Belgian composer Ben Bertrand uses the bass clarinet and a plethora of machines to create hypnotic pools of sound that dilate time and space. His last two albums ‘Ngc 1999’ and ‘Manes’ were released on Les Albums Claus and Stroom, and Bertrand just released a new LP, ‘Dokkaebi’, on Les Albums Claus in October 2021. The music reflects the versatility and character of the clarinet, an instrument that can refract a spectrum of colors in just a single note. Bertrand funnels the sound through his selection of effects to create unusual soundscapes that dance in and out of our perception, sounding both electronic and acoustic at once.

Bertrand will be a part of our MADEIRADiG Festival, where the paradise-on-earth Portuguese island transforms into a hotbed of digital art and culture for a week in December (02.12 – 07.21).

FACTS

1. In physics, sound is a vibration that propagates as an acoustic wave, through a transmission medium such as a gas, liquid or solid.

2. In human physiology and psychology, sound is the reception of such waves and their perception by the brain.

3. Music is the art of arranging sounds in time through the elements of melody, harmony, rhythm, and timbre. It is one of the universal cultural aspects of all human societies.

QUESTIONS

1. What is the biggest inspiration for your music?
Trying to show that our passage on earth is more that our daily matters.

2. How and when did you get into making music?
My parents listened a lot of music at home and I began to make music during my childhood.

3. What are 5 of your favourite albums of all time?
Gavin Bryars – The Sinking of the Titanic
John Surman – Upon Reflection
Terry Riley – A Rainbow in Curved Air
Jon Hassel – Fourth World, Vol. 1: Possible Musics
Pan American – Quiet City

4. What do you associate with Berlin?
The hooded crows and the reverb of the radar dome of the former Teufelsberg listening station.

5. What’s your favourite place in your town?
Les ateliers claus, a concert place in Brussels.

6. If there was no music in the world, what would you do instead?
Fortunately, the music exists.

7. What was the last record/music you bought?
Ana Roxanne – Because of a Flower

8. Who would you most like to collaborate with?
Terry Riley, Ryuichi Sakamoto and Midori Takada.

9. What was your best gig (as performer or spectator)?
A Jan Garbarek concert that I saw when I was 10 years old.

10. How important is technology to your creative process?
As I mainly use a bass clarinet and electronics to compose music, technology is as important to me as a tool is important to a worker.

11. Do you have siblings and how do they feel about your career/art?
I have a brother. He is a real music lover. He makes me discover a lot of music and he supports me.

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🎶🇲🇬 Bobo & Behaja est un groupe franco-malgache né de la rencontre entre le saxophoniste Maxime Bobo et le guitariste Behaja, figure du tsapiky de Madagascar. Leur musique fusionne les rythmes festifs et hypnotiques des «bals-poussière» malgaches avec le souffle du jazz et des sonorités rock contemporaines. Ensemble, ils créent une expérience à la fois enracinée dans la tradition et résolument moderne, portée par une énergie de transe et d’improvisation.

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In a candid conversation, British experimental artist Aja Ireland reveals the behind-the-scenes story of her album Cryptid. Released at the end of January 2025, the album is a deeply personal project born out of her struggles with grief, burnout, and the pressures of independent artistry. Ireland draws on sonic extremes—noise, experimental bass—to capture the emotional tension between numbness and catharsis. A key inspiration was Joey Holder’s Cryptid exhibition, whose themes of mutation and adaptation translated into a musical exploration of form.

The artist highlights the importance of interdisciplinarity: her collaborations with designer LU LA LOOP and poet Leomi Sadler resulted in a fusion of fashion, performance, and hyperpop production. The conversation also touches on her social engagement—creating a sanctuary for the queer community and advocating for women’s and LGBTQIA+ rights. Cryptid is not just an album but a manifesto of vulnerability, hinting at future projects: a tour and an EP that continue her raw, transgressive artistic language.

Artur Mieczkowski: First of all, congratulations on your wonderful album, Cryptid, released at the end of January 2025. I’m truly impressed by it. What were the main inspirations behind this project?

Aja Ireland: At its core, Cryptid is an album about survival—both in a personal and creative sense. It came together during a time when I was processing grief, burnout, and the relentless grind of being an independent artist. I wasn’t making music with the intention of sharing it; I was making the sounds I wanted to hear, the ones that would pull me out of a deep fog. That gave me the freedom to push further into noise, distortion, and textured bass, letting the rawness of those elements reflect the intensity of what I was experiencing.

