Celostnost glasbenih potez, ki brbotajo od nalezljivosti

Carton Records, 2026

Pestra ritmika in navidezno nenadzorovani melodični prijemi, ki v sebi nosijo dobršno mero spretnosti izvedbe, so nepogrešljive sestavine glasbe, ki na poslušalsko uho v nemalo primerih delujejo z unikatnim izkupičkom ob boku. »Oh, ta glasba me pa kar spravi v nek trans!« bi brez težav slišali tudi v kontekstu albuma kvinteta Bobo & Behaja z naslovom Aia Haja?, ki ga obravnavamo v tokratni Tolpi bumov. Toda pri obravnavi glasbe francosko-malgaške zasedbe je smotrneje uporabiti kakšne bolj podkrepljene pristope. Subjektivno dojemanje je resnična stvar, in širši množici, ki ni nujno ciljna, morda raje le številčnejša, omenjeni obljubljeni trans pridoda dovolj – dovolj, da se bo nekdo kljub nepoznavanju konteksta glasbe ali pa osnovnih vprašanj, ki jih ta odpira, vendarle odločil za nakup vstopnice za obisk koncerta. 

Glasba zasedbe Bobo & Behaja se napaja v tradiciji glasbene zvrsti tsapiky, izrazito plesnega žanra z jugozahodnega dela Madagaskarja, ki se nanaša na zvočnost obredov bal-poussière, v osnovi tradicionalno družbenih in obrednih dogodkov. Gre za večdnevna praznovanja na prostem, ki pogosto potekajo ob pomembnih življenjskih prelomnicah, kot so poroke in pogrebi, pa tudi razni lokalni festivali. Že zaradi korenin glasbe zasedbe bi na prvo žogo zlahka zapadli v diskurz konstrukcije avtentičnosti, fascinacije z Drugim ali pojava omenjenega transa in pretakanja takšnih in drugačnih notranjih občutij. Seveda ne smemo zanemariti individualne izkušnje poslušalke – ki si jo v kontekstu Boba & Behaje nedvomno deli kar dobršna mera slušateljev – toda njihova glasba v maniri, ki je stabilna, v prvi vrsti vredna obravnave in podkrepljena z ničkoliko vidiki, še vedno uspeva oziroma živi.

Francoski saksofonist Bobo Maxime, sicer član zasedbe Electric Vocuhila, ki jo večkrat zasledimo pod nalepko tropikalni jazz, je v preteklosti velikokrat obiskal Madagaskar, kjer se je spoznal z žanrom tsapiky. Skozi raziskovanje se je povezal z lokalno zasedbo Behaja, poimenovano po njenem kitaristu, in danes lahko z albumom Aia Haja? opazujemo, na kakšne načine je saksofonist Maxime skušal zaorati ledino na področju srečevanja tsapikyja s tradicijo rocka in jazza. To mu zelo dobro uspeva prav zaradi prisotnosti njegovega inštrumenta, ki na albumu neredko prevzame vlogo gonilca zvočnega toka. Kljub temu glasba izžareva kolektivnost, kakršnekoli težnje po performativni glasbeni praksi, ki bi jo narekoval izključno Maxime in imel zasedbo Bahaja samo malo za zraven, pa niso navzoče. S sodelovanjem v ustreznem pomenu te besede se tudi s poslušanjem zazna hommage zgodovinskemu kontekstu žanra tsapiky, kar je najverjetneje v prvi vrsti tudi smoter tega projekta. 

V posameznih skladbah ne zasledimo kompleksnih modulacij v druge tonalitetne nastavke. Slušna izkušnja vztraja v določeni natempirani in vedri špuri, toda to še zdaleč ne pomeni, da glasba zasedbe Bobo & Behaja ni kakovostno izvedena in zasnovana – ravno nasprotno: neposrednost utrdi njihov izraz, ki, ko ga podrobneje analiziramo, deluje sila natančno. Izstopajo bogati ritmični segmenti, ki bi jih s poglobitvijo vanje lahko razstavili na manjše odseke. Kitarist Behaja note ubira kot za stavo, se pri tem navidezno spontano in brez napora ujame s preostalimi člani zasedbe in njihovimi inštrumenti ter gradi skoraj neprekinjen zvočni tok kompozicij, ki se spajajo v celoto. 

