore se met à nouveau en exergue, tintinnabule et se craquèle. canine, à la pureté d’eau de roche, cristallin, greffe voix douce et jeu subtil.
avril, en ce mois de novembre, sème un ombrage automnal. Et là aussi, une fois de plus, immersif si l’on s’y penche. Les ruptures, à peine décelables, donnent du relief. t h a l l e ll, obscur, s’étire sans mue réelle. De ce fait l’atmosphère s’implante, capturant l’auditoire. grand duc, de ses belles sonorités un tantinet fissurées, libres et voyageuses, maintient celui-ci dans une écoute quasiment méditative, livré à l’errance porteuse de ce t h a l l e. salluit, ultime phase aux tons narratifs saisissants, émaillée de notes en fatras grinçant, venant clore un disque exigeant et passionnant.
Issu du numéro 8 de novembre 2025.
enjoy the silence
Tatiana Paris sort un très beau disque de sérénité contrariée, intitulé t h a l l e.
Par Guillaume Malvoisin.
Guitares de travers, et dérapages contrôlés, c’est marrant, l’écho des durées dans une vie. Je planchais, pour ce même numéro, sur la review d’un très chic livre consacré à l’album Doolittle, masterclass des Pixies avec laquelle je révisais mon bac en 92, quand une autre masterclasse de guitare ébréchée m’est tombée sur l’oreille, t h a l l e. Plutôt perturbant, d’abord d’écouter ce très bel album, avec au tympan le souvenir indélébile des saillies électriques des petits gars de Boston. Mais pas si incongru, à bien y réfléchir. t h a l l e se balade loin, très loin de l’âpreté de Doolittle, mais tout en proximité si on cherche l’élan intérieur de ce disque dense et amical. Soit un dilemme-protocole inexpugnable et valable pour tout deuxième disque : grandir ou se répéter. Tatiana Paris semble, elle, avoir définitivement choisi. L’ouverture et la déraison jalonnent le successeur de Gibbon, paru en 2022, déjà sur le label lyonnais Carton records. Ouverture ? L’orgue et la douceur viennent contrecarrer les plans guitaristiques, devenus moins abrupts. La déraison ? Il s’agit, une fois encore, de forer le silence. De l’aveu-même de la voix de la musicienne à l’ouvrage sur Salluit, ultime plage de t h a l l e: '“parle-moi sans mot, j’aurais un silence à t’offrir”. Du silence, il s’agit quand même de cela dans les 39 minutes de musique que contient ce disque. Des premiers sons, ténus et redoutables, d’Intro, réactivant inopinément des souvenirs d’écoute du Sakuteiki d’Arve Henriksen, jusqu’au tout dernier grincement de guitare pixelisée. Le silence, est là. Tapi comme est tapi en bord de mer le lichen, une des inspirations du titre. Le lichen, les algues et leurs dess(e)ins de ramification, pourraient signer la musique radieuse de t h a l l e. Des airs de fête bancale de Pagaille à la syncope faussement inquiète de Canine, de l’orgue-guitare métronome, métisse et délayé de Grand Duc aux textes impeccables et sibyllins, tout se répond à la discrétion. Et s’unifie doucement, après écoute, dans un format proche de la chanson. Souvent sans paroles, jamais sans récit. Après tout, on comprendra aisément que, depuis quelques morceaux brâmés par Hohnny, la chanson aurait parfois gagné à se passer de paroles. Et de s’offrir des silences.
L’artista francese, dopo il debutto dal titolo Gibbon del 2022, sempre su carton records, torna con un lavoro delicato e minimale, in cui la chitarra effettata, l’organo, gli innesti sintetici spesso in odore di ambient & gli inserimenti vocali suggestivi e discreti, disegnano paesaggi interiori pieni di sfumature, come cieli crepuscolari densi di nuvole. Le influenze dichiarate sono Fred Frith, Ellen Arkbro e Jules Reidy, dunque folk, avant-prog, ma anche drone-music. In apertura sembra di sentire echi à la Brian Eno, dopo un po’ fa capolino anche Cage: thalle è un disco ambizioso e suadente ALLA RICERCA DELL’INSIEME ARMONICO.
Questo potrebbe essere il disco più "difficile" di questa rassegna; di sicuro è quello più coraggioso e meno allineato, e in verità un ascolto obbligato per chiunque ami sonorità originali e di ricerca. Il terzetto romano dei She’s Analog, che debuttarono nel 2020, spinge la propria ricerca su territori che superano nettamente i confini di una formazione con chitarra, tastiere e batteria; qui si usano field recordings, elettronica glitch e altre sonorità inusuali.
L’esito è un amalgama di post rock, ambient jazz e dubstep futurista che fa pensare a un incrocio impossibile tra Necks, Burial e Global Communication, e che si esprime al meglio su pezzi dilatati a oltranza come “blu”, 18 minuti a occupare un’intera faccia del vinile, come accadeva nei dischi di prog anni Settanta; ma qui non c’è traccia di ridondanze o virtuosismi fini a se stessi, solo musica totalmente libera e fuori da ogni categoria.