A huge turning point for the album was Joey Holder’s Cryptid exhibition. Her work explores ideas of mutation, resilience, and the unknown—things I was feeling deeply at the time. The themes in her art made me think about how we adapt to our environments, how we shapeshift to survive. That translated directly into the music, where I was experimenting with form, genre, and sound design in a way that felt instinctive rather than calculated.

I’ve always been drawn to the extremes of sound—noise, experimental bass, and future trap—and artists like Arca, SOPHIE, and Ice Spice are major influences. When I’m producing, I tend to latch onto certain tracks as “anchors” that I return to, almost like a sonic reference point, but my actual process is completely subconscious. I enter a kind of flow state where I forget to eat, I don’t need much sleep, and I feel like I’m living inside the tracks. Then, when I step away, I can’t always recall exactly how I made them. It’s like the music is pulling itself together through me rather than me consciously controlling it.

Ultimately, Cryptid is an album that sits in the space between emotional detachment and deep, raw feeling. It captures the numbness of burnout but also the moments of joy that remind you why you keep going. It’s about survival, but also about connection and transformation—about letting yourself change, and evolve into something new.

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Dazu passen bestens die elektroakustischen Schichten, durch die sich die Französin TATIANA PARIS auf "t h a l l e"(Carton) gräbt, denn auch hier spielen die Möglichkeiten der (bearbeiteten) menschlichen Stimme im Verhältnis zu elektronisch oder mit einer präparierten Gitarre erzeugten Klängen die Hauptrolle. Minimalistisch, bei "t h a l l e I" meditativ drone-nd, manchmal auch lärmend, immer aber hoch konzentriert.

C’est après un premier album solo, paru sur Carton Records en décembre 2022 et suivi de plus de 40 concerts, que Tatiana Paris l’expérimentatrice, plurielle (résumer son parcours exigerait un second article), offre, le mot est choisi, ce thalle dont le nom évoque un végétal sans racines, ni feuilles : des lichens, des algues. L’ enfance nomade de Tatiana influence de manière sûre le rendu, minimal, bruitiste comme intime, prenant dès ce intro aquatique, exotique ou pas loin, fragilement cuivré et donc les voix flottent. Superbe. t h a l l e l, ensuite, développe un drone de clarté diaphane. Serein, proche de l’immuable. hibbon, éthéré, étend une chape grisée aux excès tout en bruits inédits. Le climat, la variabilité de l’effort le subliment. pagaille, où l’inventivité sonore se met à nouveau en exergue, tintinnabule et se craquèle. canine, à la pureté d’eau de roche, cristallin, greffe voix douce et jeu subtil.

avril, en ce mois de novembre, sème un ombrage automnal. Et là aussi, une fois de plus, immersif si l’on s’y penche. Les ruptures, à peine décelables, donnent du relief. t h a l l e ll, obscur, s’étire sans mue réelle. De ce fait l’atmosphère s’implante, capturant l’auditoire. grand duc, de ses belles sonorités un tantinet fissurées, libres et voyageuses, maintient celui-ci dans une écoute quasiment méditative, livré à l’errance porteuse de ce t h a l l e. salluit, ultime phase aux tons narratifs saisissants, émaillée de notes en fatras grinçant, venant clore un disque exigeant et passionnant.

Issu du numéro de novembre 2025. Par Guillaume Malvoisin.

Tatiana Paris sort un très beau disque de sérénité contrariée, intitulé t h a l l e.
L’ouverture et la déraison jalonnent le successeur de Gibbon, paru en 2022, déjà sur le label lyonnais Carton Records.
Il s’agit, une fois encore, de forer le silence. [...]
Des airs de fête bancale de Pagaille à la syncope faussement inquiète de Canine, de l'orgue-guitare métronome, métisse et délayé de Grand Duc aux textes impeccables et sibyllins, tout se répond à la discrétion. [...]
Souvent sans paroles, jamais sans récit.