Gibanje je nekaj, kar nam brž pride na misel in se nenazadnje neposredno manifestira tudi v naše dejansko fizično stanje, kar se bo, si upamo trditi, izrazilo tudi na koncertu, ki ga bo zasedba izvedla na letošnji, 42. ediciji festivala Druga godba 29. maja v Katedrali Kina Šiška. Gibanje zaznamuje potek glasbenih pasaž, s katerimi koketira vokalistka Ekaly. Z inštrumentalno sekcijo vzpostavi izrazito prožen dialog, podaja odgovore na zaigrane fraze in utrjuje že predstavljene glasbene motive, najbolj nazorno v skladbi Kabosy, katere izmenjevalni odsek glasu in kitare bi pravzaprav lahko trajal v nedogled. Tudi ko Ekaly ne slišimo, denimo v skladbi Rodobey, odmev njenega glasu na nek način ostaja prisoten. 

Na prvi posluh Bobo & Behaja vseskozi ostajajo v istih kolesnicah, toda te kolesnice so tako dobro uvožene, da se med poslušanjem začnemo preizpraševati o zmožnosti glasbe, da popolnoma zaobjame svojo zasnovo in v njej tudi celostno deluje. Analiza posameznih skladb z albuma tako niti ne bi bila prikladna. Smiselneje se je osredotočiti na celostnost glasbenih potez, ki brbotajo od nalezljivosti in album Aia Haja? opolnomočijo z neomajno atmosferično napetostjo.

de:
Der zweite Track, «Place Saint Bruno», ist ein kleines Mirakel: Neun Minuten lang schlängeln sich Schlagzeug, Bass und Synthesizer durch ein Gewirr an Grooves und Sounds wie durch die malerische Altstadt Lyons in der Morgendämmerung. Vordergründig mag das gleichförmig klingen, doch dank subtiler, kaum wahrnehmbarer Variationen und Verschiebungen erzeugt «Place Saint Bruno» Spannung und beschwört Bilder wie ein gelungener Soundtrack. Société Étrange, das Trio aus Lyon, bleibt auf dem dritten Album «Heat» seinem Ansatz treu: repetitive, minimale Instrumentals, die ihre Wurzeln in der experimentellen Elektronika deutscher Formationen wie Cluster und Neu! haben, in den verhallten Räumen des Dub und den Wiederholungen der Minimal Music. Auf «Heat» macht das Trio einen Schritt vorwärts in Richtung Pop: Die Tracks klingen melodiöser, die Rhythmen sind verspielter, die Loops lichter und die Atmosphären kinematografischer. Interessant ist dabei die doppelte Rolle des Basses: Er verleiht den Tracks ihren Puls und schmückt sie gleichzeitig mit melodischen Elementen, während Schlagzeug und Drumcomputer fremdartige Beats zum Schwingen und Klöppeln bringen, derweil die Synthesizer die Soundgemälde mit warmem Zirpen und Zwitschern ö&nen und «Heat» zur auralen Delikatesse machen.

fr:
Le deuxième morceau, « Place Saint Bruno », est une petite merveille : pendant neuf minutes, batterie, basse et synthétiseur serpentent à travers un enchevêtrement de rythmes et de sonorités, comme dans la pittoresque vieille ville de Lyon à l'aube. À première vue, il pourrait sembler monotone, mais grâce à des variations et des changements subtils, à peine perceptibles, « Place Saint Bruno » crée une tension et évoque des images à la manière d'une bande originale réussie.

Société Étrange, le trio lyonnais, reste fidèle à son approche sur son troisième album, « Heat » : des instrumentaux minimalistes et répétitifs qui puisent leurs racines dans l'électro expérimentale de groupes allemands comme Cluster et Neu!, dans les espaces réverbérés du dub et dans les répétitions de la musique minimaliste.

Sur « Heat », le trio fait un pas de plus vers la pop : les morceaux sont plus mélodiques, les rythmes plus ludiques, les boucles plus légères et les ambiances plus cinématographiques. Il est intéressant de noter que la basse joue un double rôle : elle donne aux morceaux leur pulsation tout en les embellissant d’éléments mélodiques, tandis que la batterie et la boîte à rythmes font vibrer et cliqueter des rythmes étranges, tandis que les synthétiseurs ouvrent les paysages sonores avec des gazouillis et des pépiements chaleureux, faisant de « Heat » une délicatesse auditive.

Kaaarst c’est une basse électrique aux sons rugueux, c’est du rock mais tout seul, des pédales d’effets qui font du bruit. Mais ce sont aussi des pieds qui tapent le sol pendant que les mains jouent, c’est un peu de pop qui arrive à se frayer un chemin malgré tout ce boucan. En résumé, ce sont de jolis accords avec du bruit autour, ou bien le contraire.