Sébastien Brun e Simon Henocq li avevamo conosciuti un paio di anni fa con il loro progetto Parquet, ed il sentirli in questo Vallées, seppur sotto spoglie piuttosto diverse, rinforza l’idea che mi ero fatto delle loro capacità allora. Fidandoci della cartella stampa dovremmo trovarci di fronte ad un duetto fra chitarra e batteria, anche se il suono viene pesantemente destrutturato e rivisto, tanto da far sembrare ci sia una pressa completa ad estrudere tanta fantasiosa ritmica. Motorik sound sferzato con l’acido in Shore, disturbi ambientali in Falaises, Sebastien e Simon non smettono di stupirci riducendo la loro azione quasi a comprimere il loro agito, che ne esce irresistibile da una forgia mica da poco. Non c’è tregua, né struttura, solo momenti sonori che si susseguono in un percorso disturbato da balbuzie e cambi di ritmo che non fanno prigionieri, rendendoci all’erta e reattivi su ogni capovolgimento di fronte. Se la title track potrebbe lontanamente ricordare un dub da Alpha Centauri, con le successive Harbour e Bloc le cose si complicano ulteriormente, lasciando che la chitarra corra scapestrata come della no-wave tenuta a bada dal ritmico andare della batteria. Il suono avanza a sputi e scricchiolii, prima di distendersi solo per un secondo, interrotto da disturbi promossi dal duo. Lighthouse si fa tetra e minacciosa mentre Whisper è la definitiva chiusura di un cerchio robotico, storto e rugginoso, perfetto per scavare e trivellare orecchie e corpi con un suono smodato e potente.
Insomma, per chi ha amato il gruppo madre di certo un acquisto dovuto, per chi invece non ci si è innamorato si ricreda, la materia qui è ancora più a fuoco.
Simon Henocq e Seb Brun, due figure di riferimento della scena sperimentale francese, pubblicano Vallées, un disco che non è decisamente per tutti, ma interessante per chi è alla ricerca di suoni sperimentali contemporanei, in modo da costruirsi nuovi (s)punti interpretativi sulla musica non commerciale. Filosofico, sincopato, distorto e intrigante.
Esperti del suono e produttori engagé, dediti a sviluppare progetti innovativi, Simon Henocq e Seb Brun sono due figure di riferimento della scena sperimentale francese. Il primo è impegnato con il collettivo parigino Coax, il secondo invece con la casa discografica Carton Records, fondata nel 2009. Insieme formano un tandem audace, che, anche adottando un approccio radicale, si diletta a sperimentare nel ramo dell'elettronica, della noise e dell'ambient. Testimonianza ne è l’album Vallées, uscito da poco, appunto, per la Carton records. Nel lavoro, che è ricco di stimoli, la fanno da padrona i suoni sintetici e campionati, reminiscenti degli Autechre e di certi pezzi di Aphex Twin.
Il disco contiene dodici tracce, che, è bene precisare, non sono alla portata di tutti: "Coil", la metallica "Trim", "Shore", "Falaises", l’ambigua "Vers / Quiet", "Éléments", l’omonima "Vallées", "Harbour", "Bloc", "Fissure", l’atmosferica "Lighthouse", e, per finire, "Whisper". Alla loro base c’è un percorso creativo articolato. Utilizzando batteria e chitarra in una versione profondamente rielaborata, i due musicisti transalpini sono riusciti a creare uno stile sonoro grezzo eppure avvolgente, in cui la forma del suono è compatta, a tratti quasi callosa. Nei singoli pezzi affiorano suoni ipnotici, ritmi (post)industriali, molteplici interazioni in tempo reale e onde sonore volutamente distorte. Persino le pause ed i silenzi sono degli elementi per nulla casuali, con delle funzioni proprie.
Meno orientato alle atmosfere da ballo rispetto ai precedenti lavori e progetti quali Parquet, in questo nuovo disco il duo d’oltralpe si cimenta con suoni aspri, chiaramente astratti e leggermente oscuri, senza però mai abbandonare la tipica plasticità del ritmo del suono con le sue innumerevoli sfaccettature. Con l’intenzione di decostruire le convenzioni musicali caratteristiche delle scene ben più pop, Henocq e Brun si sono dimostrati abili nello sviluppare dei brani in cui si rende giustizia all’elemento dello spazio (non sempre adeguatamente considerato dagli artisti contemporanei). In più, le tracce sono pregne di tensione, favorendo in questo modo una concezione della musica elettronica che strizza l'occhio all’avanguardia.
Vallées è un’opera che può essere interpretata attraverso una chiave di lettura filosofica. Da un lato, la musica in essa contenuta è molto fisica, sulla scia dell’iter tracciato da Simon Henocq negli ultimi lavori da solista. Dall’altro lato, le scelte del duo francese si allontanano sempre più dal convenzionale mondo dance e della techno, per abbracciare in maniera piuttosto convinta ritmi sincopati, filtrati elettronicamente e rimodellati con l’utilizzo delle distorsioni, finendo per ottenere un risultato apprezzabile. Le atmosfere che ci accompagnano nell’ascolto posso finire per essere fredde (mai glaciali), a tratti dolorose, in alcuni passaggi un po’ contorte, eppure, nel complesso, rimangono intriganti e degne di ascolto.