L’artista francese, dopo il debutto dal titolo Gibbon del 2022, sempre su carton records, torna con un lavoro delicato e minimale, in cui la chitarra effettata, l’organo, gli innesti sintetici spesso in odore di ambient & gli inserimenti vocali suggestivi e discreti, disegnano paesaggi interiori pieni di sfumature, come cieli crepuscolari densi di nuvole. Le influenze dichiarate sono Fred Frith, Ellen Arkbro e Jules Reidy, dunque folk, avant-prog, ma anche drone-music. In apertura sembra di sentire echi à la Brian Eno, dopo un po’ fa capolino anche Cage: thalle è un disco ambizioso e suadente ALLA RICERCA DELL’INSIEME ARMONICO.

Questo potrebbe essere il disco più "difficile" di questa rassegna; di sicuro è quello più coraggioso e meno allineato, e in verità un ascolto obbligato per chiunque ami sonorità originali e di ricerca. Il terzetto romano dei She’s Analog, che debuttarono nel 2020, spinge la propria ricerca su territori che superano nettamente i confini di una formazione con chitarra, tastiere e batteria; qui si usano field recordings, elettronica glitch e altre sonorità inusuali.

L’esito è un amalgama di post rock, ambient jazz e dubstep futurista che fa pensare a un incrocio impossibile tra Necks, Burial e Global Communication, e che si esprime al meglio su pezzi dilatati a oltranza come “blu”, 18 minuti a occupare un’intera faccia del vinile, come accadeva nei dischi di prog anni Settanta; ma qui non c’è traccia di ridondanze o virtuosismi fini a se stessi, solo musica totalmente libera e fuori da ogni categoria.

August 1985 - August 2025: La Nuit des Sauriens has now been running for over 40 years!

Every Wednesday from 9:30 p.m. 

Hundreds of programs offering an eclectic selection of ambient, industrial, noise, improvised, unusual, electroacoustic, and independent music...

Sébastien Brun e Simon Henocq li avevamo conosciuti un paio di anni fa con il loro progetto Parquet, ed il sentirli in questo Vallées, seppur sotto spoglie piuttosto diverse, rinforza l’idea che mi ero fatto delle loro capacità allora. Fidandoci della cartella stampa dovremmo trovarci di fronte ad un duetto fra chitarra e batteria, anche se il suono viene pesantemente destrutturato e rivisto, tanto da far sembrare ci sia una pressa completa ad estrudere tanta fantasiosa ritmica. Motorik sound sferzato con l’acido in Shore, disturbi ambientali in Falaises, Sebastien e Simon non smettono di stupirci riducendo la loro azione quasi a comprimere il loro agito, che ne esce irresistibile da una forgia mica da poco. Non c’è tregua, né struttura, solo momenti sonori che si susseguono in un percorso disturbato da balbuzie e cambi di ritmo che non fanno prigionieri, rendendoci all’erta e reattivi su ogni capovolgimento di fronte. Se la title track potrebbe lontanamente ricordare un dub da Alpha Centauri, con le successive Harbour e Bloc le cose si complicano ulteriormente, lasciando che la chitarra corra scapestrata come della no-wave tenuta a bada dal ritmico andare della batteria. Il suono avanza a sputi e scricchiolii, prima di distendersi solo per un secondo, interrotto da disturbi promossi dal duo. Lighthouse si fa tetra e minacciosa mentre Whisper è la definitiva chiusura di un cerchio robotico, storto e rugginoso, perfetto per scavare e trivellare orecchie e corpi con un suono smodato e potente.
Insomma, per chi ha amato il gruppo madre di certo un acquisto dovuto, per chi invece non ci si è innamorato si ricreda, la materia qui è ancora più a fuoco.

Simon Henocq e Seb Brun, due figure di riferimento della scena sperimentale francese, pubblicano Vallées, un disco che non è decisamente per tutti, ma interessante per chi è alla ricerca di suoni sperimentali contemporanei, in modo da costruirsi nuovi (s)punti interpretativi sulla musica non commerciale. Filosofico, sincopato, distorto e intrigante.