Antoine Ferris est un bassiste et contrebassiste originaire des Hautes-Pyrénées (France). Il débute la basse électrique en 2014 de manière autodidacte puis décide de se perfectionner en intégrant la Licence de musicologie jazz à l’Université du Mirail à Toulouse et le conservatoire jazz de Toulouse en 2016. Au cours de sa scolarité il découvre la contrebasse et évoluera dans différents styles musicaux (jazz, chanson, électro et hip hop). En 2019 il intègre le collectif de musiques improvisées Baraque à Free. Cette rencontre fut un déclic qui le poussa à monter son solo (Kaaarst) en 2022. Aujourd’hui Antoine se produit en solo ainsi que dans des formations comme le groupe de indie pop Totun ainsi que dans le groupe de rock occitan Feràmia.

Kaaarst est un solo de basse électrique et pédales d’effets qui existe depuis 2022. Ce sont des pièces d’improvisations de longueurs variables (entre 3 et 15 minutes) où se découvrent petit à petit les différentes influences esthétiques d’Antoine Ferris. Fortement influencé par la pop music, on est surpris de voir émerger des harmonies au travers des sons rocailleux et parfois noise de la basse électrique. Seul sur scène et sans système d’over dub (loop), les sons sont en constante évolution.

Mars 2026

Simon Hénocq m'avait laissé K.O. avec son précédent disque, le fantastique We Use Cookies, chroniqué dans les pages de votre revue préférée. Le voici de retour, cette fois-ci en duo avec Seb Brun, pour un disque acéré, asphyxiant, concassé et beau.
Oui, c'est possible. Seb Brun tient le rôle de batteur et d'électronicien, Simon Hénocq celui de guitariste et d'électronicien. Vallées est une traversée chaotique qui appelle à la transe bancale, tenue sur la longueur par des rythmes chahutés, rivalisant de contretemps et de déconstruction, où se mêlent basse menaçante et nappes instables. Les reliefs ne cessent d'évoluer, à une vitesse qui ne se dément pas jusqu'à la fin. Les faux départs se multiplient, les explosions réjouissantes nous éparpillent aux quatre coins de la pièce, sur un album à ranger dans un nouveau rayon : la noise groove. Pour entrevoir ce qui se répand sur ces Vallées, l'écoute intégrale de l'album est obliga-toire. En extraire un simple titre reviendrait à ne voir qu'une couleur chez Van Gogh. Le duo lorgne vers une forme d'abstract taillée dans la rouille ; les sonorités sont distordues, vachardes ; les motifs se délient, apparaissent, se bouclent quelques secondes, puis s'évaporent. Les quelques motifs de guitare nous projettent sur un dance-floor au parquet flottant avant de nous plonger dans l'obscurité. « Lighthouse » nous laisse croire à la lumière, mais nous traîne dans les décombres. La guitare apparaît plus clairement par endroits, mais elle est tellement malmenée, tellement lacérée, qu'elle ne devient qu'une part infime de cette lente et savoureuse déconstruction. Douze titres qui ne laissent pas le moindre répit, à quelques fenêtres de respiration près, vous emportent dans une transe chamanique et peuvent entraîner une danse désarticulée, comme un robot dont les circuits imprimés auraient fondu et qui perdrait le contrôle de ses mouvements. Genre Terminator en fin de vie qui tenterait le moonwalk pour nous faire croire que tout baigne. Oui, sous les sons désossés, crissant, à contresens, sous la patine du chaos et les étendues distordues, les vallées groovent méchamment.
Laurent NERZIC

Les Genevois de Tout Bleu réconcilient les contraires en musique

Le projet de Simone Aubert publie ce jeudi un troisième album, «You Are Tree». Un magnifique exemple d’expérimentation heureuse, verni le soir même au Rez-Usine

Original, on peut le devenir – c’est alors un choix conscient, celui de faire le bizarre. Mais on peut aussi l’être de manière immanente –, c’est alors la conséquence, collatérale et surtout bienvenue, d’une vision particulière. Cette poétique de l’accident sublime est au cœur de la musique de Tout Bleu, qui publie ce jeudi un nouveau disque, You Are Tree. Rappel: Tout Bleu est le projet de la multi-instrumentiste (batterie, guitare, chant…) genevoise Simone Aubert (Prix suisse de musique en 2024, et que l’on peut croiser dans d’autres formations du coin, de Massicot à Hyperculte), accompagnée de POL aux machines, Luciano Turella à l’alto et Beatriz Raimundo au violoncelle.

