tangent mek | immutable traveler @ chain d.l.k (en)

By Vito Camarretta(@) - Apr 02 2026

There’s always a moment, when reading phrases like “recorded in a Benedictine Abbey” and “improvised without any material”, where you brace yourself for either transcendence or an hour of politely arranged fog. "Immutable Traveler" manages the irritating trick of being both elusive and oddly precise, like a memory you don’t trust but can’t quite dismiss.

Tangent Mek operate here as cartographers of absence. Their instrumentation - violin (Anouck Genthon), viola da gamba (Anna-Kaisa Meklin), and flutes/voice (Marina Tantanozi) - suggests something rooted in early music or folk traditions, but what emerges is closer to a slow dismantling of those expectations. The trio doesn’t quote the past; they let it echo faintly, as if heard through thick stone walls and unreliable recollection.

The Abbey of Sorèze is not just a setting here, it’s an accomplice. Two rooms - the “blue” and the “white” - act less like studios and more like resonant bodies, stretching tones into long, trembling threads. Sound doesn’t sit still; it seeps, lingers, mutates. You begin to suspect that what you’re hearing is less performance than negotiation: between air and wood, between intention and accident, between what is played and what the room decides to keep.

Improvisation is often sold as freedom, but "Immutable Traveler" treats it more like archaeology. These pieces feel excavated rather than invented. Fragments surface, are turned over, partially erased, then reassembled into something that resists narrative closure. The title track, drawing from Etel Adnan, carries this particularly well: a voice that is neither fully present nor entirely gone, suspended between declaration and disappearance. It doesn’t “sing” so much as haunt the idea of singing.

Elsewhere, tracks like “say it clear, say it loud” do the opposite of what they promise, dissolving clarity into grainy textures and hesitant gestures. “drizzle” and “in the air” feel like studies in near-absence, while “byzantine abolition” briefly thickens the atmosphere into something ritualistic, almost severe, before letting it dissipate again. Even the shortest piece, “virgule”, behaves like a comma in a language that refuses to form a sentence.

There’s a quiet stubbornness to this album. It refuses to perform for the listener, refuses to resolve its tensions, refuses even to fully declare what it is. And yet, it’s not hostile. If anything, it’s strangely generous in its restraint. It allows space - actual, acoustic, psychological space - for the listener to wander, to project, to get lost without the safety net of structure.

In a world where music is often engineered to grab, hook, and retain, "Immutable Traveler" does the opposite: it drifts, withdraws, and occasionally pretends you’re not even there. Which, irritatingly, makes you lean in closer.

What Tangent Mek ultimately propose is not a journey with a destination, but a condition of perpetual transit. Memory as landscape, sound as residue, identity as something that erodes and reforms in the act of being heard. An “immutable traveler”, it turns out, is not someone who stays the same, but someone who keeps moving through change without ever quite arriving.

reviewSeb Bruntangent mek, immutable traveler
tangent mek | immutable traveler @ nowhere street by peter margasak

Straddling Worlds With Tangent Mek

I’m incredibly excited to catch the Berlin debut of the Switzerland-based trio Tangent Mek on Sunday March 8 at KM28. I included their remarkable debut album Immutable Traveler when I collected my 40 favorite albums of 2025, and it’s maintained its hold upon me, piling up folk-flavored balladry, extended textural excursions, collective improvisation, and chamber music sonorities, not as distinct approaches but simply as evolving terrain as the moment calls for it. That disparate quality from French violinist Anouck Genthon, Greek flutist Marina Tantanozi, and Finnish viola de gamba player Anna-Kaisa Meklin shifts around so much it’s hard to be sure where the group’s center resides, but that’s hardly worth fretting over.