Esperti del suono e produttori engagé, dediti a sviluppare progetti innovativi, Simon Henocq e Seb Brun sono due figure di riferimento della scena sperimentale francese. Il primo è impegnato con il collettivo parigino Coax, il secondo invece con la casa discografica Carton Records, fondata nel 2009. Insieme formano un tandem audace, che, anche adottando un approccio radicale, si diletta a sperimentare nel ramo dell'elettronica, della noise e dell'ambient. Testimonianza ne è l’album Vallées, uscito da poco, appunto, per la Carton records. Nel lavoro, che è ricco di stimoli, la fanno da padrona i suoni sintetici e campionati, reminiscenti degli Autechre e di certi pezzi di Aphex Twin.

Il disco contiene dodici tracce, che, è bene precisare, non sono alla portata di tutti: "Coil", la metallica "Trim", "Shore", "Falaises", l’ambigua "Vers / Quiet", "Éléments", l’omonima "Vallées", "Harbour", "Bloc", "Fissure", l’atmosferica "Lighthouse", e, per finire, "Whisper". Alla loro base c’è un percorso creativo articolato. Utilizzando batteria e chitarra in una versione profondamente rielaborata, i due musicisti transalpini sono riusciti a creare uno stile sonoro grezzo eppure avvolgente, in cui la forma del suono è compatta, a tratti quasi callosa. Nei singoli pezzi affiorano suoni ipnotici, ritmi (post)industriali, molteplici interazioni in tempo reale e onde sonore volutamente distorte. Persino le pause ed i silenzi sono degli elementi per nulla casuali, con delle funzioni proprie.

Meno orientato alle atmosfere da ballo rispetto ai precedenti lavori e progetti quali Parquet, in questo nuovo disco il duo d’oltralpe si cimenta con suoni aspri, chiaramente astratti e leggermente oscuri, senza però mai abbandonare la tipica plasticità del ritmo del suono con le sue innumerevoli sfaccettature. Con l’intenzione di decostruire le convenzioni musicali caratteristiche delle scene ben più pop, Henocq e Brun si sono dimostrati abili nello sviluppare dei brani in cui si rende giustizia all’elemento dello spazio (non sempre adeguatamente considerato dagli artisti contemporanei). In più, le tracce sono pregne di tensione, favorendo in questo modo una concezione della musica elettronica che strizza l'occhio all’avanguardia.

Vallées è un’opera che può essere interpretata attraverso una chiave di lettura filosofica. Da un lato, la musica in essa contenuta è molto fisica, sulla scia dell’iter tracciato da Simon Henocq negli ultimi lavori da solista. Dall’altro lato, le scelte del duo francese si allontanano sempre più dal convenzionale mondo dance e della techno, per abbracciare in maniera piuttosto convinta ritmi sincopati, filtrati elettronicamente e rimodellati con l’utilizzo delle distorsioni, finendo per ottenere un risultato apprezzabile. Le atmosfere che ci accompagnano nell’ascolto posso finire per essere fredde (mai glaciali), a tratti dolorose, in alcuni passaggi un po’ contorte, eppure, nel complesso, rimangono intriganti e degne di ascolto.

Come detto, Vallées non è affatto un disco per tutti. Anzi, è lecito ritenere che si tratti di un album di nicchia su cui, anche per detta ragione, non è facile rilasciare giudizi. A chi nella musica cerca uno svago senza troppi pensieri, questo album finirebbe per fornire gli stimoli sbagliati, rischiando di risultare insignificante o persino inaccessibile. Viceversa, i singoli brani possono risultare d’interesse per chi è alla ricerca di suoni sperimentali contemporanei, in modo da costruirsi nuovi (s)punti interpretativi sulla musica non commerciale, e delle alternative di qualità, per provare a distanziarsi dai suoni orecchiabili e ormai prevedibili dei Daft Punk & co. Intendiamoci, è un esperimento ardito, in buona parte riuscito, ma siamo ancora lontani dal capolavoro.

Seb Brun & Simon Henocq about Collaboration at the Cusp of Control and Chaos

Drummer Seb Brun and sound artist Simon Henocq found themselves in a trance-like session they refer to as “feeding the monster.” A wild array of cables and pedals created unpredictable fedback loops – and maximally powerful physio-electronic music overwhelming both body and brain.

Most collaborations start with the simple wish by two or more musicians to play with each other. What was the initial spark to extract yourself from Parquet for a while to perform as a duo?

SB: Simon and I have been sharing our know-how for several years. He joined Parquet after the recording, and that’s really when we started working together on the album’s post-production.