Un instrumentarium peu commun, pour une musique qui l’est tout autant. La première tentation serait de jouer la carte de l’hybride, et de dire qu’on retrouve en effet dans la musique du groupe des éléments issus du post-punk, du krautrock, de l’ambient, que l’on y observe un jeu de guitare lorgnant le blues du Ténéré (comme sur le magnifique Ce dit univers, pile d’énergie au milieu de l’album), des rythmes électros canal historique, une voix de pythie lessivée, des cordes qui adoptent les tropes de ce que les anglophones nomment modern classical […]

BPM – Bonnes Pulsations du Monde

Slovénie : le renouveau des musiques folk entre Europe centrale et Balkans

Publié le : 27/02/2026 - 16:10

Cette semaine, BPM vous emmène à Ljubljana, au cœur du MENT Festival, là où les traditions se réinventent et où les scènes indépendantes dialoguent au-delà des frontières. Avec aussi : une énergie hybride venue d’Afrique du Sud, de l'électro solidaire de l’Ukraine, le tsapiky incandescent du Sud-Ouest malgache et, dans « l’Histoire d’un live », une légende brésilienne, Antonio Carlos Jobim, qui fait tomber une pluie tropicale sur Montréal.

5/ BOBO & BEHAJA - "Kabosy", extrait de Aia Haja? (Maison Tempête - 2026)

Musiques d’Afrique : février 2026 en cinq albums

Fabien Mollon

Journaliste print & web

2 mars 2026

Un mois placé sous le signe de Madagascar, avec deux sorties de « tsapiky ». Mais aussi des incursions du côté du Sénégal, de l’Algérie et du Maroc.

« Aia Haja ? », de Bobo & Behaja

Retour à Madagascar, toujours sur un air de tsapiky, avec un album qui a bien failli ne pas voir le jour.

Le groupe Bobo & Behaja a en effet dû entrer en studio sans l’équipement nécessaire : haut-parleurs à pavillon, amplificateurs de karaoké et pédales d'effets artisanales s’étaient égarés lors d’une correspondance aéroportuaire à Zurich. Le précieux matériel est finalement arrivé à Paris avec une semaine de retard, contraignant les musiciens à enregistrer les sept morceaux en seulement deux jours.

Le quintette s’articule autour de ses deux leaders éponymes : le Fançais Maxime Bobo, saxophoniste au sein des groupes Electric Vocuhila et Mitsaitsaiky, et le Malgache Behaja, prodige de la guitare électrique originaire de Sakaraha, dans le sud-ouest de l’île. Avec leur disque Aia Haja ?, ils contribuent à renouveler un genre en perpétuelle mutation, certes, mais jusqu’alors peu coutumier des cuivres. De cette alliance singulière entre cordes et pistons naît une énergie inédite, flirtant avec le rock et le free jazz.

7 titres, 49 mn / Maison Tempête / 20 février

New & Notable

Aia Haja?
by Bobo & Behaja

Terrific and gripping jazz with touches of Afrobeat in its leaping rhythms makes for a joyous ride.

She's Analog

March 3, 2026

No Longer, Not Yet

Carton, 2025

9/10

Listen to No Longer, Not Yet

This sophomore album from Italy’s She’s Analog treats us to 6 tracks of creative and improvised jazz sounds from 3 very exploratory minds.

“Tingle” starts the adventure with close attention to mood, as Giovanni Iacovella’s frisky drums and Stefano Calderano’s radiant guitar are used strategically, and “Narrow Pass” follows with waves of beauty thanks to the warm guitar, light drums and dreamy backdrop.

“Danse Macabre” and “Slow, Kick” land in the middle. The former carries an atypical rhythm that’s pretty and cinematic, while the latter benefits from Luca Sguera’s unpredictable keys that help cultivate a mood of mystery.

“Blu” exits, and it’s 18+ minutes of percussively strong bouts, light guitar, ethereal ebbs and a rare intimacy that’s reflective and sonically chilling.

Somewhere between jazz, post-rock, minimalism and electronica, every moment here is of intrigue and fascination.