It’s delightful that an unabashedly beautiful vocal piece like the title track can be followed by the fiercely aerated drone, marbling breath and grain in a dynamic act of levitation “Say it clear, say it loud,” which you can check out below. Elsewhere there’s the stunning opening piece “Glass Harmonica,” where upper register flute and violin shapes float and collide over occasional strums and terse patters on viola de gamba suggest the eerie sound of the titular instrument, while the gradual accretion of fluttering, spitting, and cycling sounds in “Drizzle” conjures a cave-like atmosphere, thickening and intensifying as it unfolds. Tangent Mek’s tour is in support of Immutable Traveler’s reissue as a CD release from the French imprint Carton on March 6.

reviewSeb Bruntangent mek, immutable traveler
antoine ferris | shame's coming @ md eksperiment (ua)

Industrial Rap Meets Noise: Antoine Ferris Drops "Shame’s Coming" from Debut Album [KAAARST]

Sonic Defiance: Antoine Ferris Unveils "Shame’s Coming" featuring Natacha Kanga

French bassist and experimentalist Antoine Ferris strikes a bold opening chord with "Shame’s Coming," the lead single and video from his debut solo album, [KAAARST]. A collaboration with Berlin-based artist Natacha Kanga, the track is a "rabid" fusion of committed rap, industrial noise, and jagged electro, setting a defiant tone for the full album release on Carton Records this May.

The Bass as a Percussive Weapon

In "Shame’s Coming," Ferris transforms the bass guitar from a rhythmic anchor into a source of raw, unpredictable energy. His unconventional approach to the instrument defines the track’s identity: the strings are not just plucked but struck with fists or even played with a butter knife to extract percussive, glitchy timbres.

The track creates a tense, industrial landscape where:

  • Natacha Kanga’s fierce vocal delivery cuts through layers of noise.

  • Random rhythms generated by custom effects pedals collide with heavy bass feedback.

  • Elements of experimental hip-hop meet the abrasive aesthetics of artists like Mopcut or Lukas Koenig.

A Dialogue of Glitches and Melancholy

While "Shame’s Coming" leans into the "noise and rap" borders, the upcoming album [KAAARST] promises a broader dialogue between industrial chaos and a singular sense of melancholy. Based in the Toulouse experimental scene and known for his work with groups like Baraque à Free and Megacoaster, Ferris uses his solo debut to explore the intersection of acoustic improvisation and electronic sampling.

The accompanying video visually echoes this "glitch" philosophy, capturing the frantic energy of a performer who treats his instrument as an electronic signal source as much as a physical object.

reviewSeb Brunantoine ferris, kaaarst
bobo & behaja | aia haja? @ radio študent (si)

Celostnost glasbenih potez, ki brbotajo od nalezljivosti

Carton Records, 2026

 

Pestra ritmika in navidezno nenadzorovani melodični prijemi, ki v sebi nosijo dobršno mero spretnosti izvedbe, so nepogrešljive sestavine glasbe, ki na poslušalsko uho v nemalo primerih delujejo z unikatnim izkupičkom ob boku. »Oh, ta glasba me pa kar spravi v nek trans!« bi brez težav slišali tudi v kontekstu albuma kvinteta Bobo & Behaja z naslovom Aia Haja?, ki ga obravnavamo v tokratni Tolpi bumov. Toda pri obravnavi glasbe francosko-malgaške zasedbe je smotrneje uporabiti kakšne bolj podkrepljene pristope. Subjektivno dojemanje je resnična stvar, in širši množici, ki ni nujno ciljna, morda raje le številčnejša, omenjeni obljubljeni trans pridoda dovolj – dovolj, da se bo nekdo kljub nepoznavanju konteksta glasbe ali pa osnovnih vprašanj, ki jih ta odpira, vendarle odločil za nakup vstopnice za obisk koncerta. 