At first, we had asked for help from a few people whose work we admired, but their feedback didn’t align with what we were looking for. That’s when we realized that we ourselves had a very clear artistic direction and the skills to pursue it.

From there, we developed a shared language and devised specific signal processing and routing techniques … I think I was even dreaming about them at night. These techniques now feed into our respective solo projects, our duo work, and Parquet.

Simon was working on his solo project, and if I remember correctly, I asked him if I could come and “make a bit of noise” with him. When we listened back to the recordings, it was obvious: we had to make something out of it.

SH: Lately, I’ve personally been gravitating toward more intimate collaborations. They allow for a closeness and complicity in the work that feels right for me at the moment.

With Seb, we’ve been collaborating for quite some time, especially since working together on Parquet’s album. We share practices, knowledge, and desires. We’ve had countless discussions about sound, music production, collective organization, labels … We often work around the same questions or techniques—like feedback for instance.

When the idea came up to exchange around the specific issues at stake in my solo guitar project, we felt it was worth taking the time to sit down in the studio with our instruments, almost like continuing the conversation through music.

The music came naturally. We spent two days in the studio for what was supposed to be just a meeting, and we walked out with an album.

read more on 15 questions.

Tatiana Paris Unveils a Haunting Cover of ‘Wonderful Life’

In a world saturated with fleeting sounds, French artist Tatiana Paris offers a moment of beautiful, melancholic pause with her reinterpretation of Colin Vearncombe’s 1986 classic, “Wonderful Life.”

Filmed live at the Olivier Debré Contemporary Art Center (CCCOD), this performance is an excavation. Paris strips the song down to its skeletal form, weaving a new sound from the frayed threads of nostalgia.

With a guitar that sounds like a forgotten, well-loved cassette tape, she conjures a fuzzy, almost frozen soundscape, a world where melody and rhythm are surrendered to a more visceral core. Her vocals, a mix of quiet strength, find a perfect echo in the serene yet powerful art of Claire Chesnier’s exhibition. It’s a performance that feels less like a whispered secret, … very intimate and haunting experience captured in a single video.

This sublime performance serves as a prelude to something even bigger: Tatiana Paris’s upcoming album, ‘t h a l l e,’ set to drop on November 14 via Carton Records. The album’s title, a reference to the rootless, leaf-less forms of lichens and algae, hints at its core philosophy…exploration of randomness and correlation.
Paris describes ‘t h a l l e’ as an attempt to find harmony in chaos, a collection of “small autonomous entities” where the familiar structures of songs are re-imagined. She masterfully navigates a sound that drifts between “noisy chanson and spectral minimalism,” painting a picture of a fictional meeting between avant-garde guitar legends Fred Frith, Ellen Arkbro, and Jules Reidy.

‘t h a l l e’ is available for preorder now.

In questa sessione live girata al CCCOD (Centro d’Arte Contemporanea Olivier Debré), l’artista francese Tatiana Paris reinterpreta la canzone “Wonderful Life” (1986) come un nastro leggermente consumato della sua infanzia. Mantiene la nostalgia contenuta nella melodia originale al centro di un suono di chitarra confuso e congelato, spogliato della sua armonia e dei suoi riferimenti ritmici. La forza vulnerabile e controllata che emana dalla sua interpretazione risuona perfettamente con la mostra di Claire Chesnier. 
– Tatiana Paris – chitarra, voce
– Colin Vearncombe – composizione
– Pierre Dine – tecnico del suono
– OVVO / Jean-Charles Lacour – video
– Julien Philips – montaggio video

Oltre a questa performance video autonoma, Tatiana Paris pubblicherà il suo nuovo album t h a l l e il 14 novembre tramite l’etichetta francese Carton Records. t h a l l e parla di casualità e correlazione. Si muove tra la chanson rumorosa e il minimalismo spettrale, come un incontro immaginario tra Fred Frith, Ellen Arkbro e Jules Reidy.

Riceviamo e pubblichiamo.

In questa sessione live girata al CCCOD (Centro d’Arte Contemporanea Olivier Debré), l’artista francese Tatiana Paris reinterpreta la canzone “Wonderful Life” (1986) come un nastro leggermente consumato della sua infanzia. Mantiene la nostalgia contenuta nella melodia originale al centro di un suono di chitarra confuso e congelato, spogliato della sua armonia e dei suoi riferimenti ritmici. La forza vulnerabile e controllata che emana dalla sua interpretazione risuona perfettamente con la mostra di Claire Chesnier.