Travels well with: Parquet- Sparkles & Mud; No Tongues- Ici

Tatiana Paris : thalle

Publié par Claudy Jalet le 23 janvier 2026

Carton Records

A la vue de cette pochette, j’ai immédiatement pensé à celle de « Still Life » de Van Der Graaf Generator. Ici aussi, c’est ce végétal sans racines, sans feuilles, nommé le thalle qui sert d’illustration et il est, finalement, une bonne évocation de la musique jouée par cet artiste. Tatiana Paris déploie ici son second volet sonore (après « Gibbon » en 2022). Un album de dix compositions, titrées sans majuscule, qui se déploient d’une traite pendant 45 minutes. Un étonnant voyage, parfois hirsute, sur lequel Tatiana joue de la guitare préparée, l’accompagne de synthèses modulaires, d’objets, d’un vieux « hertzian acousmonium » (un ancien enregistreur), d’un orgue, parfois d’un chant éthéré, auto-tuné. Cette musique cinématographique semble se mouvoir, se fondre dans le milieu sous-marin. On s’imagine les végétaux ondulant au rythme d’un courant liquide. On imagine une lente progression de notre être dans le monde aquatique (« thalle I »). Puis c’est une guitare acoustique, striée, qui accompagne la voix de Tatiana sur « canine ». Parfois, les sonorités sont perturbées, triturées. C’est alors de l’ambiant bruitiste qui surgit (« hibbon »). On accepte une sombre mélopée presqu’uniforme de huit minutes (« thalle II ») avant les délires dissonants, low-fi, mais assez fascinants de « grand duc ». C’est sur un décousu « salluit » qu’elle nous laisse, tout en y posant sa voix et en agissant de ses doigts sur nombre de boutons, qu’elle semble bidouiller en tous sens. De la « chanson française » réellement autre qu’Areski et Brigitte Fontaine doivent apprécier tout en se marrant, en se disant, qu’avec ce titre, ils ont fait des émules ! En essai de conclusion, je dirai : dans son ensemble, ce « thalle » se veut comme une suite parfois étrange de structures sonores, un peu bruitistes, un peu lumineuses, un peu caverneuses, ambiant, répétitives, au fil des ondulations du végétal et de son milieu. Une étrange déambulation musicale peut-être pas aussi fictive que nous pourrions le penser.

tangent mek must be one of those albums that will stay with me forever. It is not only exceptionally well-produced and well composed but beautifully assembled in terms of means and techniques and steered and manoeuvred excellently by the intuitive musical sense of Anouck Gethon, Anna-Kaisa Meklin and last but definitely not least Marina Tantanozi.

The whole album is a tale - it moves, strays, and has its own odds and ebbs but it stays on the line with compositional aspect and never goes beyond what was the main theme - a travel, a journey. 

The music itself - stems from improvised sessions which then led towards more organised compositions, organised in terms of the three members of the project wanted to achieve.

The harmony of this album is like a medicine - some sort of perennial wisdom that bleeds through the phrases and the spoken word, and the phrases. 

I have to remind myself that harmony is not necessarily a question of tonality - it is something that goes beyond purely metrical and musical language. This album embodies that.

It's rich in flavour you can just taste briefly - it opens up every time you listen to it in full. 

A beautiful and a rare gem. 

5 songs you need to hear this week

[…]
Bobo & Behaja: “parepare”
“parepare” goes all over the place and I’ve followed each thread to its end. This is the lead track on Bobo & Behaja’s new tape Aia Haja?, invented someplace between Budapest and Zurich and recorded using horn loudspeakers, karaoke amplifiers, and homemade pedals that “reproduce the sonorities of the bal-poussière ceremonies of southwest Madagascar.” Bobo & Behaja blend free jazz, garage rock, and tsapiky together, corking feral guitar lines with saxophone honks that strobe then spiral. On the topline, Ekaly’s vocal unspools like an instrument governed by its own chaos, while François Rosenfeld and Gérard Rakotoniaina’s half-staccato, half-anarchic rhythm section brightens the tune from below. These are Malagasy virtuosos bouncing off each other’s impulses. I’ve never heard anything like it. —Matt Mitchell

Albums Of The Week: Bobo & Behaja | Aia Haja?

By

Darryl Sterdan

-

2026-02-19

THE EDITED PRESS RELEASE: “Isolated from the rest of the group at the front of the plane taking us from Budapest to Zurich, Behaja left without waiting for us, confidently following a group of travellers who had gone to catch their connecting flight,” recalls one of the Franco-Malagasy guitarist’s bandmates — a list that includes vocalist Ekaly, also saxophonist Maxime Bobo, bassist François Rosenfeld and drummer Gérard Rakotoniaina. “Lost in switzerland’s largest airport, he had no phone and he speaks neither French, English nor German.