Glasba zasedbe Bobo & Behaja se napaja v tradiciji glasbene zvrsti tsapiky, izrazito plesnega žanra z jugozahodnega dela Madagaskarja, ki se nanaša na zvočnost obredov bal-poussière, v osnovi tradicionalno družbenih in obrednih dogodkov. Gre za večdnevna praznovanja na prostem, ki pogosto potekajo ob pomembnih življenjskih prelomnicah, kot so poroke in pogrebi, pa tudi razni lokalni festivali. Že zaradi korenin glasbe zasedbe bi na prvo žogo zlahka zapadli v diskurz konstrukcije avtentičnosti, fascinacije z Drugim ali pojava omenjenega transa in pretakanja takšnih in drugačnih notranjih občutij. Seveda ne smemo zanemariti individualne izkušnje poslušalke – ki si jo v kontekstu Boba & Behaje nedvomno deli kar dobršna mera slušateljev – toda njihova glasba v maniri, ki je stabilna, v prvi vrsti vredna obravnave in podkrepljena z ničkoliko vidiki, še vedno uspeva oziroma živi.

Francoski saksofonist Bobo Maxime, sicer član zasedbe Electric Vocuhila, ki jo večkrat zasledimo pod nalepko tropikalni jazz, je v preteklosti velikokrat obiskal Madagaskar, kjer se je spoznal z žanrom tsapiky. Skozi raziskovanje se je povezal z lokalno zasedbo Behaja, poimenovano po njenem kitaristu, in danes lahko z albumom Aia Haja? opazujemo, na kakšne načine je saksofonist Maxime skušal zaorati ledino na področju srečevanja tsapikyja s tradicijo rocka in jazza. To mu zelo dobro uspeva prav zaradi prisotnosti njegovega inštrumenta, ki na albumu neredko prevzame vlogo gonilca zvočnega toka. Kljub temu glasba izžareva kolektivnost, kakršnekoli težnje po performativni glasbeni praksi, ki bi jo narekoval izključno Maxime in imel zasedbo Bahaja samo malo za zraven, pa niso navzoče. S sodelovanjem v ustreznem pomenu te besede se tudi s poslušanjem zazna hommage zgodovinskemu kontekstu žanra tsapiky, kar je najverjetneje v prvi vrsti tudi smoter tega projekta. 

V posameznih skladbah ne zasledimo kompleksnih modulacij v druge tonalitetne nastavke. Slušna izkušnja vztraja v določeni natempirani in vedri špuri, toda to še zdaleč ne pomeni, da glasba zasedbe Bobo & Behaja ni kakovostno izvedena in zasnovana – ravno nasprotno: neposrednost utrdi njihov izraz, ki, ko ga podrobneje analiziramo, deluje sila natančno. Izstopajo bogati ritmični segmenti, ki bi jih s poglobitvijo vanje lahko razstavili na manjše odseke. Kitarist Behaja note ubira kot za stavo, se pri tem navidezno spontano in brez napora ujame s preostalimi člani zasedbe in njihovimi inštrumenti ter gradi skoraj neprekinjen zvočni tok kompozicij, ki se spajajo v celoto. 

Gibanje je nekaj, kar nam brž pride na misel in se nenazadnje neposredno manifestira tudi v naše dejansko fizično stanje, kar se bo, si upamo trditi, izrazilo tudi na koncertu, ki ga bo zasedba izvedla na letošnji, 42. ediciji festivala Druga godba 29. maja v Katedrali Kina Šiška. Gibanje zaznamuje potek glasbenih pasaž, s katerimi koketira vokalistka Ekaly. Z inštrumentalno sekcijo vzpostavi izrazito prožen dialog, podaja odgovore na zaigrane fraze in utrjuje že predstavljene glasbene motive, najbolj nazorno v skladbi Kabosy, katere izmenjevalni odsek glasu in kitare bi pravzaprav lahko trajal v nedogled. Tudi ko Ekaly ne slišimo, denimo v skladbi Rodobey, odmev njenega glasu na nek način ostaja prisoten. 