– Tatiana Paris – chitarra, voce
– Colin Vearncombe – composizione
– Pierre Dine – tecnico del suono
– OVVO / Jean-Charles Lacour – video
– Julien Philips – montaggio video

Oltre a questa performance video autonoma, Tatiana Paris pubblicherà il suo nuovo album t h a l l e il 14 novembre tramite l’etichetta francese Carton Records. t h a l l e parla di casualità e correlazione. Si muove tra la chanson rumorosa e il minimalismo spettrale, come un incontro immaginario tra Fred Frith, Ellen Arkbro e Jules Reidy.

Polyglot with Jesse Dorris: Playlist from September 24, 2025

Beats mismatched. New mystic moods. The International Style. Pressed and dressed. Queasy listening. New ways to fail. More is more. Backroom room tones.

A DIY radio show playlist, just scratching the surface of what is deemed “underground music”, various styles at different speeds and genres.

show from the 6 oct 2025

Seb Brun en Simon Henocq bouwden al een stevige reputatie op binnen de Franse experimentele scene. Beide heren spelen samen in de band Parquet, waarin het kwintet van die band een mix maakt van techno en noiserock gericht op de dansvloer. Drummer Brun runt tevens het Carton-label, terwijl gitarist Henocq in diverse andere bands actief is. Voor Vallées speelt elk zijn vertrouwde instrument aangevuld met een grote hoeveelheid aan elektronica. Verwacht echter geen light-versie van Parquet want dit is toch wel andere koek.

Bij momenten behoorlijk experimenteel kraakt en schraapt en spookt het aan alle kanten om dan traag maar gestaag toch richting dansvloer te bewegen, maar dan eerder een imaginaire, die zich afspeelt in een hoofd waarin de hersencellen met elkaar in botsing komen in de drang om toch geen noot te missen die zou kunnen noodzaken om enige houten benen tot bewegen aan te zetten.

Art techno of IDM noemden ze dit soort deuntjes enkele decennia geleden, al zouden de fervente aanhangers er moeite mee hebben gehad dat het hier niet alleen om elektronica draait maar ook om gitaar en drums, waarbij de klanken al dan niet door de vervormers werden gejaagd. Abstracte muziek is het zonder dat beiden oog voor ritme en toegankelijkheid uit het oog verliezen. Daardoor klinken de twaalf nummers warmer dan initieel gedacht omdat ze niet zomaar experimenteren maar het allemaal behapbaar houden, ook voor minder geoefende oren.

Votre serviteuse (sic) a longtemps servi dans les rangs de Fennesz alors ce n’est pas Vallées qui va la faire sourciller. Bien au contraire. Gros gros kiffe sur cet album imaginé par Seb Brun (Parquet, Irène, Julien Desprez, Yoann Durant, Clément Edouard, Jeanne Added, Mamani Keita entre autres names à dropper…) et Simon Henocq. Les deux font un bout de route sans Parquet qu’on adore mais bien leur en prend de sortir Vallées.

Amateurs de son indus, Vallées est à l’oreille totalement jouissif, composé et interprété, sculpté écrirons-nous, par ces deux artisans du son. Sublime découverte qui nous a occupés tout un dimanche après-midi, et on en redemande en ce lundi matin tant les deux artistes œuvrent à nous ouvrir les neurones et les chakras. Résultat ? Démolition programmée des stéréotypes de la composition classique, rénovation de ce qu’on peut nommer musique électronique.

Et pourtant ce n’est pas notre Jean-François Riffaud préféré qui bichonne sa guitare, c’est bien Simon Henocq ! L’ électroacousticien et concepteur d’installations : le voici guitariste (« il observe, détourne et réinvente les objets et instruments de lutherie électronique pour donner vie à des performances singulières, où l’expérimentation occupe une place centrale » merci à toi pour la bio, label Carton Records !). En vrai merci pour ce son, merci à Seb et à Simon d’avoir conçu un si onirique et poétique univers de rave-brute-sonore-technologique-indus, enfin, merci pour les dates à venir de ce duo aux tracks magnétiques !