“After an hour and a half of searching and several public announcements to the thousands of travellers, the airport police, initially uncooperative, finally found him at the end of a corridor. Finally reunited, we managed to catch the transfer to Paris at the last minute, but some of the suitcases — checked in hastily — were loaded into the hold of a different plane.

“A few days later, we set off to record our first album, deprived of much of our equipment — horn loudspeakers, karaoke amplifiers and homemade effects pedals that reproduce the sonorities of the ‘bal-poussière’ ceremonies of south-western Madagascar — which the airline sent us after a week’s wait. So it was only during the last two days in the studio that the conditions were right for recording the tracks for this album.

“The repertoire, largely created in Madagascar and then performed on stage during a European tour of some 30 concerts, is based on the new rhythms, structures, instrumental and vocal techniques of contemporary tsapiky, of which Behaja is one of the most emblematic musicians.”

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simon henocq
— chronique

—
par guillaume malvoisin
photo © COAX

cet article est extrait du numéro 9 de notre revue papier

Simon Henocq électronique
Luca Ventimiglia électronique (tr. 8)

carton records
avril 2025

Il y a des dissolutions qui réussissent mieux à certains qu’à d’autres. Pour Simon Henocq, c’est certain. Sa musique, au « langage physique et instinctif » revendiqué, fait même de la dissolution une pratique aussi familière que pourrait l’être le simple geste d’ouvrir la cabine d’une douche pour vous et moi. Sans faire le zouave avec les épithètes, c’est important de remettre sur l’établi des notions comme le liquide, le familier et le dissolu pour évoquer We Use Cookies, dernier disque d’Henocq. Pilier du Collectif Coax, militant olympien, artiste bruitiste, l’électronicien délicat pousse un peu plus loin l’intimité du désordre. Liquide, la musique qui s’écoule de We Use Cookies l’est d’évidence. Organisée en couches fluides et multiples, avançant dans une progression régulière au fil des 10 plages du disque, à la cohésion impressionnante, malgré les sautes d’humeur et de dynamique. Ainsi, Kill Switch perturbant jusqu’à s’en faire le promontoire, les traitements d’Argile, track précédent. Ainsi chaque pulse sonore est propulsé par l’idée qui la suit, sans s’effacer mais en se dissolvant, avec ce qui ressemble au bonheur, dans les idées suivantes. We Use Cookies devient alors un artefact de sédimentation sonore, une action qui doit être autant plaisante à entendre que fascinante à voir.
Mais la dissolution, radicale et brutale, à l’œuvre dans le disque, travaille, par ailleurs, un supplément au simple jeu de tension/pulsation. Et c’est là que la familiarité entre en action. Le sonore de We Use Cookies pourrait se faire aussi accueillant qu’un bureau de vote un matin de dissolution inopinée. Pourtant, ce qui est joué et se joue dans ce disque relève moins de l’étrangeté que de l’évidence. Laissant la stratégie du chaos à quelque vieux stal’ en campagne, Simon Henocq joue le jeu de la noise en rendant les sons « à leur état sauvage » comme le formulerait Catherine Guesde, sans les perdre de vue pour autant. Son instinct le pousse à canaliser cette sauvagerie pour non pas la ramener du côté de l’apprivoisé mais sur le terrain du sublimé, ouvrant des passages audios impressionnants, comme cette bascule de la fin de S.T.I.R. Moins dissoute que magnifiquement dissolue.

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7.02, biennale souffle
ici l’onde – cncm
— chronique