Na prvi posluh Bobo & Behaja vseskozi ostajajo v istih kolesnicah, toda te kolesnice so tako dobro uvožene, da se med poslušanjem začnemo preizpraševati o zmožnosti glasbe, da popolnoma zaobjame svojo zasnovo in v njej tudi celostno deluje. Analiza posameznih skladb z albuma tako niti ne bi bila prikladna. Smiselneje se je osredotočiti na celostnost glasbenih potez, ki brbotajo od nalezljivosti in album Aia Haja? opolnomočijo z neomajno atmosferično napetostjo.

reviewSeb Brunbobo & behaja, aia haja?
société étrange | heat @ loop musikzeitung (ch)
société étrange | heat @ loop musikzeitung (ch)

de:
Der zweite Track, «Place Saint Bruno», ist ein kleines Mirakel: Neun Minuten lang schlängeln sich Schlagzeug, Bass und Synthesizer durch ein Gewirr an Grooves und Sounds wie durch die malerische Altstadt Lyons in der Morgendämmerung. Vordergründig mag das gleichförmig klingen, doch dank subtiler, kaum wahrnehmbarer Variationen und Verschiebungen erzeugt «Place Saint Bruno» Spannung und beschwört Bilder wie ein gelungener Soundtrack. Société Étrange, das Trio aus Lyon, bleibt auf dem dritten Album «Heat» seinem Ansatz treu: repetitive, minimale Instrumentals, die ihre Wurzeln in der experimentellen Elektronika deutscher Formationen wie Cluster und Neu! haben, in den verhallten Räumen des Dub und den Wiederholungen der Minimal Music. Auf «Heat» macht das Trio einen Schritt vorwärts in Richtung Pop: Die Tracks klingen melodiöser, die Rhythmen sind verspielter, die Loops lichter und die Atmosphären kinematografischer. Interessant ist dabei die doppelte Rolle des Basses: Er verleiht den Tracks ihren Puls und schmückt sie gleichzeitig mit melodischen Elementen, während Schlagzeug und Drumcomputer fremdartige Beats zum Schwingen und Klöppeln bringen, derweil die Synthesizer die Soundgemälde mit warmem Zirpen und Zwitschern ö&nen und «Heat» zur auralen Delikatesse machen.

fr:
Le deuxième morceau, « Place Saint Bruno », est une petite merveille : pendant neuf minutes, batterie, basse et synthétiseur serpentent à travers un enchevêtrement de rythmes et de sonorités, comme dans la pittoresque vieille ville de Lyon à l'aube. À première vue, il pourrait sembler monotone, mais grâce à des variations et des changements subtils, à peine perceptibles, « Place Saint Bruno » crée une tension et évoque des images à la manière d'une bande originale réussie.

Société Étrange, le trio lyonnais, reste fidèle à son approche sur son troisième album, « Heat » : des instrumentaux minimalistes et répétitifs qui puisent leurs racines dans l'électro expérimentale de groupes allemands comme Cluster et Neu!, dans les espaces réverbérés du dub et dans les répétitions de la musique minimaliste.

Sur « Heat », le trio fait un pas de plus vers la pop : les morceaux sont plus mélodiques, les rythmes plus ludiques, les boucles plus légères et les ambiances plus cinématographiques. Il est intéressant de noter que la basse joue un double rôle : elle donne aux morceaux leur pulsation tout en les embellissant d’éléments mélodiques, tandis que la batterie et la boîte à rythmes font vibrer et cliqueter des rythmes étranges, tandis que les synthétiseurs ouvrent les paysages sonores avec des gazouillis et des pépiements chaleureux, faisant de « Heat » une délicatesse auditive.

reviewSeb Brunsociété étrange, heat
antoine ferris | [kaaarst] @ baraque à free (fr)

Kaaarst c’est une basse électrique aux sons rugueux, c’est du rock mais tout seul, des pédales d’effets qui font du bruit. Mais ce sont aussi des pieds qui tapent le sol pendant que les mains jouent, c’est un peu de pop qui arrive à se frayer un chemin malgré tout ce boucan. En résumé, ce sont de jolis accords avec du bruit autour, ou bien le contraire.