Come detto, Vallées non è affatto un disco per tutti. Anzi, è lecito ritenere che si tratti di un album di nicchia su cui, anche per detta ragione, non è facile rilasciare giudizi. A chi nella musica cerca uno svago senza troppi pensieri, questo album finirebbe per fornire gli stimoli sbagliati, rischiando di risultare insignificante o persino inaccessibile. Viceversa, i singoli brani possono risultare d’interesse per chi è alla ricerca di suoni sperimentali contemporanei, in modo da costruirsi nuovi (s)punti interpretativi sulla musica non commerciale, e delle alternative di qualità, per provare a distanziarsi dai suoni orecchiabili e ormai prevedibili dei Daft Punk & co. Intendiamoci, è un esperimento ardito, in buona parte riuscito, ma siamo ancora lontani dal capolavoro.
Tatiana Paris Unveils a Haunting Cover of ‘Wonderful Life’
In a world saturated with fleeting sounds, French artist Tatiana Paris offers a moment of beautiful, melancholic pause with her reinterpretation of Colin Vearncombe’s 1986 classic, “Wonderful Life.”
Filmed live at the Olivier Debré Contemporary Art Center (CCCOD), this performance is an excavation. Paris strips the song down to its skeletal form, weaving a new sound from the frayed threads of nostalgia.
With a guitar that sounds like a forgotten, well-loved cassette tape, she conjures a fuzzy, almost frozen soundscape, a world where melody and rhythm are surrendered to a more visceral core. Her vocals, a mix of quiet strength, find a perfect echo in the serene yet powerful art of Claire Chesnier’s exhibition. It’s a performance that feels less like a whispered secret, … very intimate and haunting experience captured in a single video.
This sublime performance serves as a prelude to something even bigger: Tatiana Paris’s upcoming album, ‘t h a l l e,’ set to drop on November 14 via Carton Records. The album’s title, a reference to the rootless, leaf-less forms of lichens and algae, hints at its core philosophy…exploration of randomness and correlation.
Paris describes ‘t h a l l e’ as an attempt to find harmony in chaos, a collection of “small autonomous entities” where the familiar structures of songs are re-imagined. She masterfully navigates a sound that drifts between “noisy chanson and spectral minimalism,” painting a picture of a fictional meeting between avant-garde guitar legends Fred Frith, Ellen Arkbro, and Jules Reidy.
‘t h a l l e’ is available for preorder now.
In questa sessione live girata al CCCOD (Centro d’Arte Contemporanea Olivier Debré), l’artista francese Tatiana Paris reinterpreta la canzone “Wonderful Life” (1986) come un nastro leggermente consumato della sua infanzia. Mantiene la nostalgia contenuta nella melodia originale al centro di un suono di chitarra confuso e congelato, spogliato della sua armonia e dei suoi riferimenti ritmici. La forza vulnerabile e controllata che emana dalla sua interpretazione risuona perfettamente con la mostra di Claire Chesnier.
– Tatiana Paris – chitarra, voce
– Colin Vearncombe – composizione
– Pierre Dine – tecnico del suono
– OVVO / Jean-Charles Lacour – video
– Julien Philips – montaggio video
Oltre a questa performance video autonoma, Tatiana Paris pubblicherà il suo nuovo album t h a l l e il 14 novembre tramite l’etichetta francese Carton Records. t h a l l e parla di casualità e correlazione. Si muove tra la chanson rumorosa e il minimalismo spettrale, come un incontro immaginario tra Fred Frith, Ellen Arkbro e Jules Reidy.
Riceviamo e pubblichiamo.
In questa sessione live girata al CCCOD (Centro d’Arte Contemporanea Olivier Debré), l’artista francese Tatiana Paris reinterpreta la canzone “Wonderful Life” (1986) come un nastro leggermente consumato della sua infanzia. Mantiene la nostalgia contenuta nella melodia originale al centro di un suono di chitarra confuso e congelato, spogliato della sua armonia e dei suoi riferimenti ritmici. La forza vulnerabile e controllata che emana dalla sua interpretazione risuona perfettamente con la mostra di Claire Chesnier.
– Tatiana Paris – chitarra, voce
– Colin Vearncombe – composizione
– Pierre Dine – tecnico del suono
– OVVO / Jean-Charles Lacour – video
– Julien Philips – montaggio video
Oltre a questa performance video autonoma, Tatiana Paris pubblicherà il suo nuovo album t h a l l e il 14 novembre tramite l’etichetta francese Carton Records. t h a l l e parla di casualità e correlazione. Si muove tra la chanson rumorosa e il minimalismo spettrale, come un incontro immaginario tra Fred Frith, Ellen Arkbro e Jules Reidy.