—
par Selma Namata Doyen
photo © ici l’onde

Le cadre est posé d’emblée et se construira peu à peu. : We Use Cookies est une forme articulée en séquences nettement dessinées, avec ses paliers d’intensité, ses suspensions, ses fractures. Joie intime, Simon Henocq en donne la première version jouée sur acousmonium. Son écriture reste au centre des enjeux mais trouve un espace d’interaction supplémentaire à ce qu’on a pu entendre sur disque. Nouvel espace particulièrement fin, trajectoire sonore rigoureuse. Des blocs électro-noise compacts, saturés, presque abrasifs, cèdent la place à des étendues plus aérées où chaque grain, chaque vibration devient perceptible. Henocq travaille la durée avec une précision d’orfèvre : il installe une boucle, la laisse proliférer, s’éroder, muter. Puis bascule. Pas d’effet gratuit — les transitions structurent réellement le parcours. La partition existe, tangible. Pourtant, elle respire. Certaines sections s’allongent, d’autres se resserrent selon l’énergie du moment. À plusieurs reprises, une tourne se stabilise, permettant au musicien de se mettre en retrait, d’écouter comme un·e auditeur·ice parmi d’autres, d’ajuster imperceptiblement. Cette vigilance fait partie intégrante du dispositif : la composition n’est pas figée. Elle avance. Mieux, elle se déploie. La spatialisation sur l’acousmonium Alcôme, assurée par Armando Balice, reste secondaire dans la hiérarchie des enjeux musicaux, mais elle sous-tend avec force la réussite de représentation. Elle impressionne, au sens premier du mot, par sa précision. Les masses circulent, les impacts surgissent latéralement, certaines fréquences enveloppent littéralement le corps. À chacun·e son degré d’abandon : hypnose pour certain·es, contemplation pour d’autres. Henocq demeure, quant à lui, intensément connecté, à son set comme à la salle. Charisme discret, nonchalance apparente, bienveillance tranquille — et concentration totale. Une tension traverse l’ensemble — brute et scintillante à la fois — comme le pigeon mort et pailleté d’or fin de la pochette du disque éponyme de ce set : image dérangeante et brillante, trivialité assumée, éclat inattendu. La musique tient ce même équilibre. Ça cogne, ça irradie. On coche « accepter les cookies ».

Live techno renversant

De 19 heures à 23 heures, tout s’est passé dans la salle en sous-sol. Entièrement conçue pour l’acousmonium (ensemble de haut-parleurs) de la compagnie Alcôme, en lien avec le Conservatoire à rayonnement régional du Grand Chalon, la soirée a alterné diffusion de courtes pièces electro-acoustiques et live spatialisés.

Côté pièces, mention spéciale à Parturition (2026) de Aude Husson Patru, très puissante évocation sonore d’une mise au monde. Côté live, acclamation totale pour Simon Henocq, qui a sculpté durant près d’une heure sans temps mort un intense matériau électronique – tendance techno industrielle – avec autant de finesse que de vigueur. On recommande au passage fortement l’album We Use Cookies, sorti en 2025, qui constitue la matière première de ce live renversant. L’incontestable pic de la soirée et du week-end.

Le festival Souffle s’est déroulé du 30 janvier au 8 février 2026 à Dijon.

Next Week in Music | February 16-22 • The Short List: 21 Titles You Want to Hear (Part 1)

By Darryl Sterdan - 2026-02-15

It has been one of those days when nothing works right. Not my fingers; not my brain; not my laptop; not the Internet. So screw it; I give up. But somehow, despite all the roadblocks and setbacks and dumbassery, I have still managed to put together this list of worthwhile music. Here are your plays of the week:

Bobo & Behaja

Aia Haja?

THE EDITED PRESS RELEASE: “Isolated from the rest of the group at the front of the plane taking us from Budapest to Zurich, Behaja left without waiting for us, confidently following a group of travellers who had gone to catch their connecting flight. Lost in Switzerland’s largest airport, he had no phone and he speaks neither French, English nor German. After an hour and a half of searching and several public announcements to the thousands of travellers, the airport police, initially uncooperative, finally found him at the end of a corridor. Finally reunited, We managed to catch the transfer to paris at the last minute, but some of the suitcases — checked in hastily — were loaded into the hold of a different plane. A few days later, we set off to record our first album, deprived of much of our equipment — horn loudspeakers, karaoke amplifiers and homemade effects pedals that reproduce the sonorities of the “bal-poussière” ceremonies of south-western madagascar — which the airline sent us after a week’s wait. So it was only during the last two days in the studio that the conditions were right for recording the tracks for this album. The repertoire, largely created in Madagascar and then performed on stage during a European tour of some 30 concerts, is based on the new rhythms, structures, instrumental and vocal techniques of contemporary tsapiky, of which behaja is one of the most emblematic musicians.”

Ankündigung: Am 6. März erscheint “Immutable Traveler” von Tangent Mek als CD und zum Download bei Carton Records in Kooperation mit Ligne de crête. Unter dem Namen firmieren die drei Musikerinnen Anouck Genthon, Anna-Kaisa Meklin und Marina Tantanozi. Das Album, das im vergangenen Jahr bereits von Montagne Noir digital herausgebracht wurde, wurde während einer Residenz im okzitanischen Benediktinerkloster Sorèze aufgenommen und versammelt improvisierte Musik für Violine, Viola da gamba, Flöten und Stimme. Die Aufnahmen entstanden in Räumen der Abtei, deren jeweils sehr unterschiedliche Akustik die Stücke prägt. 