Antoine Ferris est un bassiste et contrebassiste originaire des Hautes-Pyrénées (France). Il débute la basse électrique en 2014 de manière autodidacte puis décide de se perfectionner en intégrant la Licence de musicologie jazz à l’Université du Mirail à Toulouse et le conservatoire jazz de Toulouse en 2016. Au cours de sa scolarité il découvre la contrebasse et évoluera dans différents styles musicaux (jazz, chanson, électro et hip hop). En 2019 il intègre le collectif de musiques improvisées Baraque à Free. Cette rencontre fut un déclic qui le poussa à monter son solo (Kaaarst) en 2022. Aujourd’hui Antoine se produit en solo ainsi que dans des formations comme le groupe de indie pop Totun ainsi que dans le groupe de rock occitan Feràmia.

Kaaarst est un solo de basse électrique et pédales d’effets qui existe depuis 2022. Ce sont des pièces d’improvisations de longueurs variables (entre 3 et 15 minutes) où se découvrent petit à petit les différentes influences esthétiques d’Antoine Ferris. Fortement influencé par la pop music, on est surpris de voir émerger des harmonies au travers des sons rocailleux et parfois noise de la basse électrique. Seul sur scène et sans système d’over dub (loop), les sons sont en constante évolution.

reviewSeb Brunantoine ferris
seb brun & simon henocq | vallées @ revue & corrigé (fr)
seb brun & simon henocq | vallées @ revue & corrigé (fr)

Mars 2026

Simon Hénocq m'avait laissé K.O. avec son précédent disque, le fantastique We Use Cookies, chroniqué dans les pages de votre revue préférée. Le voici de retour, cette fois-ci en duo avec Seb Brun, pour un disque acéré, asphyxiant, concassé et beau.
Oui, c'est possible. Seb Brun tient le rôle de batteur et d'électronicien, Simon Hénocq celui de guitariste et d'électronicien. Vallées est une traversée chaotique qui appelle à la transe bancale, tenue sur la longueur par des rythmes chahutés, rivalisant de contretemps et de déconstruction, où se mêlent basse menaçante et nappes instables. Les reliefs ne cessent d'évoluer, à une vitesse qui ne se dément pas jusqu'à la fin. Les faux départs se multiplient, les explosions réjouissantes nous éparpillent aux quatre coins de la pièce, sur un album à ranger dans un nouveau rayon : la noise groove. Pour entrevoir ce qui se répand sur ces Vallées, l'écoute intégrale de l'album est obliga-toire. En extraire un simple titre reviendrait à ne voir qu'une couleur chez Van Gogh. Le duo lorgne vers une forme d'abstract taillée dans la rouille ; les sonorités sont distordues, vachardes ; les motifs se délient, apparaissent, se bouclent quelques secondes, puis s'évaporent. Les quelques motifs de guitare nous projettent sur un dance-floor au parquet flottant avant de nous plonger dans l'obscurité. « Lighthouse » nous laisse croire à la lumière, mais nous traîne dans les décombres. La guitare apparaît plus clairement par endroits, mais elle est tellement malmenée, tellement lacérée, qu'elle ne devient qu'une part infime de cette lente et savoureuse déconstruction. Douze titres qui ne laissent pas le moindre répit, à quelques fenêtres de respiration près, vous emportent dans une transe chamanique et peuvent entraîner une danse désarticulée, comme un robot dont les circuits imprimés auraient fondu et qui perdrait le contrôle de ses mouvements. Genre Terminator en fin de vie qui tenterait le moonwalk pour nous faire croire que tout baigne. Oui, sous les sons désossés, crissant, à contresens, sous la patine du chaos et les étendues distordues, les vallées groovent méchamment.
Laurent NERZIC

reviewSeb Brunsbsh, vallées
tout bleu | you are tree @ le temps (ch)

Les Genevois de Tout Bleu réconcilient les contraires en musique

Le projet de Simone Aubert publie ce jeudi un troisième album, «You Are Tree». Un magnifique exemple d’expérimentation heureuse, verni le soir même au Rez-Usine

Original, on peut le devenir – c’est alors un choix conscient, celui de faire le bizarre. Mais on peut aussi l’être de manière immanente –, c’est alors la conséquence, collatérale et surtout bienvenue, d’une vision particulière. Cette poétique de l’accident sublime est au cœur de la musique de Tout Bleu, qui publie ce jeudi un nouveau disque, You Are Tree. Rappel: Tout Bleu est le projet de la multi-instrumentiste (batterie, guitare, chant…) genevoise Simone Aubert (Prix suisse de musique en 2024, et que l’on peut croiser dans d’autres formations du coin, de Massicot à Hyperculte), accompagnée de POL aux machines, Luciano Turella à l’alto et Beatriz Raimundo au violoncelle.

Un instrumentarium peu commun, pour une musique qui l’est tout autant. La première tentation serait de jouer la carte de l’hybride, et de dire qu’on retrouve en effet dans la musique du groupe des éléments issus du post-punk, du krautrock, de l’ambient, que l’on y observe un jeu de guitare lorgnant le blues du Ténéré (comme sur le magnifique Ce dit univers, pile d’énergie au milieu de l’album), des rythmes électros canal historique, une voix de pythie lessivée, des cordes qui adoptent les tropes de ce que les anglophones nomment modern classical […]

reviewSeb Bruntout bleu, you are tree
tangent mek | drizzle + le bleu de sorèze @ radio bandito (it)

Wednesday 18 March, from 10 pm on radiobandito.it, Sleep Dose #161 (We Melt Clouds/Future Is The Drug).

Ours is a rapidly evolving historical phase. Scenarios shift and the flags of nations flutter ceaselessly in the winds of war. If we look to the past, it might have seemed easy to prophesy new catastrophes. Everything was already written in the immense dust stirred up by the collapse of the Towers. Rubble right at the heart of the beast. Dust so thick as to blind the decades to come. 

Will our eyes regain their sight, or must we Nostradamus-ise our vacuous sensibilities?

From the future comes a light that lies beyond the future. The smoky air of centuries to come. The light of the end of the world.

playlistSeb Bruntangent mek, immutable traveler
tangent mek | le bleu de sorrèze @ citr (ca)

INTERNATIONAL WOMEN'S DAY 2026 PROGRAMMING.

Originally Aired On 08/03/2026

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CITR's 24 HOURS OF RADIO ART in a snack size format! Difficult music, harsh electronics, spoken word, cut-up/collage and general CRESPAN© weirdness. International Women’s Day 2026 programming featuring noise and sound art by women, trans, genderqueer and non-binary artists from around the world > JASMINE GUFFOND | LOTTIE SEBES | PHEW / DANIELLE DE PICCIOTTO | LEONIE STRECKER | TANGENT MEK | MEREDITH BATES | MELISSA PONS | MATILDE MEIRELES | VALENTINA FIN / FEDERICA FURLANI | EVA-MARIA HOUBEN | DOBRAWA CZOCHER and beepblip.