Tangent Mek arbeiten, so heißt es vom Label, ohne vorab festgelegtes Material und entwickeln ihre Musik aus gemeinsamer Improvisation. Gespräche, Erinnerungen und langfristige Arbeitsprozesse fließen somit ebenso ein wie das wiederholte Aufnehmen, Überarbeiten und Verdichten des Klangmaterials. “Immutable Traveler” bewegt sich im Feld von Improvisation, Drone, experimentellen Folkansätzen und sogenanntem Soft Noise. Referenzen spielen ebenfalls eine Rolle, so nimmt das bereits erhältliche Titelstück textlich auf ein Gedicht von Etel Adnan Bezug und ist musikalisch inspiriert von einem Lied von Stelios Petrakis. Pünktlich zum Releasedatum gehen Tangent Mek auf Europatour.

Live:

06.03: Kulturbrauerei, Luzern (CH)
08.03: KM28, Berlin (DE)
11.03: Der Hanse, Dresden (DE)
12.03: Galeria Toy Piano, Wrocław (PL) – tbc
13.03: Punctum, Prag (CZ)
15.03: Raumschiff, Linz (AT)
17.03: Echoraum, Wien (AT)
19.03: Vekks, Wien (AT)

Di ritorno dopo il suo esordio Gibbon del 2022, Tatiana Paris non pubblica un disco, ma una sorta di organismo vivente. Un organismo che tramite una fotosintesi mirata ci nutre liberando nell’aria arie nebulose, sulle quali la musicista interviene. Il suo incedere oscilla fra strumentali cheti ed arrangiamenti acustico-rumoristi. Ricorda vagamente quell’onda magica e acustica che spesso accompagnava le uscite Tomlab, una sensibilità che di questi tempi si vede rifiorire anche nelle produzioni di aus e di Flau Records ad esempio, anche se qui, tramite il cantato, l’approccio vira in direzione di qualcosa di più intimo ed orecchiabile. I brani sembrano formarsi per genesi biologica, quasi come il corallo in copertina, molecola dopo molecola in forme e colori delicati. La chitarra boccheggia fra un respiro e l’altro, placida, a dare grumi di suono che a tratti potrebbero ricordare la magia dei Gastr Del Sol in trasparenza, quasi come se invece di spartiti Tatiana suonasse direttamente degli erbari, dando il via a piccoli caos appena percettibili, come minute forme di vita sotto il vetrino di un microscopio. Quando poi interviene l’organo di Rachel Langlais nelle due parti della title-track la magia si fa ieratica e immobile, quasi ci costringesse a cercarne una presenza con lo sguardo oltre che con l’udito. Il ritorno della voce nella conclusiva “salluit” (tutti gli interventi vocali sono tratti da poemi di Pierrick Pagé, Joséphine Bacon e Marie Andrée Gill) è un commiato crepitante e misterioso, un breve attimo di crescita e di luce condivisa fra esseri in continua evoluzione e cambiamento.

Carton Records a ce pouvoir de nous magnétiser par l’inconnu, par le prisme d’escapade musicale aventureuse. Au gré des sorties, il nous arrive de nous fondre dans le minéral ou de nous plonger dans les méandres de quelque chose de plus organique.

Avec Thalle de Tatiana Paris, c’est une sorte d’apogée, de pièce unique, inaltérable, parvenant à nous happer dans un inconfort sonore (intro) qui joue à la fois son rôle d’appât, mais surtout de procession vers un autel recouvert de cette thalle qui se déploie avec un détachement quasi-surnaturelle. Foisonnant et prégnant, la musique balise un chemin d’excellence, s’extirpant des flots balisés, pour mieux traduire ce que l’évanescence peut produire quand elle n’est pas la racine du futile (Hibbon inédit fantastique de Low) A tomber comme du Gastr del Sol, cela nous fait fondre comme certains travaux de field recording hébergé par l’excellent label Aagoo records, c’est lumineux comme un lever de soleil dans les brumes légères d’un sommet vosgien l’été.

Thalle est la traduction musicale parfaite du mot EMOTION, une ballade sans âge, une plongée, telle celle du Discovery One vers ce que nous ne pouvons imaginer, une frontière, celle qui répondrait à la possibilité que l’infini puisse avoir une fin.

Entre structures sonores planantes et pleines de bruits, de propositions d’évasion, Thalle est une envolée émouvante, presque mystique, et pourtant bien ancrée dans le sol, avec des racines qui seraient orientées vers le ciel. Terrassant de beauté.