Playlist

APPROACHING CHAOS

JASMINE GUFFOND • v/a EAVESDROP FESTIVAL 2024

MOUTHPIECE

LOTTIE SEBES • v/a EAVESDROP FESTIVAL 2024

IM NEBEL

PHEW | DANIELLE DE PICCIOTTO • PAPER MASKS

MONO

LEONIE STRECKER • CHROMA

LE BLEU DE SOREZE

TANGENT MEK • IMMUTABLE TRAVELER

DREAM 2 DIE (NO HEAVEN)

MADELINE GOLDSTEIN • DREAM 2 DIE (NO HEAVEN)

2ND INCANTATION (DISILLUSIONMENT)

MEREDITH BATES • THE OBSERVER EFFECT

DER VERPASSTE KAFFEE

PHEW | DANIELLE DE PICCIOTTO • PAPER MASKS

C. E. HIPPELAPHUS - DARK FOREST

MELISSA PONS • CERVUS

TWO (ANOTHER WAY)

MATILDE MEIRELES • TWO (ANOTHER WAY)

ALICE CASCHERINA

VALENTINA FIN | FEDERICA FURLANI • RODARI CONNECTION

RADIO RODARI

VALENTINA FIN | FEDERICA FURLANI • RODARI CONNECTION

A CLARINET WITHIN AN ORGAN SPACE

EVA-MARIA HOUBEN | PAUL BEAUDOIN • A CLARINET WITHIN AN ORGAN SPACE 2

SEHNSUCHT

DOBRAWA CZOCHER • STATE OF MATTER

ADAPTIVE TRANSFORMATION

beepblip • RHYTHMAGOGIA

C. E. HISPANICUS - SUNRISE

MELISSA PONS • CERVUS

playlistSeb Bruntangent mek, immutable traveler
bobo & behaja | aia haja? @ rfi | bpm - bonnes pulsations du monde (fr)

BPM – Bonnes Pulsations du Monde

Slovénie : le renouveau des musiques folk entre Europe centrale et Balkans

Publié le : 27/02/2026 - 16:10

Cette semaine, BPM vous emmène à Ljubljana, au cœur du MENT Festival, là où les traditions se réinventent et où les scènes indépendantes dialoguent au-delà des frontières. Avec aussi : une énergie hybride venue d’Afrique du Sud, de l'électro solidaire de l’Ukraine, le tsapiky incandescent du Sud-Ouest malgache et, dans « l’Histoire d’un live », une légende brésilienne, Antonio Carlos Jobim, qui fait tomber une pluie tropicale sur Montréal.

5/ BOBO & BEHAJA - "Kabosy", extrait de Aia Haja? (Maison Tempête - 2026)

playlist, reviewSeb Brunbobo & behaja, aia haja?
bobo & behaja | aia haja? @ musiques d'afrique, fabien mollon (fr)

Musiques d’Afrique : février 2026 en cinq albums

Fabien Mollon

Journaliste print & web

2 mars 2026

Un mois placé sous le signe de Madagascar, avec deux sorties de « tsapiky ». Mais aussi des incursions du côté du Sénégal, de l’Algérie et du Maroc.

« Aia Haja ? », de Bobo & Behaja

Retour à Madagascar, toujours sur un air de tsapiky, avec un album qui a bien failli ne pas voir le jour.

Le groupe Bobo & Behaja a en effet dû entrer en studio sans l’équipement nécessaire : haut-parleurs à pavillon, amplificateurs de karaoké et pédales d'effets artisanales s’étaient égarés lors d’une correspondance aéroportuaire à Zurich. Le précieux matériel est finalement arrivé à Paris avec une semaine de retard, contraignant les musiciens à enregistrer les sept morceaux en seulement deux jours.

Le quintette s’articule autour de ses deux leaders éponymes : le Fançais Maxime Bobo, saxophoniste au sein des groupes Electric Vocuhila et Mitsaitsaiky, et le Malgache Behaja, prodige de la guitare électrique originaire de Sakaraha, dans le sud-ouest de l’île. Avec leur disque Aia Haja ?, ils contribuent à renouveler un genre en perpétuelle mutation, certes, mais jusqu’alors peu coutumier des cuivres. De cette alliance singulière entre cordes et pistons naît une énergie inédite, flirtant avec le rock et le free jazz.

7 titres, 49 mn / Maison Tempête / 20 février

reviewSeb Brunbobo & behaja, aia haja?